Arte à Sétima - Versão 4.2 (B Movies)

Crítica - Amanhecer (Parte I)

2011-11-22T16:56:00.000-08:00

O bullying com a saga Crepúsculo se tornou algo tão majoritário que até os próprios fãns tem vergonha de admitir que gostam da série. Apesar de eu achar uma saga fraca e cheia de babaquisses, eu procuro avaliar os filmes de uma maneira séria. Grande parte dessa atitude vem pelo fato de eu ter lido os dois primeiros livros, que apesar de eu ter achado que o primeiro volume é o único consideravelmente prestável, é de se achar pontos engraçados e positivos nos filmes. Ainda que não tenha justificação o quarto volume da série ser dividido em duas partes - não só pela falta de história mas como não possui um elo dramático forte o suficiente de séries como Harry Potter; a primeira parte de Amanhecer é, apesar de ser uma obra fraca, bastante divertida pelo fato do novo diretor ter feito algo que nenhum outro diretor tentou fazer quando adaptaram Crepúsculo para as telonas, que é fazer da saga de Crepúsculo, um filme de vampiros.

Tendo dirigido filmes mais sérios como Dreamgirls - Em Busca de Um Sonho e Kinsey - Vamos Falar de Sexo; Bill Condon dá à saga Crepúsculo a direção mais madura da série até então. Grande parte dessa ajuda, também, vem de como a história de Amanhecer - Parte I é apresentada, que pela primeira vez, dá avanços de maneiras significativas. Assim, Bill Condon usa essas ferramentas a seu favor e dá uma cara bastante interessante a série que pode ser facilmente distinguida em dois enredos na própria primeira parte da história.

A primeira parte, obviamente, é o romance bobo de Crepúsculo que todo mundo conhece. A diferença aqui, é que pela primeira vez Bella Swan tem atitudes e pensamentos adultos, que visa possibilidades reais e não cai nos romances bobos que a história criou nos últimos filmes - ao contrário de Edward, que apesar de ter cento e poucos anos de idade e estar com Bella a quatro filmes, continua sendo o personagem insuportável, certinho, que acha que Bella é feita de cristal. Ainda que eles estejam prestes a se casar, Edward fica contradizendo Bella contando histórias em como ele era um assassino antigamente, e como ele tem medo de fazer sexo com ela. Algo insuportável pois ouvimos a mesma história nos últimos três filmes, e apesar de ser algo que fez Crepusculo a série que é, duvido que os fãs, agora mais velhos, ainda acham as manias de Edward "fofas". De um jeito ou de outro, Bella está muito mais adulta que Edward. Ainda que ela só tenha 18 anos, é a idade o suficiente para ela ter a consciência adulta da história em que participa e se revolta com Edward e tenta convencê-lo que sua felicidade está em seu casamento e a relação carnal dos dois. Esta insistência chega até ser divertida em certas partes do filme, onde vemos Bella se preparando para sua grande primeira noite na lua de mel, que é mostrado ao público como algo engraçado, ao mesmo tempo real e particularmente maduro.

Porém, o casamento e a lua de mel são fatores que desencadearão uma verdadeira história de terror. E quando eu digo terror, eu estou falando sério. Apesar de a trama começar a aparecer ridícula, ela é mostrada no filme de uma maneira um tanto sangrenta e violenta para uma saga que estava preocupada em esconder o brilho de seus vampiros, preservar o sexo antes do casamento e resumir a matança dos chupadores de sangue em animais da floresta. E Bill Condon usa esta história a seu favor e cria uma atmosfera que se transforma Amanhecer num filme quase de terror, cheia de referencias aos cinemas de Mario Bava e Dario Argento em certos aspectos. E que história é essa, afinal? Uma versão de o Bebe de Rosemary um tanto teen, porém, muito mais sangrenta. Uma bebe mortífero que nasce em Bella, que vai crescendo rapidamente e matando ela aos poucos. E tudo isso é mostrado através de chocantes cenas onde Bella está anorexica, com cara de morta, e chega até num episódio onde ela tem que literalmente beber sangue humano para conseguir sobreviver. Estas cenas são um tanto chocantes para uma série como Crepúsculo, que ao serem dirigidas por Bill Condom numa atmosfera quase de filmes de terror B, fazem com que Amanhecer se transforme num filme quase de horror. E tudo isso acontece devido a uma direção de arte e uma fotografia voltada, pela minha impressão, à filmes de terror B italianos dos anos 70. As cenas mais berrantes que comprovam isso é o pesadelo de Bella, onde ela vê todos seus convidados mortos, formando uma pilha sangrenta de cadavers; ou até mesmo quando Bella faz o parto - um ato violento onde ela é literalmente arrombada pelo seu bebê acompanhado por gritos e um efeito especial que transforma Bella num autêntico zoombie. Ou até mesmo os próprios créditos do filme, que são escritos à Arial Black com fundo vermelho. Por mais que você esteja lendo esses eventos e achando um tanto engraçado, tente pensar num filme que não é Crepusculo que aconteça as mesmas coisas. A sensação de horror, incrivelmente, não é muito diferente do cenário que o diretor consegue criar em Amanhecer.

Ainda sim, há muita babaquisse que interfere nesta história. Primeiramente, a história insuportável dos lobos que desde o primeiro filme arranjam uma desculpa para causar uma intriga com os Cullens, provocando cenas de ações chatas e conflitos desnecessários. Ainda que formem uma boa parte da trama do filme, ver Bella doente bebendo sangue humano para satisfazer seu bebe vampiro chega a ser muito mais interessante do que ver os lobos e seus "imprinting" - relação de paixão sublime entre duas pessoas. Não seria um absurdo dizer também, que o fato de Bella ter conseguido um bebe vampiro que a está matando, faz parte da moral que Crepúsculo sempre refletiu em Edward, que é a puritanidade. Bella insiste do começo ao fim que quer ter relações sexuais com Edward, mas o vampiro sempre fica com um pé atrás em satisfazer os desejos de Bella. Logo, pode-se dizer que há uma interpretação implícita onde a natureza mãe vem castigar Bella por ter comido a fruta do pecado. Ainda que não faça parte da lógica da história, é uma interpretação possível que apesar de não ter nada a ver com a trama, é de se enxergar - principalmente quando vem de uma escritora mórmon como Stephene Meyer - e causar uma certa impressão no expectador de que Bella está sendo castigada. Tanto que o próprio Edward fica revoltado com o bebê, e as pessoas começam a chamar o bebê de feto, "coisa" e demônio.

Felizmente, o fim de Amanhecer é bastante satisfatório. Ainda que a série não tenha mais motivos para continuar numa segunda parte, já que a última cena, para mim, chega ao nível mais avançado que a saga poderia chegar; Amanhecer conclui sua história com um grande desenvolvimento, e que apesar de ter sido vendido como um filme de romance para o público, é muito mais um filme de violência, sexo e sangue. Obviamente não chega aos pés de filmes de terror, até mesmo os de terror B; mas a tentativa de adaptação vale a pena a visita no cinema, fazendo de a primeira parte de Amanhecer o melhor filme da saga até agora.

Crítica - A Outra Terra

2011-11-19T11:55:00.003-08:00

Comparar A Outra Terra com Melancolia é simplesmente inevitável graças ao fato de que ambos filmes se tratam sobre a aproximação de um planeta sobre a Terra. A única diferença que faz A Outra Terra ser muito mais interessante, é que ao invés de trazer um planeta para destruir o nosso, o novo filme de Mike Cahill trás uma outra versão da nossa Terra, levantando questões se há uma outra versão de nós, se esta versão de nós é igual ou melhor que nós, e o mais importante, somos apenas um reflexo de nós mesmos? Veja o que o Arte à Sétima tem a dizer sobre A Outra Terra

Assim como Melancolia, A Outra Terra mostra esse evento a partir da persectiva de uma mulher, Rhoda. Esta, bem no começo do filme, provoca um acidente de carro ao se distrair com a segunda Terra que aparece no céu, matando a mulher e um filho de um músico. Quatro anos após ficar presa, esta sai da cadeia e vai para um mundo onde todos estão se questionando o que é esta segunda terra, ou Terra Dois, como chamam no filme; e quem habita ela. A pergunta para estas respostas só seram respondidas quando alguém ir para esta segunda Terra, que faz parte de uma promoção onde quem ganhar, embarcará junto com a tripulação que visitará a Terra Dois.

Se sentindo culpada e com a vida arruinada por ter matado duas pessoas, Rhoda se sente deslocada em seu mundo e começa a ver a segunda Terra como uma escapatória para começar tudo de novo. Ou simplesmente querer saber se há alguém igual ou melhor que ela nesta segunda Terra. Porém, estas duvidas começam a entrar em conflito quando descobre que um dos homens que sofreu o acidente de carro está vivo e acabou de sair de um coma. Interessada, Rhoda começa a segui-lo, e após um episódio onde ela tenta contar quem ela é, ela acaba mentindo ser uma empregada que prestas serviços de casa gratuito. Estranhamente, Rhoda começa a ir uma vez por semana na casa deste homem, onde ela passa a conhecê-lo melhor e ter uma relação com ele.

Apesar do filme ser sobre a relação entre Rhoda e o homem que sofreu o acidente provocado por ela - ele porém, não sabe disso; são os elementos ao redor desta história, que apesar de não serem extremamente bem desenvolvidos, fazem A Outra Terra ser um filme bastante interessante. Como a possibilidade de ir para a segunda Terra que é comparada com a teoria da caverna de Platão numa das frases do filme; ou o homem que trabalha na escola com Rhoda, que se cega e se torna surdo por não aguentar ver ele mesmo em todos os lugares; e principalmente uma das teorias que é jogada no fim do filme que no primeiro instante que as pessoas avistaram a segunda Terra, foi o momento em que a sincronia dos eventos se perderam, e quem sabem, estejam na segunda Terra.

São essas e outras discussões que fazem A Outra Terra ser um filme extremamente interessante. Ainda que joguem todas estas teorias, o roteiro brinca com todas as possibilidades, mas nunca explora nenhumda delas a fundo, para fazer com que todo aquele evento seja um mistério mágico e ao mesmo tempo apavorante - sensação que quase todos os personagens do filme vivem. Além disso, a relação entre Rhoda e o homem que foi acidentado por ela, apesar de não ser uma história intrigante, tem seu rítimo peculiar e se desenvolve com competência.

E assim como Melancolia, Mike Cahill trás um filme bastante simples, porém, muito lindo ao mesmo tempo. Mais simples ainda que Von Trier, A Outra Terra parece ser filmado com uma 5D e uma fotografia bastante simples, que faz parecer com que tudo aquilo seja um evento extremamente real. O único efeito especial usado é a aparição da segunda Tera no céu, que por ser a própria Terra, se demonstra muito mais linda do que o planeta Melancolia.

No fim, A Outra Terra é um filme à lá Melancolia que consegue se superar por possuir uma história que levanta questões filosóficas sobre a vida ao invés de simplesmente narrar uma história de depressão - elemento que também está em A Outra Terra. Ainda que os dois filmes sejam muito diferentes, A Outra Terra se supera por ser um tanto mais inteligente. Os últimos segundos do filme, então, são simplesmente extraordinários, que dão uma reviravolta na história de uma maneira altamente significante, pedindo desesperadamente para uma continuação. Não que seja necessária, mas seria muito, mais muito interessante.

O que você ouviu, o que você não ouviu e o que você devia ter ouvido em 2011!

2011-11-15T13:37:00.000-08:00

Infelizmente, o Arte à Sétima perdeu um pouco seu foco este ano devido ao tempo que se foi tomado pelas atividades da faculdade e do cotidiano, fazendo deste ano, o ano mais morno em atualizações do blog, principalmente quando se trata de música. Grande parte dessa desatualização, também, foi o fácil acesso e a grande divulgação que as bandas passaram a ter na internet, tornando o conhecimento delas muito mais fácil e óbvio para os interessados. Apesar de tudo, o Arte à Sétima nunca deixou de falar de música. E fazer um post agora sobre os albúns que mais se destacaram do ano não é só uma tarefa que estamos acostumados a fazer, mas como também, não se é todo ano que temos Arctic Monkeys, Florence and the Machine, The Kooks, Friendly Fires, The Kills e Cansei de Ser Sexy lançando um album novo ao mesmo tempo. Eis então alguns albuns indispensáveis que lançaram em 2011, ou que ainda, vão lançar.

Codes and Keys - Death Cab For Cutie

Para aqueles que nunca gostaram muito de Death Cab For Cutie - ou simplesmente não conhecem; o último lançamento deles é a oportunidade perfeita para passarem a gostar. Sendo um dos meus albuns mais aguardados de 2011, Codes and Keys é um albúm que trás um indie rock calmo, porém, extremamente emocionante e envolvente. Afinal, Death Cab For Cutie é Death Cab For Cutie, e suas comparações ficam nos próprios lançamentos, devido ao som tão especifico que fazem. Para aqueles que tem uma noção, este albúm é uma boa mistura de Transatlanticism com Narrow Stairs - o espírito mais "raís" da banda equilibrado com uma "modernidade" trazida com o tempo de formação da banda. Um album calmo, que não dá sono e ao mesmo tempo, atinge os cantos mais extremos da alma. Simplesmente fantástico.

Torches - Foster the People

Pouco foi se falado do Foster the People aqui no blog, mas não demorou muito para que o mundo falasse por mim. Sendo praticamente a banda mais comentada de 2011, Foster the People é praticamente o melhor lançamento do ano. Misturando indie rock com pop, a banda deixa de lado rótulos e manias hypes, que apesar de carregar o gênero indie na alma, faz um som extremamente original, criativo, bem feito e envolvente. Não há muito o que se falar, apenas o que se ouvir. E se você ainda não ouviu, corra, pois não sabe o que está perdendo.

Blood Pressures - The Kills

Se tem uma coisa que eu adoro no The Kills é sua ligeiridade de lançar albuns. Com aproximadamente oito anos de existência, o The Kills chega este ano com seu quarto albúm. E o melhor de tudo é que eles estão sempre se superando. Apesar de ter certas diferenças em cada album que lançam, eles sempre fazem melhor a cada lançamento. E Blood Pressures não é diferente. Apesar de ser bastante diferente do anterior, Midnight Boom, Blood Pressures consegue ser extremamente envolvente e emocionante e bastante singular quando se trata de rock'n roll. Uma banda muito rotulada como estranha que desta vez, chega em seu auge tanto de reputação quanto qualidade sonora. Uma pérola do rock'n roll moderno.

Pala - Friendly Fires

Para aqueles que acompanham o blog faz tempo, sabe que muito foi se falado de Friendly Fires por aqui. Afinal, não há como negar. Eles foram a banda mais badalada de 2008. O que acontece, porém, é que desta vez, Friendly Fires voltou, só que muito, mas muito diferente - uma junção criativa de música indie eletrônica com samba e música africana. Já era algo de se esperar depois do single Kiss of Life, mas devo dizer que a originalidade de Pala é tão singular que muitas vezes chega a ser perigosa para a banda. O que não deixa, porém, de fazer com que o albúm tenha ótimas faixas. O que fica meio estranho ai, é tentar juntar Pala com o nome do Friendly Fires - uma junção que apesar de não parecer combinar muito, é de extremo bom gosto

Ceremonials - Florence + the Machine

Devo admitir que não estou ouvindo muito o novo album da Florence. Não é nem uma questão de gosto, mas sim, após tantos lançamentos emocionantes no mesmo ano, Ceremonials chegou no fim de tudo, com um som que já conheciamos e que não chegou ao patamar dos outros lançamentos. O que não deixa, porém, de ser um album incrível. Com a mesma sonoridade de Lungs, Florence trás um album mais calmo, assim por dizer, em relação aos instrumentos, onde percebemos menos tambor e arpa e mais piano e guitarra. Há também uma certa semelhança entre as faixas, que apesar de deixarem o album mais cansativo, não fazem com que as faixas sejam ruins. O que fazem mesmo Ceremonais ser deixado um tanto de lado, é a emoção que ficou no Lungs e que não se repetiu aqui. De um jeito ou de outro, é um album que merece ser ouvido.

In the Grace Of Your Love - The Rapture

É extremamente dificil falar de The Rapture sem você ter ouvido sua discografia. Uma banda tão peculiar que possui dois albuns extremamente diferentes, que parecem se juntar neste terceiro, resultando um dos melhores alguns de 2011. Sendo o primeiro album um indie rock barulhento, cheio de berros e ao mesmo tempo eletrizante, In the Grace of Your Love pega essas caracteristicas e as deixam mais comportadas graças a influencias mais dance e pop dos anos 70 e 80 que vem de Pieces of the People We Love, segundo álbum da banda. O resultado final é um som que pela primeira vez, não é um som mais do mesmo, mas sim, um albúm onde a banda pela primeira vez parecem saber o que estão fazendo. Se você não conhece o The Rapture, que comece por este album. Um disco onde todas as faixas são compostas por uma mistura de indie rock e pop num clima extremamente eletrizante.

Young the Giant - Young the Giant

Depois de Foster the People, Young the Giant é coincidentemente o melhor lançamento de 2011. Uma banda que trás um indie rock tranquilo, mas que é extremamente potencializado pela voz do vocalista Sameer Gadhia, dando uma energia emotiva as faixas. Sem contar que todas as faixas são ótimas - uma mistura de Come Around Soundown do Kings of Leon com The Pigeon Detectives, e muito original ao mesmo tempo. Assim como Foster the People, um album obrigatório que se deve ouvir.

21 - Adele

Acho que não há dúvidas de que Rolling in the Deep foi praticamente o melhor single de 2011. Não só Rolling in the Deep, mas como Rumour Has It, Someone Like You e Waiting são faixas extremamente envolventes que fazem 21 ser um dos albuns mais emocionantes do ano. Afinal, o que é a voz desta mulher? A inveja é tanta que agora ela não pode cantar por um ano graças a uma doença que ela pegou na garganta, que afetou as cordas vocais. Enquanto isso, a gente vai curtindo 19 e 21, dois albuns que fazem de Adele uma das melhores cantoras no circuito musical mundial.

Junk of the Heart - The Kooks

The Kooks sempre foi uma boa banda mas que nunca despertou um sentimento de fãn em mim. Até já cheguei a ir no show quando eles passaram aqui pelo Brasil, mas devo admitir que o The Kooks ficava para a trilha sonora de determinados momentos. Tudo muda, porém, com Junk of the Heart. Um album que apesar de ter as caracteristicas tipicas do The Kooks, são muito mais trabalhadas e muito mais evoluidas, fazendo deste não só o melhor albúm da banda até agora, mas como também, o album mais diferentes deles. Não ouvimos só o vocalista com seu violãosinho, mas sim, chegamos a ter violinos, e até batidas eletrônicas em algumas faixas. Uma evolução altamente necessária que caiu como luva. Muito bom!

Suck It and See - Arctic Monkeys

Depois de Humbug, o Arctic Monkeys entrou em processo de reabilitação por muitos fãs. Não que o terceitro album da banda seja ruim, mas o impacto que ele causou depois de albuns como Whatever People Say I Am That's What I'm Not e Favourite Worst Nightmare, foi um processo que deu uma leve dor de barriga em todos, pois demorou para diregir. O resultado dessa história se concluiu em Suck It and See, um albúm que apesar de não chegar aos pés da primeira fase dos macacos, é um álbum bom de se ouvir. Um album mais pop, com melodias mais interessantes que chegam ter muitas vezes uma veia de rock'n roll britânico dos anos 60. Para quem estava cantando Crying Lightning no mar com raios de efeitos especiais precários, Suck It and See é um grande alívio refrescante.

A Different Kind of Fix - Bombay Bicycle Club

Se tem uma coisa que o Bombay Bicycle Club consegue ser, é original. E apesar de ter se voltado para a música folk no segundo álbum, é neste terceiro que a banda revela seus lados mais criativos. Bem diferente dos anteriores, A Different Kind of Fix mistura os elementos indies com o pop das maneiras mais criativas e originais entre todas as bandas de tal gênero que já ouvi. Ainda que trazem um sentimento um tanto melancolico - assim como todos os albuns, é um album muito gostoso e bom de se ouvir. Chega até ficar um pouco dificil de se explicar o porque o albúm é bom, então, o que eu peço é que ouçam o album.

La Liberacion - CSS

Apesar da grande maioria dos fãns ter se revoltado com a banda com a chegada de Donkey, CSS sempre foi uma banda com albuns interessantes. La Liberacion não é diferente. As cinco primeiras faixas remeta facilmente o antigo CSS, com faixas indie electro pop de ótima qualidade (e com ajudas de bandas internacionais significativas), se concluindo com outras faixas levemente interessantes, que apesar de não estar no patamar da primeira parte do albúm, se resulta como outro album interessante da banda. É facilmente o lançamento mais fraco do grupo, mas não deixa de ser mais um disco do CSS.

Wounded Rhymes - Lykke Li

Falar de Lykke Li sem com que a tenha ouvido é uma tarefa um tanto complicada devido a originalidade da banda e os diversos gêneros que se pode caracterizá-la. Fazendo um som que mistura indie pop, com folk, MPB à lá França, Lykke Li volta desta vez potencializado, fazendo um som muito mais agitado e emocionante, tornando sua melodia muito mais criativa e interessante. Um album impossivel de descrever, que só dá para compreender quando ouvido. Um dos lançamentos mais interessantes de 2011.

El Camino - The Black Keys

Pouco conhecia sobre o The Black Keys até a chegada de Brothers, que foi na minha opinião, o melhor album de 2010. O que antes era uma banda de rock e blues cujas faixas mal se diferenciavam de tão iguais que eram, a banda foi realmente mudar com Brothers, um album onde o rock e blues foram trabalhados de maneiras belíssimas, com uma diferenciação de faixas significativas, fazendo do album uma obra deliciosamente original. E para a surpresa de todos, a banda anunciou o proximo album, chamado El Camino. Com o primeiro single já lançado, Lonely Boy, percebemos que a banda se potencializou com Brothers e trouxe o resultado dessa evolução com este novo album, El Camino. O lançamento, que chega no dia 6 de Dezembro, é o melhor presente de Natal que podemos ganhar. Fiquem ligados!

Audio Video Disco - Justice

Depois de muito tempo sem nenhuma novidade, o Justice finalmente chega com seu segundo album, Audio Disco Video. Sendo a única banda de música "eletrônica" que eu gosto que não tenha vocais, o Justice parece ter lançado um ótimo disco pelas poucas coisas que eu ouvi. Infelizmente, ainda não tive a oportunidade de ouvir, mas assim que conseguir, minha opinião estará na barra do menu do blog no On the Jukebox. De um jeito ou de outro, não há como não mencionar seu lançamento aqui.

Crítica - O Preço do Amanhã

2011-11-06T07:13:00.000-08:00

Tempo é dinheiro é o dilema inspirado para o novo filme de Andrew Niccol, O Preço do Amanhã; uma mistura de ficção ciêntifica e thriller que se passa num mundo futurista onde as pessoas param de envelhecer com 25 anos de idade e começam a passar a ter um certo tempo restante de vida. Esse tempo, porém, depende de sua classe social. Quanto mais rico se for, mais tempo se tem e quanto mais pobre é, mais difícil é de se conseguir tempo. E tudo isso acontece devido ao capitalismo que é controlado pelo tempo. Em vez de dinheiro, se usa o tempo. Quanto mais tempo se tem, mais você vive.

A promissa para o filme é algo altamente interessante e levanta questões morais e críticas ao sistema capitalista. Quando foca na trama principal, onde um sujeito pobre literalmente ganha um século de tempo, a história ganha personalidade quando homens começam a ir atrás dele para pegar esse tempo e ele sequestra a filha de um homem poderoso para usar ela de refém para conseguir sobreviver. Infelizmente, o roteiro segue com diversas falhas e uma conclusão totalmente moralista em relação ao desfecho que propõe, sendo este, extremamente anarquista, fazendo de O Preço de Amanhã um filme um tanto delicado, mas ao mesmo tempo, muito peculiar.

Com aproximadamente quarenta primeiros minutos geniais, O Preço de Amanha nos mostra uma história onde a diferença das classes sociais são extremas devido ao tempo que se gasta e ganha. Os pobres, por exemplo, com apenas alguns dias em seus relógios, vão ganhando muito pouco e vão sobrevivendo enquanto podem. Já os ricos, ganham muito e gastam muito mais. Como uma cerveja num bar no bairro dos pobres que custa "trinta minutos" e no bairro dos ricos custa "dois dias". Essa diferença drástica são uma grande crítica ao sistema capitalisa, principalmente quando eles se dividem em cidades, que no filme, são chamados de "Fusos Horários". Resumindo, quem tem mais dinheiro é quem vive mais.

Logo, o filme abre diversas questões sociais interessantes, como os "Homens do Minuto", que são policias do tempo que tentam controlar os "ladrões de tempo". Afinal, tempo é precioso, logo, muito tempo que é dado para alguém sem justificativa pode ser perigoso. Eles são como os controladores da bolsa de valores, só que do tempo. Há também os hábitos sociais entre os pobres e os ricos, onde os pobres fazem tudo com muita pressa e "vivem" mais por terem uma vida mais emocionante e com mais coisas a perder - sentimento que a refém de Justin Timberlake possui em relação aos pobres já que ela pertence ao fuso horário dos ricos, que fazem tudo devagar pois eles tem muito tempo a perder. E é ai que entra a história de Will Salas, interpretado por Justin Timberlake, que após ajudar um cara com um século de tempo fugir de ladrões, ele ganha esse tempo do cara, e logo, os Homens Minuto começam a ir atrás dele. E é ai que ele foge para uma outra cidade, que é a cidade dos ricos, onde todos tem mais de cem anos de tempo e sequestra a filha de um poderoso homem para usar de refém - lembrando que quando eu digo rico eu quero dizer que tem muito tempo.

Tudo até ai havia dado um ótimo filme, até o roteiro querer envolver algo que está além da promissa central de sua história. Sendo um filme sobre um cara que sequestra uma garota para fugir de caras que estão atrás dele por ele ter ganhado muito tempo de vida, o filme tenta virar uma espécie de Bonny e Clyde que se perde ao tentar resolver o problema social dos pobres em vez de tentar resolver o problema dos personagens. Se o filme simplesmente continuasse num estilo Bonnye e Clyde, onde o rapaz e a menina se apaixonam e começam a uma luta de sobrevivência, não duvido que o filme seria ótimo. Infelizmente, eles tentam resolver a questão "capitalista" do tempo ao acabar com os ricos e dar mais tempo aos pobres para sobreviver, pois não é justo milhares de pessoas morrerem para um homem ser imortal. Não que isso seja certo, mas a "solução" que o filme propõe é extremamente anarquista quando os heróis do filme são na verdade bandidos que assaltam bancos para roubar e distribuir o tempo para os pobres. Ou seja, puro caos. Sem contar que os problemas de Will Salas não se resolvem, eles simplesmente continuam, porém, com um objetivo de ajudar outras pessoas.

Por outro lado, há muitas coisas boas que se podem tirar do filme. Primeiramente, o primeiro terço do filme é genial e revela todos os lados positivos que eu disse anteriormente. Segundo, o filme é extremamente bem feito, tanto na direção quanto na fotografia e o figurino. Ao fazerem um mundo futurista controlado por um capitalismo onde o dinheiro é tempo, O Preço de Amanhã lembra um Alphaville do Godard em relação a direção de arte. Amanda Seyfried, também, nunca apareceu tão linda num filme - e coincidentemente, falando de Alphaville, ela está o clone de Ana Karina, atriz muito usada por Godard nos anos 60. Sem contar os atores, que é formado por um elenco extremamente bonito e elegante.

No fim, O Preço de Amanhã é um filme muito interessante, porém, altamente radicalista em pontos negativos, tornando assim, uma obra razoável. Facilmente seria dita como lixo, mas a complexidade de sua obra, por mais defeituosa que seja em certos pontos, é ao mesmo tempo, muito criativa e muito ousada. O que realmente pecou é seu desfecho, que é tão crítico quanto a proposta do inicial do filme. De um jeito ou de outro, o tempo que se gasta vendo O Preço de Amanhã é no mínimo interessante. Se você está disposto a gastar esse tempo, a escolha é sua.

Crítica - A Pele Que Habito

2011-11-05T11:03:00.000-07:00

A sensação que temos quando o novo filme de Pedro Almodovar começa, é que estamos entrando num território exótico e desconhecido. Reconhecido por fazer filmes de forma kitsch, o diretor espanhol usa desta vez suas peculiaridades de forma sútil que, para contar uma obra de terror, transforma A Pele Que Habito numa verdadeira experiência cinematográfica. Um filme instigante, provocativo, que apesar de estar tratando um assunto extremamente violento, consegue se demonstrar como um filme exótico, peculiar, e altamente interessante.

Imaginar A Pele Que Habito sendo feito nos anos 50 ou anos 30 é uma tarefa extremamente fácil devido a maneira como o diretor escolhe mostrar seu filme – uma obra que apesar de ter sua personalidade às avessas, consegue se preocupar mais em usar uma mise en scene voltada para as cores e formas de maneiras sutis e equilibradas em frente a câmera. Aliais, A Pele Que Habito é um filme extremamente complexo em questão de cores e formas. Uma direção de arte altamente pensada que dá contrastes fortes no meio de um cenário totalmente pensado e bem elaborado em relação a história que se conta.

O que fica interessante no filme é que as cores mais inapropriadas para um filme de terror dão vida a uma história tenebrosa e chocante, fazendo do filme uma obra extremamente instigante. E o que seria isso? Um Frankenstein e um Médico e o Monstro moderno e colorido. Uma história de um cirurgião plástico que deseja se vingar dos homens que violentaram sua filha. Mas o filme vai além disso. É uma busca de identidade, tanto interna quanto externa. A pele mostra ser o que somos, e ao mesmo tempo, esconde os nossos mais sombrios segredos. E a forma como isso é criada no novo filme de Almodovar acontece numa fórmula extremamente interessante e chocante, fazendo da experiência do filme uma experiência única, que junto com as cores e formas do filme, fazem de A Pele Que Habito um filme que transcende questões como o cinema pela arte e o cinema pelo entretenimento – este é nada mais nada a menos que a experiência cinematográfica em seu auge.

O mais interessante de tudo, ainda, é a reação do público em relação ao novo filme de Almodovar. Apesar de ser um filme de fato chocante e para alguns, desconfortável, é uma experiência onde, como eu disse, muito mais cinematográfica do que narrativa. Pode ser chocante ver o que se esconde por trás das peles dos personagens do filme, mas o fetiche criado na elaboração da cena em sí e sua forma fílmica, fazem de A Pele Que Habito um filme impossível de tirar os olhos da tela. E não há nenhuma inovação técnica criada por Almodovar. É o filme pelo filme, a forma pela história. Uma conexão criada da tela para o expectador com os mais requisitados cuidados, que não pede atenção ou bagagem intelectual de quem assiste. É um filme para ser visto e apreciado. Aqueles que saem da sala ou acham o filme uma obra estranha, não poderiam ser permitidos a entrar no cinema para ver qualquer filme. Não é uma questão de revolta cinéfilia, mas simplesmente a desilusão do que essas pessoas tem sobre o cinema. E A Pele Que Habito é puro cinema. É de se entender que tenham certas reações com filmes como Árvore da Vida, mas deixar esse filme para trás para elogiar obras sem muito poder como Drive, é simplesmente inexplicável.

A Pele Que Habito é por fim, o cinema pelo cinema, a arte pela arte, a experiência cinematográfica em sí. Não se assiste filmes para se divertir ou pensar, apenas para apreciar. E A Pele Que Habito transcende todas essas questões. Ainda que tenha deixado um pouco a desejar nos seus últimos cinco minutos, não se pode parar de pensar a obra inteira completa. É sem dúvida, um dos melhores – se não o melhor, filme do ano.

Crítica - Drive

2011-10-30T10:33:00.000-07:00

De vez em quando aparece umas “surpresas” no cinema que acabam surpreendendo o público e a critica devido a uma série de fatores que o filme proporciona. Depois de muita propaganda, estes filmes caem nos ouvidos do povo como bons, e acabam sendo as obras mais esperadas do ano. O que sempre devemos ter cuidado ai, é que só porque dizem que é bom, não significa que ele realmente seja. Não que aconteça com frequência, mas definitivamente é algo que aconteceu com o filme Drive.

Geralmente as pessoas vem e perguntam do que o filme se trata. No caso de Drive, é sobre um cara que dirige. A pergunta é: dirige o que? A resposta para tal questão fica tão aberta quanto a definição do personagem interpretado por Ryan Gosling. Um sujeito misterioso, meio bad-ass que presta diversos serviços envolvendo carros, mas que nunca revela uma verdadeira identidade. Tudo o que sabemos é que ele é bom com o carro. Ele participa do submundo de roubo de Los Angeles, é duble em acidentes de carros em filmes, concerta carros num mecânico e corre em corridas. Quem ele é e o que o motiva a fazer essas coisas é um mistério. Tudo o que sabemos é que quando o contratamos, ele segue um dilema de que “ele será seu por apenas cinco minutos onde você pode contar com ele para tudo dentro desses cinco minutos, caso o contrário, a pessoa está por sua conta”.

Até ai, não temos problema algum. Afinal, o filme se inicia com uma ótima sequência envolvendo o roubo de uma loja e uma fuga de carros com a policia que termina com um ótimo desfecho. O problema começa a aparecer mesmo é quando este acaba se envolvendo com sua vizinha, Irene. Interpretada por Carey Mulligan, os dois iniciam um romance fraco, vazio e sem química que começa a ter problemas com a volta do marido de Irene da prisão. Este está envolvido com pessoas perigosas que podem machucar Irene e sua filha. E sendo Ryan Gosling o personagem versátil que interpreta, ele tenta ajudar o marido de Irene, mas acaba entrando numa verdadeira enrrascada. É ai então que do meio para o filme, uma história extremamente violenta se inicia onde Ryan Gosling simplesmente vira um assassino lunático lutando pela sua sobrevivência. Algo que não seria um problema se soubéssemos direito quem é o personagem de Gosling e o que ele está sentindo. A falta de identidade acaba afetando a história quando uma hora vemos um rapaz inteligente e dócil e na outra vemos ele pisando em cima da cabeça de um cara até sua face virar um prato de sopa de sangue.

E tudo isso acontece num estilo abordado pelo diretor que não dá certo. Com uma história onde nunca parece ter tido uma identidade certa, o diretor Nicolas Winding Refn tenta fazer de Drive um filme à lá David Lynch com elementos Tarantinescos – uma fórmula interessante que provavelmente daria certo em outros filmes mas que é pobremente usada em Drive. Apesar de vemos uma Los Angeles escura e misteriosa, o diretor escolhe todas as trilhas erradas, fazendo com que a sensação de que a música com não combina com a cena seja constante no filme inteiro. Sem contar a violência que aparece de forma radical e inesperada no filme. Para um filme que era sobre um “cara que dirige”, as cenas explícitas de pessoas levando facadas na cara fica um tanto radical no filme, causando uma sensação no espectador de que não sabemos mais que tipo de filme estamos vendo. Esta sensação é provavelmente o sentimento mais forte que acompanha o expectador durante toda a projeção de Drive.

E para aqueles que não concordam comigo e dizem que eu não entendi o filme, não há nada o que não entender. Os elementos interessantes estão lá, eles só foram usados de maneiras erradas. Há cenas muito boas no filme, mas infelizmente, são breves e poucas. São elas e a ótima atuação de Ryan Gosling que conseguem salvar o filme. O resto, está mais para drive thru do que Drive... algo que se digere que nem vale a pena sair do carro para saborear direito.

Crítica - Do Começo ao Fim

2011-10-18T16:48:00.000-07:00

Achei interessantíssimo o fato das críticas caírem em cima do filme Do Começo ao Fim quando o longa foi lançado. Depois de toda a polêmica sobre o incesto homossexual e o belo video promocional do Youtube que virou hit na internet, muita gente caiu em cima do filme por dizer que o assunto tratado estava mal desenvolvido. O que a maioria não vê, porém, é que o assunto tratado não se importa de ser um assunto, mas um fato que é desenvolvido sem preconceitos, sem censura e sem medo de chocar. Muito pelo contrário, é uma grande história de amor cujos aqueles que procuram que o tema homossexual tenha mais liberdade no cinema, não conseguem enxergar que está é um dos melhores exemplos ja feitos.

Talvez o grande erro de distribuição e marketing ai tenha sido ter vendido o filme como um filme sobre homossexualidade e incesto. Obviamente o diretor Aluizio Abranches não escolheu tal temas apenas porque queria fazer algo diferente, mas isso não significa que tal tema tenha que ser tratado como um tabu. Aliais, é assim que o filme começa. Lindas cenas que se botam em risco por transformar a aproximação de duas crianças uma situação estranha e desconfortável. Esse sentimento, porém, não tem como não sentir, pois não se trata apenas de dois meninos, mas sim, duas crianças cheias de apelo sexual. Há tanto uma fala em particular que é extremamente desnecessária, quando um dos irmãos diz "um pintinho mais um pintinho é um pintinho e um pintão" apontando para o irmão. Mas isso é apenas o começo.

Quando um parente da família morre, anos depois, o elo sexual dos irmão finalmente parece florescer - se é que já não tinham florescido antes, mas tudo leva a entender que é a partir daquele momento que eles estão "livres". O que começa com uma cena de nudismo se torna uma seqüência sexual ousada, mas que o amor e o tema romântico conseguem falar muito mais alto do que as carnes explicitamente expostas em frente a câmera. Posso admitir que uma ou duas cenas são desnecessárias, mas não pela antipatia com a cena - caso o contrário, nem veria o filme; mas sim, por simplesmente não acrescentar nada a trama. Por outro lado, os conflitos e o romance consegue falar muito mais alto nessas cenas, fazendo com que os dois rapazes revelem uma relação extremamente bela, íntima e intensa, que cortam automaticamente os tabus que giram em torno de homossexualidade e principalmente incesto. E não porque Aluizio Abranches explora pouco. Vemos beijos e órgãos sexuais, mas a relação é infinitamente mais forte, fazendo o filme o que ele é. Até mesmo o pai, depois de todos esses anos, parece já entender a relação dos filhos. E tudo isso é reforçado no último terço do filme quando acompanhamos o conflito interno de um dos irmãos que ficou no Brasil enquanto o outro está na Russia, treinando para as olimpíadas.

O mais interessante de tudo, ainda, são os atores. Até onde eu sei, nenhum deles é homossexual e ainda eles se entregam com paixão aos seus personagens, realizando as cenas de um modo que fazem o filme ser o que é. Obviamente, tratar essas questões se tornam ridículas, principalmente no mundo do cinema e do teatro, onde a maioria se destacam com uma diversidade sexual significativa. Porém, isso não deixa de fazer com que a performance de Josão Gabriel Vasconcelos e Rafael Cardoso não entram em destaque. É bem provável que dois atores homossexuais não teriam conseguido criar a intensidade que estes dois atores criaram.

Já Aluizio Abranches, não é preciso dizer mais nada. É responsável por criar essa bela obra com temas extremamente fortes e transportar para a tela as coisas mais importantes e belas que devem ser tiradas de tais temas. Não só isso, mas é também responsável por uma delicadeza que além de ser ousada, também consegue ser extremamente intensa. Quem aproveita bem, são aqueles que olham a obra com os respectivos olhares.

Best Coast - Para dançar e chorar.

2011-09-18T19:48:00.000-07:00

Best Coast não é nenhuma novidade pra quem está antenado nas novidades mais inusitadas do ano no mundo da música. Para aqueles que não conhecem, porém; ou simplesmente já ouviram falar mas nunca pararam para ouvir, esta é uma ótima oportunidade para conhecer, ou simplesmente conhecer melhor. Afinal, viciamos em Best Coast.

Com o primeiro album lançado em 2010, Crazy For You é um album constituído por faixas melancólicas sobre o amor mal correspondido e paixões platônicas. O que fica diferente, porém, é que as músicas são melodias felizes e nostalgicas a base de um indie rock pop que mistura a música dos anos 60 com musicas de praia. O resultado é um album que dá vontade de cantar, dançar e ao mesmo tempo entrar na bad e se lembrar de alguma crush que você teve por alguém. Não que isso seja uma coisa boa mas o fato da música conseguir te causar os dois sentimentos ao mesmo tempo, fazem com que Best Coast seja uma banda deliciosa de ouvir ao mesmo tempo, altamente viciante.

A banda é formada pela vocalista Bethany Cosentino e pelo multi-instrumentalista Bobb Bruno. Ambos conseguem trazer um som estilo She & Him, porém, com efeitos de bandas como Generationals, Girls ou The Pains of Being Pure at Heart. As faixas curtas e com letras fáceis de se lembrar fazem com elas fiquem na cabeça facilmente. Sua sonoridade divertida, então, faz você querer ouvir diversas vezes seguidas. Quem gosta de tais bandas mencionadas, baixar o album do Best Coast é uma obrigação, pois eu, pessoalmente, acho eles melhor do que tais bandas mencionadas. Veja abaixo um clipe recente deles dirigido pela Drew Barrymore. Atores do Kick Ass e Teenwolf estão no video.

True Blood: Quarta Temporada - o que aconteceu, o que não aconteceu e o que vai acontecer!

2011-09-12T13:08:00.000-07:00

Um dos assuntos paralelos do Arte à Sétima é a série True Blood. Para aqueles que não acompanham, já houve um post no ano passado incentivando a assistir a série por diversos motivos. Já para aqueles que gostam, acreditam que também ficam interessados pela nossa opinião tanto quanto a dos filmes. Agora que a quarta temporada acabou, nada como fazer um review de tudo o que aconteceu na série, e obviamente, o que aconteceu no último episódio. Aqueles que ainda não chegaram na quarta temporada, estão na metade e principalmente não viram o último episódio, este post não é aconselhável pelo uso de spoilers. Caso o contrário, confira o que o Arte à Sétima tem a dizer!

True Blood começou com uma simples série de vampiros onde estes haviam se revelado para o mundo graças a invenção do sangue sintético conhecida como True Blood, fazendo com que o uso humano para alimentação dos vampiros fosse desnecessária. Centrada no interior de Louisiana em um romance entre uma telepata com um vampiro, a série foi abrindo portas para um mundo mais sexy e tenebroso de lobisomens, pessoas que se transformam em animais ou panteras, fadas e demônios antigos. Sendo este o ponto mais forte da série, muita gente não gostou da piração da terceira temporada que envolveu a Sookie sendo uma fada, apesar de eu ter achado sensacional. Abrindo muitas portas para diversos problemas, o fim da terceira temporada foi praticamente um cliff hanging por além de não ter concluído muita coisa que havia começado na temporada, havia aberto mais portas para o que poderia acontecer, como a revelação de Lafayette sendo um bruxo e Bill ter se interessado por Sookie por interesses da rainha, apesar de ter se voltado contra ela no fim.

E é nesse pretexto que se inicia a quarta temporada. Porém, o fato de ter se passado um ano quando Sookie volta para Bon Tomps fez com que a série jogasse com apostas altas, pois havia muita coisa para se explicar. Afinal, Sam tinha atirado no irmão, Lafayette era um bruxo e Bill havia se revelado um impostor ao se apaixonar por Sookie para descobrir o que ela é mas acaba se voltando com a pessoa que o mandou fazer isso e Jason começou a cuidar da família Pantera de Crystal. Não se pode deixar um espaço de um ano entre uma temporada e outra sem responder essas perguntas. Felizmente, o fato da história ter andado um pouco sem com que nós sabemos o que aconteceu foi um ótimo pretexto para fazer com que a série esteja cheia de novidades. Afinal, a série começou com Jason sendo policial, Sam indo num grupo de reabilitação junto com outros metamórfos, Tommy morando com a mãe de Hoyt, Tara numa outra cidade namorando uma menina; Arlene já com o bebe nascido, Lafayette começando a se interessar por bruxaria e o mais importante, Bill sendo o rei de Louisiana.

Porém, apesar de estar cheio de novidades, o começo da quarta temporada de True Blood teve um desenvolvimento um tanto bagunçado, onde muita coisa que apareceu acabou não servindo para nada, como Bill pegando várias garotas na cidade, Eric comprando a casa de Sookie para ela ser dele, Sookie indo no mundo das fadas e até mesmo Jason sendo sequestrado pelos irmãos panteras para se tornar um que nem ao menos isso acabou acontecendo! Já outros acontecimentos que pareciam não servir para nada, acabou tendo desfechos incríveis, como Tommy voltando para os pais que acabou desencadeando o assassinato deles e todo o lance do skinwalker, que achei que foi um dos pontos mais fortes dessa temporada.

Agora falando das principais tramas dessa temporada. Primeiramente, Eric perdendo a memória. O terceiro episódio onde mostra o que acontece com ele depois de tal evento é simplesmente fantástico. Infelizmente, todo aquele humor acabou se desencadeando por um romance paralelo entre Sookie e Eric que eu, particularmente, achei ridículo. Tudo bem que muita gente ama o Eric e estava torcendo para que isso acontecesse, mas True Blood não é seriado de romance e em todas as temporadas a série jamais deu espaço para isso acontecer, com excessão de Jéssica e Hoyt e Jason e algumas mulheres que ele pegava. Além de todo aquele lance de "vamos ser um só", o romance de Eric e Sookie não acrescentava nada na temporada enquanto todo mundo tava se fodendo com a Marnie, que era outra história que não ia nem pra frente e para trás. Falando dela agora, True Blood nunca teve um vilão tão chato desde a primeira temporada. Quando nos falaram que a quarta temporada ia ser de bruxas, imaginei que fosse uma loucura total, que nem a terceira temporada mostrou. Infelizmente, a bruxa acabou sendo uma chata que precisou de um espírito pra ficar perigosa, e quando ficou do mal, ficou se escondendo e aprisionando os outros. Tudo bem que ela proporcionou eventos geniais, como o feitiço de fazer todos os vampiros irem encontrar o sol, resultando naquele final incrível onde Jéssica sai para fora de casa de dia e Jason pega ela; e a cena do cemitério, onde Sookie leva um tiro no fim do episódio. Tirando isso, ela só serviu pra ficar fazendo os outros de refém.

E falando em bruxa, já não bastasse Marnie ser uma chata, mas Lafayette não aprendeu nada. Quando Jesus havia falado que ele tinha poder para ser um bruxo no fim da terceira temporada e começou esta quarta indo a encontros de wiccans, imaginei que Lafayette ia começar a ser alguém importante na série, mas ele é a mesma pessoa medrosa do começo ao fim. Jesus, por exemplo, ficou muito mais empenhado em fazer as coisas acontecerem, e não ensinou nada para Lafayette. Simplesmente decepcionante. Quando True Blood tratou de demônios, ele realmente fez um ritual satânico; quando se tratou de lobisomens, era uma fortaleza de lobisomens; quando se tratou de fadas, era literalmente um mundo de fadas; mas quando se tratou de bruxas, houve muita faladeira e pouca coisa pra ver. Outra coisa que deixou a desejar também foi o bebe de Arlene. Quando ele começou a fazer coisas estranhas e escrever na parede "not your baby", acreditei mesmo que algo do mal estaria relacionado com ele. Mas foi ai que começou a aparecer mulher negra cantando em francês. O episódio em que ela possui Lafayette é muito bom, mas apesar de proporcionar um bom episódio, não contribui muito para a temporada, e mais uma vez, Lafayette não aprende nada e Jesus continua resolvendo as coisas.

Por outro lado, houve conflitos interessantes. Um deles foi o de Alcide que se preocupava com Sookie, fazendo com que Debbie despertasse um ciume violento. O negócio do grupo de lobisomens também foi bastante interessante e até achei que eles iam ter uma participação mais importante relacionado a guerra dos vampiros e das bruxas. Infelizmente, esta história só pecou no fim quando o ex namorado de Luna fica com Debbie. E falando em Luna, ela foi um dos meus personagens preferidos dessa temporada. Ela não é só interessante e divertida mas fez com que Sam finalmente se tornasse uma pessoa boa e legal, ao contrário da terceira temporada inteira. E nesse pretexto entra Tommy, também, que após matar os pais, se tornou um skinwalker. Como eu disse anteriormente, eu achei que este foi um dos pontos mais fortes dessa temporada, pois foi algo que eu realmente não estava esperando! Infelizmente, o coitado morre. Porém, acho que sua morte fez da vida de Sam mais humana e natural. Apesar de ter criado demônios para se lembrar, criou uma certa paz na vida de Sam, principalmente agora com Luna ao seu lado. E falando em romance, outra história que eu gostei bastante foi o triangulo amoroso entre Jessica, Jason e Hoyt. Um ótimo conflito que se desenvolveu de forma divertida e chocante.

Há outras coisas importantes que ficou um pouco apagado no fim da temporada, que foi o fato do mundo inteiro estar contra os vampiros depois do ataque de Russel na televisão. Este era um ponto forte no inicio da temporada, mas que ficou mais apagado com o desenvolver por causa da história de Antonia. Porém, o acontecimento naquela festa de Tolerância onde ela possuiu os vampiros e atacou todo mundo também vazou para a televisão e nada foi comentado. Será que eles vão guardar isso pra proxima temporada?

Falando do último episódio agora, eu fiquei extremamente satisfeito. Não estava achando a quarta temporada uma temporada muito boa por todos esses fatores que acabei de dizer, mas seu fim fez toda essa trajetória valer a pena. Ao contrário do season finale da terceira temporada, neste, todas as histórias que começaram na terceira e principalmente na quarta temporada, se resolvem de maneira quase pacifica e extremamente emotiva. Apesar de Marnie ter possuido Lafayette, o que eu tinha achado extremamente desnecessário, ela acabou decidindo ir para o "além" depois de uma incrível cena onde os mortos vem ajudar Sookie e Tara. O aparecimento de Adele na cena, avó de Sookie, quase me provocou lágrimas. Além disso, Sookie finalmente decidiu colocar um fim nos demonios que a atormentava e colocou um fim nas possibilidades de ter Bill ou Eric em sua vida. Bill já nem tem o direito de fazer mais isso, mas depois de tudo o que Sookie e Eric tiveram nessa temporada, acredito que ele virou apaixonado o suficiente para se tornar uma nova pessoa e respeitar as vontades de Sookie. Felizes também terminaram Jason e Jessica, assim como Sam e Luna. Alcide também decidiu tirar Debbie de sua vida, e Arlene agora finalmente viu o fantasma de seu ex-marido que veio plantar coisa na cabeça dela de que Terry é perigoso. Jamais poderiamos pensar isso de Terry, mas afinal, quem é aquele cara que decidiu aparecer neste episódio? Já o Lafayette, coitado, vai ter que viver só com o espírito de Jesus. Pelo menos o poder que ele tem vai servir pra alguma coisa depois e ele não vai ter que se lamentar de ter matado seu namorado, já que ele "convenceu" Lafayette de que está bem onde está e que sempre estará com ele.

Agora falando em morte, eu estou profundamente perturbado. Antes de sair o episódio eu fui ver no Twitter o que o pessoal dos Estados Unidos tinha achado do season finale e então, li algum idiota postando R.I.P Tara. Eu fiquei extremamente chocado, mas já tinha pensado que isso poderia ser uma possibilidade para ela pois acreditava que ela não conseguiria ser feliz num mundo onde ela é ameaçada constantemente por vampiros. Porém, neste último episódio ela demonstra que um novo começo pode acontecer, e meu... o que foi aquela última cena? True Blood nunca teve um episódio tão humano, dando finais felizes para todos. Sobrou até pra Pam que ficou chorando pelo Eric que estava apaixonado por Sookie, seguido por um abraço da garçonete. Ficar moendo o episódio inteiro o quanto a vida deles são miseraveis mas que no fim, pode dar tudo certo, como podem ter matado a Tara daquele jeito? E não é triste, é simplesmente dolorido de se ver. A cena é crua e rápida, e acaba com Sookie gritando "alguém, por favor, nos ajude", pois ela sabe que não há ninguém para salvá-los daquele mundo. Tudo isso fez com que este seja o melhor season finale da série, e quem sabe, o melhor episódio de True Blood. Pelo menos a Sookie matou a vagabunda da Debbie.

Agora, antes que começamos a chorar aqui, vamos falar dos ganchos que este episódio deixou. Pelo fato da temporada ter resolvido todos os conflitos tanto da terceira mas como da quarta temporada, os ganchos, apesar de ser interessantes, nos dão fôlego para aguentar esperar um ano. True Blood sempre acabou com finais que abrem portas para novos acontecimentos, mas a maneira como acabou a terceira temporada fez com que um ano de espera fosse uma verdadeira tortura. Agora, apesar dos misteriosos acontecimentos como o reverendo da Fellowship of the Sun que havia desaparecido, retornar como vampiro e um suposto lobisomem ir atacar o Sam, o rumor que estavam comentando finalmente apareceu: Russel está de volta! Não imaginei que eles já iam mencionar nesta temporada, mas pelo visto, cabeças vão rolar. E o fato da mulher da Autoridade ter morrido, acredito que muitas portas sejam abertas para Bill e Eric. Quem sabe uma parceria?

Resumindo, a quarta temporada de True Blood é provavelmente a melhor de todas as temporadas. Acredito que ela esteja praticamente empatada com a terceira temporada por mais que muitos tenham achado que a terceira temporada é uma loucura total. Mas é essa loucura que faz True Blood ser o que é. True Blood não é Crepusculo ou The Vampire Diaries! True Blood é True Blood! E o que ficou extremamente forte nessa temporada foi que Allan Ball, depois de toda aquela maluquice, deixou o mundo de True Blood muito mais humano em nos apresentar conflitos entre casais, novos romances e mortes significantes. Por mais que tenha sido a temporada mais fraca sobre o conceito de bad things, foi uma temporada para nos concientizarmos que eles, apesar de tudo, ainda são humanos. E por mais que o desenvolver da temporada não tenha deixado isso tão claro, esse episódio foi o mais humano de todos. E o final com Sookie gritando por ajuda para ninguém, é um dos finais mais incríveis que eu já vi em qualquer outra série. Parabens Allan Ball; parabéns HBO... nos vemos na proxima temporada!

Upcoming 2011

2011-09-08T16:07:00.000-07:00

Se tem uma coisa que começou bem na nova década, foi o cinema. Aqueles que dizem o contrário ou não estão vendo os filmes certos ou simplesmente não estão vendo filme algum. É muito fácil falar das grandes obras do cinema como Coppola, Godard, Leone, Tarantino, entre outros. Conhecê-los é o dever de todo cinéfilo, mas isso não quer dizer que devemos ignorar o que está por vir. Ano passado tivemos filmes importantíssimos, como A Rede Social e A Origem, que apesar de serem sinônimos de Oscars tiveram sua importância gravada pelos nomes que fizeram as obras. Países estrangeiros mostraram coisas interessantes também, como Tio Bonomee e Amores Imaginários. Até o Brasil entrou nesta lista com Tropa de Elite 2, o maior sucesso blockbuster do país, anunciado oficialmente a cultura de ser ver filmes brasileiros no cinema, tendo esse número triplicado neste ano com milhares de filmes nacionais sendo exibidos pelo país. Sem contar o 3D, que teve um grande espaço no mercado cinematográfico, tendendo a aumentar muito mais a cada ano que passa.

E as coisas não param por ai. Apesar de estarmos em Setembro de 2011, já temos obras importantíssimas este ano como Melancolia e Árvore da Vida. Porém, quando vi o que ainda está para lançar nos cinemas este ano, fiquei impressionado com a quantidade de filmes interessantes que foram produzidos e ainda não lançaram, mas que são alvos de prêmios em festivais internacionais. Eis aqui uma breve lista de alguns filmes que eu selecionei que você não pode perder quando estes forem lançados!

Another Earth é um filme de drama misturado com ficção ciêntifica muito parecido com Melancolia, que conta a história do aparecimento de uma outra Terra ao lado da nossa e um acidente de carro provocado por uma estudante. Tendo sua participação no Sundance Film Festival desse ano, o filme aborda questões sobre a vida, o "outro eu" e a chance de recomeçar novamente num lugar diferente. O filme foi dirigido pelo iniciante Mike Cahill, com William Mapother (Ethan do Lost) e Brit Marling (Community). Infelizmente, ainda não há previsão para o filme chegar no Brasil. Enquanto isso, você pode ver o fascinante trailer acima.

A Bela Adormecida está longe de ser o filme sobre o conto de fadas que todos conhecem. Aliais, sua trama está mais para os adultos do que para as crianças. Causando bastante controvércias no Cannes deste ano, este primeiro filme da diretora Julia Leigh narra a história de uma garota universitária que decide se aventurar no mundo da prostituição ao atender homens que possuem fetiche por mulheres que dormem no ato sexual. O trailer possui toda uma mis'n'scene sinistra, com imagens que lembram referencias de Salo ou 120 Dias de Sodoma e De Olhos Bem Fechados. O filme também não possui previsão para se chegar ao Brasil, mas o trailer é hipnotizador. Confira!

Begginers está sendo o filme independente queridinho de todos os festivais. Com críticas positivas, este filme parece juntar o humor negro e as graciosidades da vida de maneira refinada e interessante. A história não tem muito a dar. A jornada de um filho mais velho que tem que tomar conta de seu pai que decidiu sair do armário assim que descobriu que tem câncer. O forte mesmo aqui é o roteiro, que apenas com o simples trailer lançado pela distribuidora percebemos que é um desses filmes deliciosos de se ver. E quando se junta Ewan McGregor, Mélanie Laurent e Christopher Plummer nisso, a vontade de ver é maior ainda. Confira o trailer!

Junte Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster e John C. Reilley numa sala e mandem eles se matarem. Isto é Carnage, novo filme do diretor Roman Polanski que adapta a peça de Yasmina Reza. A trama acompanha um desentendimento entre crianças em um playground, seguido pela discussão entre os pais de dois garotos envolvidos. A conversa inicia de maneira cordial, mas transforma-se em um debate sobre temas polêmicos como racismo, homofobia e misoginia. O filme está sendo extremamente bem recebido em todos os lugares, sendo possivel prever alguma indicação ao Oscar de 2012. O filme lança oficialmente nos EUA dia 16 de Dezembro, então, talvez só veremos este aqui ano que vem. Enquanto isso, veja o trailer do filme!

Martha Marcy May Marlene é um dos filmes que eu estou mais esperando para ver. Espero que pelo menos, dentre estes que eu estou citando, algum venha para a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, pois aguentar esperar chegar todos eles dói demais. Este independente filme que também está indo muito bem nos festivais relata a história de uma mulher desestabilizada que é assombrada por recordações dolorosas e uma paranóia crescente, onde ela se esforça para se reintregar com sua familia depois de escapar de um culto abusivo. O elenco é composto por Elizabeth Olsen, Brady Corbet, Hugh Dancy e John Hawkes. Se você achou o nome e a sinopse interessante, o trailer, então, é fantástico.

Margaret é um terror psicológico sobre um acidente de carro envolvendo uma estudante. O filme possui um elenco incrível composto por Anna Paquin, Matt Damon, Mark Ruffalo, Matthew Broderick e Alison Janney. Tendo ainda não participado de nenhum festival, o filme acaba ficando pendente nos comentários e tendo seu lançamento nos Estados Unidos para o dia 30 de Setembro. Apesar de não possuir previsão para o Brasil, podemos ver o interessante trailer acima.

In Time, ou O Preço do Amanhã, é um provável blockbuster estilo Christopher Nolan. Com uma direção de arte e fotografia maravilhosa e um elenco interessante formado por Olivia Wilde, Amanda Seyfried, Justin Timberlake, Alex Pettyfer e Matt Bomer, o filme conta a história de um futuro onde as pessoas param de envelhecer com 25 anos e precisam trabalhar para ganhar mais tempo de vida. A trama consiste num homem que consegue mais tempo para viver do que ele pode imaginar, fazendo com que ele tenha que correr da policia para salvar sua vida. Apesar de não parecer grande coisa para aqueles que não gostam muito de ficção ciêntifica, a produção do filme parece prometer bastante, fazendo com que a espera seja válida. O filme chega no Brasil no dia 4 de Novembro. Veja o interessante trailer acima.

Weekend é um filme de temática gay que vem sendo aclamado pelos festivais. A história é sobre dois rapazes que passam um fim de semana juntos após se conhecerem que conversam sobre a vida, o futuro, relacionamento, amor, entre outras coisas. Veja o trailer acima.

Apesar de eu ter falado sobre oito filmes que estão para lançar, eu consegui achar aproximadamente trinta filmes interessantes que vão estar ocupando as salas de cinema durante esse semestre. Algumas pessoas já ouviram falar deles, como Inquetos de Gus Van Sant; A Pele que Habito do Almodovar; A Dangerous Method; Um Dia; My Week With Marylin com Michelle Williams e Emma Watson; Twixt do Coppola; We Need To Talk About Kevin, entre outros. Separei então os mais diferentes e interessantes destes. Espero que tenham se interessado por algum, e assim que virmos algum deles, sua critica estará aqui no blog!

Hesher

2011-08-22T13:45:00.000-07:00

Você tem uns treze anos e foge para longe pois não sabe lidar com seus problemas. Lá, você encontra vários monstros que te fazem rei e brincam de pega-pega com você. Fica bonitinho num filme, né? Agora substitui os monstros por um metaleiro tatuado de cabelo cumprido que invade a sua casa, mora lá e te ameaça a te matar se você o expulsar, destrói tudo ao seu redor e te coloca em encrencas. Você veria? Conheça Hesher, um Onde Vivem os Monstros versão Hardcore, com Natalie Portman e Joseph Gordon-Levitt.

Para aqueles que estejam se perguntando o porque eu estou usando a comparação de Onde Vivem os Monstros, é porque simplesmente não tem como se lembrar de Max ao ver T.J em Hesher. O garoto possui 13 anos e não sabe lidar com a morte da mãe. E o que ele faz então? Começa simplesmente a destruir coisas. Mas não é coisas como o quarto da irmã em Onde Vivem os Monstros, estou falando de destruir casas mesmo! E é num desses eventos que aparece Hesher, um cara magrelo com tatuagens (cujos desenhos são um dedo do meio, um homem de palito se matando, o esqueleto de um macaco), cabelo e grande e obviamente nada limpo. O cara se irrita com T.J e simplesmente invade a casa do menino e o ameaça caso ele o expulse de lá. Atormentados pela morte da mãe, ninguém parece realmente se importar com a presença do maluco de cueca e tatuagens que vê pornografia e bebe cerveja o dia inteiro. E é ai então que a presença do rapaz começa a mudar a vida de cada um lá dentro.

A maneira como essa história é contada, porém, é extremamente politicamente incorreta. As vezes, chega até ser gratuita demais, mas nada que não sirva para boas risadas. Na verdade, eu até cheguei a deixar a história mais bonitinha com essa minha "sinopse", pois Hesher não se deixa passar por um garoto de "fins através de meios" em nenhum momento. Ele é um cara que não está nem ai, e pode-se dizer que a única pessoa que ele realmente acaba fazendo algo bom é para a avó de T.J. O que não deixa, porém, dele ir bêbado para uma ocasião especial da avó e falar em como ele teve uma epifania ao observar suas bolas enquanto cagava.

Apesar de tudo, a história mesmo é de T.J. Ele é o garoto que não sabe lidar com a morte da mãe e ao invés de ir a um mundo cheio de monstros ele faz de tudo para se agarrar as memórias da mãe morta ao tentar resgatar o carro em que ela morreu que foi vendido. Enquanto isso, ele é atormentado por um menino da escola, que apesar de muitas vezes se dar mal, ele também consegue atormentar bem o moleque ao pixar o carro dele ou trancar a mão do menino na janela do carro. Sem contar a estranha amizade que ele faz com Nicole, a personagem interpretada por Natalie Portman. Esta é uma coitada que parece despertar o interesse de T.J. Hesher é simplesmente o catalizador que faz as coisas acontecerem entre esses núcleos, o resultado que pode dar nisso, porém, ele não se importa. E é isso que explica ele colocando fogo em carros, invadindo casas e até mesmo atropelando o próprio T.J.

O absurdo que constitui tudo isso é tudo o que faz Hesher ser o filme que é. Sua politicagem incorreta não é um meio para se chegar a um fim satisfatório, mas sim, é simplesmente a expressão usada para lidar com o que todos ali estão passando. Lógico que o sentido de Hesher ali não existe, mas assim como os monstros no filme de Spike Jonze, Hesher é o catalizador que faz os eventos da vida de T.J chegarem a um senso, por mais que este senso seja incorreto. Essa falta de clareza talvez se deve ao fato de alguns erros no roteiro como quando Hesher se diz parecer mais forte mas é o mais fraco ao se comparar com uma cobra que ele tinha que tinha medo de ratos; ou simplesmente pelo fato de Hesher parecer querer ajudar em algumas horas e não estar nem ai em outras. Afinal, é ele que decide fazer parte da história de T.J e sua família. Ninguém o chamou ali e ele não é obrigado a estar ali. Ele simplesmente começa a fazer parte de tudo aquilo. De um jeito ou de outro, dá pra enxergar um Hesher em cada personagem, principalmente em T.J; e um T.J em Hesher. No fim, Hesher acaba sendo o vilão queridinho do filme. Ele estraga tudo ao ser redor, mas no fim, sempre faz alguma coisinha que nos faz gostar dele, por mais politicamente incorreto que seja.

Já sobre as produções tecnicas, não preciso falar muito. É um filme independente, então seu espírito, apesar de ser muito bem feito, é de um filme independente. O que fazem do filme mesmo é a fotografia e as atuações. Joseph Gordon-Levitt é o perfeito Hesher, e suas tatuagens lembram muito o vocalista do The Used, principalmente a do menino de palito estourando seus miolos. Natalie Portman parece perdida no filme, mas sendo a produtora, acredito que ela tenha gostado da história. Ver ela debaixo de óculos grandes, cabelos presos e passando produtos no caixa do supermercado, você até esquece que foi ela que incorporou o Cisne Negro e ganhou o Oscar. T.J, então, apesar de ser novo se dá muito bem tanto em ameaçar a cortar o dedo do pé de um menino quanto em chorar horrores.

Para aqueles que estavam sentindo falta de uma indicação mais underground do blog, achei que Hesher seria um bom exemplo. Apesar de ser um filme dramático, sua politicagem incorreta faz com que você solte uma gargalhada a cada cinco minutos. O que não deixa, porém, de você de emocionar em diversas partes. O que fará desse filme um drama ou uma comédia é o quanto de Hesher existe em você!

Crítica - Árvore da Vida

2011-08-16T18:20:00.000-07:00

Uma luz fosca surge no meio da tela. Vozes em off citam frases que parecem não se juntar com as outras. Uma família recebe uma triste noticia. A câmera dá focos em detalhes irrelevantes. A história parece não começar. A natureza toma conta. O espaço toma conta. O tempo. E quanto tempo! Nada faz sentido. Dinossauros aparecem. Pessoas saem da sala. Veja abaixo o que o Arte à Sétima tem a dizer sobre o filme mais esperado do ano, Árvore da Vida.

Parece até que estou falando mal do novo filme de Terrence Malick, mas na verdade, estou querendo dizer muito o contrário. Devo admitir que o diretor exagerou em alguns aspectos e abusou do tempo, mas isso não quer dizer que Árvore da Vida seja um ótimo filme. Para aqueles que também vão ver a espera de um filme certinho estilo Oscar, também estaram enganados, e seram mais um daqueles que vão sair da sala com apenas trinta minutos de duração. Árvore da Vida é um filme complexo, porém, com objetivos de entregar as mais belas e simples mensagens.

Ao contar a história da relação de um pai e filho, Terrence Malick brinca com o tempo e o espaço através de imagens hipnotizantes e uma montagem altamente frenética. Não há nenhuma linearidade no roteiro, nos apresentando uma montagem cheia de elipses e planos altamente curtíssimos, que nem ao menos chegam aos trinta segundos. O motivo disso está na própria alma da história. Uma viagem ao tempo da alma de um homem e da vida que o cerca. A vida, seu significado, a fé que ela carrega e a beleza na natureza são elementos abordados e questionados pelo próprio filho em sua fase de amadurecimento. É o menino sofrendo com as exigências do pai, é o menino tentando entender porque as pessoas morrem se Deus é um ser do bem, é o menino tentando entender a vida, etc. E enquanto isso acontece, Malick nos mostra a própria vida e sua natureza moldando o espaço através dos tempos. Grande parte desse período aparece no começo do filme, o que ficou um pouco deslocado, sendo que poderia muito bem mostrar tais imagens com o decorrer da história. As partes que aparecem dinossauros, então, são realmente desnecessárias, porém, fazem parte de uma belíssima sequência com imagens hipnotizantes.

Por mais que pareça um filme estranho, há todo um sentido do filme ser assim. Terrence Malick não quer contar uma história, mas sim, mostrar respostas nas coisas mais simples da vida. E ele faz isso ao dar foco aos mais simples detalhes o filme inteiro.São as atitudes que fazemos, o que pensamos, o que acontece conosco. É a água, a grama, as brincadeiras, os cachorros, as texturas e a forma das coisas. Vendo por esse lado o filme possui uma grande referencia de Andrei Tarkovsky ao tentar esculpir o tempo. Ao contrário deste, porém, Terrence faz um filme muito mais dinâmico e frenético. O tempo que todo esse conjunto toma, porém, é um tanto longo demais.

No fim, Terrence Milack quer dizer apenas uma coisa: ame a vida e seja feliz com os mais simples detalhes. Somos que nem a natureza. Como diz no começo do filme, há dois caminhos para vida, onde o caminho da natureza, quer apenas gradar a sí mesma, e através disso, agrada os outros. E é exatamente isso o que Árvore da Vida está abordando o tempo inteiro. Amar é o único caminho para ser feliz, se não, sua fida passará sem perceber. E essa fórmula funciona de maneira tão simples e direta que você sairá da sala com uma certa perspectiva diferente das coisas ao seu redor.

Crítica - Super 8

2011-08-14T10:59:00.000-07:00

É muito fácil ser Steven Spielberg em 2011. Depois de ter feito pelo menos uma dúzia de clássicos memoráveis do cinema, tudo o que ele precisa fazer - além de dar risada da mina de ouro que adquiriu; é se divertir no mundo em que ele tanto ajudou a construir ao ser produtor executivo de outros filmes ou séries que envolvam alienigenas ou qualquer outra loucura que ele abordou em seus filmes. Quando J.J Abrams começou a aparecer com Lost, Star Trek e Cloverfield, não demorou muito para os dois se juntarem para trazerem um dos filmes mais esperados do ano. Super 8 pode não ter muito as características de J.J Abrams, mas o filme consegue ser o que é pelas mãos de Spielberg, que criou um trabalho que apesar de não ser novo, faz de Super 8 um filme memorável por diversos motivos.

Para aqueles que vão ver o filme a procura de mais um filme sobre alienigenas, área 51 ou até mesmo mistérios intrigantes com explosões ao fundo vão se enganar fortemente. Mesmo eu, que não estava esperando que mostrasse muito disso, acabei saindo da sala percebendo o quanto Super 8 conseguia ser tão simples apesar de parecer mostrar uma trama um tanto complexa. Para aqueles que cresceram vindo Os Goonies e principalmente E.T de Spielberg, Super 8 é a nova versão desses filmes. Claro que depois destes, Super 8 não consegue ser tão marcante, mas consegue ser quase tão especial quanto.

Ao contar uma história sobre um acidente de trem que carregava um alienigena, revelando conspirações secretas do Governo dos Estados Unidos, é através da perspectiva de algumas crianças de uma cidade pacata de Ohio que o filme se passa. O filme, na verdade, é uma grande viagem ao tempo, e o fato da história se passar aproximadamente nos anos 70, faz com que qualquer um que veja o filme seja levado ao passado, quando fazíamos coisas escondidos, a escola era chata e não conseguíamos parar de pensar sobre garotas. E é neste contexto que somos introduzidos a um grupo de amigos que passam a tarde se divertindo fazendo filmes. Estes garotos, são incrivelmente bem desenvolvidos, possuindo características singulares marcantes, que assim como todo bom cliché sessão da tarde, serão importantes para resolver conflitos e situações de perigo com o passar do filme. O que não deixa de fazer com que eles sejam divertidos e ganhe a nossa simpatia. Sem contar que eles formam um elenco incrível. Joel Courtney, que interpreta o protagonista, é altamente carismático, fazendo com que você queira dar um abraço nele a cada lagrima que sai de seus olhos. Elle Fanning, então, é um monstro e simplesmente maravilhosa. Apesar de ser mais nova que sua irmã, a garota anda demonstrando ser um tanto melhor que Dakota com os últimos filmes que anda fazendo.

Mas afinal, o filme é sobre eles. O mistério que envolve o acidente de trem, uma estranha criatura que saiu de lá, os estranhos eventos que acontecem pela cidade e a invasão do exército militar são apenas pretextos para que a vida dos jovens que presenciaram ao vivo o acidente de trem mudem por completo. Aliais, o fato do filme se tratar sobre uma criatura alienigena faz até com que tal assunto fique deslocado em certos momentos no filme, pois afinal, a história não é sobre ele. Mas o que não deixa de ser extremamente necessário. Ao dar todo o catalizador para os conflitos dos personagens, uma solução teria que ser feita. Apesar de eu achar que o filme possui algumas cenas de ação um tanto desnecessárias e uma sequência final onde o alienigena aparece muito, Super 8 acaba de uma bela maneira, concluindo todos os conflitos de uma maneira maravilhosa.

Agora, se os créditos são de J.J Abrams ou de Steven Spielberg é um mistério. A influência dos dois no mesmo filme, apesar da história e direção ser de J.J Abrams, consta num equilíbrio perfeito. Talvez o filme não seria o que é sem a influência do outro, mas de um jeito ou de outro, o resultado acabou ficando ótimo. A fotografia do filme, então, não preciso nem falar. Hollywood anda se destacando muito em seus filmes em relação a fotografia. Não só em Super 8, mas como Capitão América, Contra o Tempo, X-Men: Primeira Classe, Meia Noite Paris, entre outros. Sem contar a direção de arte, que faz com que todo os anos 70-80 que o filme narra se torne real.

No fim, Super 8 acaba se tornando uma viagem ao tempo para sermos crianças. E o fato de se usar alienigenas para dar um suspense na história é um fato que moderniza o filme e o deixa mais interessante. Não é tão memorável quanto E.T, Os Goonies, entre outros. Mas o fato de trazer caracteristicas semelhantes num ano como o nosso, faz com que Super 8 seja um ótimo filme e que torna J.J Abrams o que todos dizem, como "o próximo Spielberg".

Crítica - Melancolia

2011-08-07T12:08:00.000-07:00

Está ficando cada vez mais difícil falar sobre as obras de Lars Von Trier. Não que ultimamente tenha sido uma tarefa fácil, mas após assistir Melancolia, precisei de todo o tempo dos créditos para saber o que eu achava do filme, e ainda fiquei pensando sobre ele durante todo o caminho de volta para casa. Não há como dizer se este é melhor ou pior que outros trabalhos de Von Trier. Suas obras são tão singulares que não há como colocar mais créditos em uma e menos em outras, pois cada uma são especiais do jeito que são. Vou admitir que Melancolia é um tanto longo e seu propósito fique um pouco no ar, mas isso não quer dizer que seja um filme incrível. Veja a seguir o que o Arte à Sétima tem a dizer sobre o filme:

Não há como assistir Melancolia e esquecer o fato de que o diretor passou por uma terrível depressão nos últimos anos. Aliais, seus trabalhos anteriores, como Anticristo, vieram dessa experiência, fazendo com que ele se intitulasse como o melhor diretor do mundo e que havia sido escolhido pelas mãos de Deus para fazer aquele filme e que não explicaria para ninguém que não tivesse entendido pois havia feito o filme para sí mesmo. Tudo bem que este ano ele foi expulso de Cannes por dizer comentários que levavam a entender que ele apoiava o nazismo, mas isso não é relevante. O fato é que Melancolia é um filme onde a própria depressão toma formas. E isso funciona de maneira tão intrigante, que o pretexto usado para representá-la chega a ser lindo. E o que seria isso? Um planeta chamado Melancolia colidindo com a Terra e destruindo tudo. Assim como a depressão, que tira toda a felicidade e vida de um ser humano. Mas vamos com calma.

Apesar desta ser a trama da história, é a perspectiva de duas irmãs sobre tal evento que o filme se move. Estas são Justine e Claire, que são apresentadas através de duas partes do filme após um belo e longo prólogo parecido com o de Anticristo. A primeira parte é sobre Justine e seu casamento. O episódio na verdade lembra muito o primeiro filme de Dogma 95 (movimento onde Von Trier foi um dos fundadores), Festa de Família, onde as coisas não acabam sendo tão bonitas quanto eram para ser. O propósito, porém, vem das atitudes da própria noiva, Justine. Ela parece totalmente infeliz, e chega a sair do salão para fazer outras coisas que em determinados momentos chegam até irritar, como dormir, arrumar uma sala que não está sendo usada ou até mesmo tomar banho! Suas atitudes vão ficando cada vez mais estranhas, nos levando a entender através de outros diálogos com os personagens, de que já havia algo errado com ela, mesmo antes do casamento. Afinal, ela não estava batendo tão bem da cabeça que sua irmã teve que arrancar o buquê de sua mão para jogar para o público, pois nem isso ela conseguia fazer. Apesar da longuíssima sequência ser um tanto monótana em algumas partes, a festa é cheia de personagens engraçados e interessantes, com um incrível elenco formado por Kiefer Sutherland, Charlotte Rampling, John Hurt, Alexander Skarsgård, Stellan Skarsgård e Brady Corbet.

A segunda parte é sobre sua irmã, Claire. Esta está apavorada pelo fato de que um planeta chamado Melancolia passará perto de Terra, mesmo com os cientistas dizendo que eles não se colidirão. Enquanto isso, ela fica cuidando de sua irmã, Justine, que está tão mal que nem consegue andar direito. A segunda parte até parece ficar um pouco distante da primeira, pelo fato de estar totalmente ligada ao planeta Melancolia chegando a Terra, enquanto acompanhamos Justine tendo acessos de loucura como indo literalmente tomar um banho de lua durante a noite, ou não conseguir comer por achar que tudo está com gosto de cinzas. A chegada do planeta na Terra, porém, possui um incrível terror psicológico envolvido. As situações proporcionadas são de extrema aflição e o pessimismo de Justine não ajudam em nada ao dizer que a Terra é má e que ela merece morrer. As mudanças repentinas do clima, a ótima atuação de Charlotte Gainsbourg, e a câmera da mão de Von Trier nos fazem realmente se colar naquele lugar, percebendo que não há escapatória, pois o mundo acabará. A cena final, então, é maravilhosa, apesar de causar um certo pânico.

O propósito do filme, porém, fica um pouco no ar quando os créditos se começam. Afinal, o que vimos foi um filme sobre o fim do mundo ou um filme sobre depressão? Tecnicamente falando, os dois pretextos são mal desenvolvidos. Justine, que está depressiva, não é um personagem bem desenvolvido, e a suposta metáfora que liga sua tristeza ao planeta chamado Melancolia que está prestes a destruir tudo, não é muito clara. Ela parece idolatrar o planeta ao se banhar nua de sua luz, mas ao mesmo tempo, não se importa pelo fato dele destruir a terra. Como eu disse, ela mesma cita que a Terra é má, e que ela merece morrer e que não há vida mais em nenhum lugar. Por outro lado, Claire mostra o lado mais humano da coisa com seu desespero e sua dor por perder seu marido, seu filho e sua vida perfeita. Estes sentimentos são muito mais reais no filme e conseguem dar vida a todo o terror psicológico, mas ainda sim fica um pouco confuso pela quantidade de destaque da depressão de Justine na história. Afinal, tem metáfora mais forte no filme do que o nome do planeta se chamar Melancolia? A conexão entre eles, porém, parece um mistério. Von Trier sempre escondeu bem suas metáforas através de simbolismos muito bem criados, que funcionam de maneira perfeita em Anticristo, mas em Melancolia, parecem passar despercebidos ou mal feitos.

Mas como estamos falando de Von Trier, as coisas nunca são tão simples. Se fomos analisar as duas partes do filme, nos damos de cara com duas contradições que se unem pelo fato do planeta estar colidindo com a terra. Uma é Justine, que está depressiva e não se importa com a destruição da vida. Esta abraça a depressão e o pessimismo e vê que não há nada a se desesperar. Já, Claire, é otimista, e tem sua familia e sua vida perfeita a perder caso o mundo acabe. E mesmo que o mundo acabe, ela ainda é otimista em acreditar numa vida em outro lugar, apesar dela não poder fazer nada já que o mundo acabará de um jeito ou de outro. E como isso acontece? Com o impacto de Melancolia. Se vissemos esse pretexto com a metáfora que surge pelo fato do planeta se chamar Melancolia, percebemos que Von Trier está nada mais nada menos que fazendo uma visão pessimista sobre a vida através da depressão. A vida pode ser bonita, pode ser feia, mas quando se trata da depressão em sí, não importa. Todos nós seremos atingidos e morerremos. E é isso o que de fato acontece no filme, nos resultando a última cena maravilhosa do filme. Por isso que eu digo que não há como assistir Melancolia sem lembrar de que o diretor passou por uma terrível depressão. Este filme é nada mais nada a menos sobre isto, apesar dele deixar este tipo de pretexto bem no ar.

Se é um filme provocante, pode-se dizer que sim. A maneira como ele moldou a depressão para servir de tema em seu filme é de fato algo criativo e de se admirar. Porém, se o filme poderia ser melhor, eu diria que sim. Mas sendo um filme sobre depressão e o estado emocional de Von Trier estar totalmente envolvido nele, fica um tanto difícil julgar. Então finalizo minha crítica dizendo que o filme não superou minhas espectativas. E isso pelo fato de que o modo que Von Trier usou para moldar sua depressão, ficou sem conexão em muitos momentos e seu simbolismo não foi tão forte.

O filme, por outro lado, é impecável. O prólogo no começo do filme são imagens hipnotizantes em câmera lenta que mostram o fim do mundo de maneira bela e intrigante, junto com uma trilha sonora arrepiadora e uma direção de arte maravilhosa. A fotografia do filme é bela, e a câmera de mão de Von Trier sempre mostrando a cara dos atores bem de perto (algo que eu gosto muito, por sinal) nos transportam para dentro do filme de uma maneira mágica. Os atores, então, nem preciso comentar. Além do elenco incrível que comentei, Kirsten Dunst aparece como um dos seus papeis mais diferenciados, e Charlotte Gainsbourg está incrível como sempre. Se tem uma coisa que Von Trier consegue fazer, é puxar o melhor de seus protagonistas, tendo estes, sempre ganhado o prêmio de Melhor Atriz, mesmo que elas acabem xingando o diretor depois como Bjork e Nicole Kidman.

No fim, Melancolia acaba sendo mais um filme provocante de Von Trier. Devo admitir que gostei mais de Anticristo, ou até mesmo outros trabalhos como Dançando no Escuro; mas como eu disse, não há como comparara o mesmo tempo. Os filmes de Von Trier são únicos com qualidades específicas. Apesar dele ter falhado em alguns aspectos em Melancolia, seu conceito e a maneira que ele aborda o tema neste filme são únicos, e por mais que não tenha sido tão bem representado, são caracteristicas que se merecem respeito.

Foster the People: Torches

2011-07-24T01:11:00.000-07:00

E para aqueles que estavam com saudades das indicações musicais do Arte à Sétima, eis aqui uma novidade interessantissima que acaba de sair do forno de bandas novas de 2011: Foster the People.

Vindo diretor da Califórnia, Foster the People é uma banda de três jovens que vão muito além de um indie pop comum. Não é nem preciso ouvir a primeira faixa do cd inteira, Helena Beat, que você já percebe a diversidade de como os instrumentos são trabalhados nela. E ao contrário dessas diversas bandas estranhas cujo muitas acabam recebendo grandes elogios não me perguntem o porque, Foster the People usa seus "estranhos" elementos para um som criativo, gostoso e divertido de se ouvir. Pumped Up Kids, o primeiro single da banda, é uma ótima faixa que mistura efeitos eletrônicos, lembrando muito uma mistura de bandas como Vampire Weekend, MGMT e Passion Pit. Aliais, a semelhança entre essas bandas são berrantes, apesar de que Foster the People usar diferentes elementos de uma maneira totalmente inovadora e criativa, parecendo muito as vezes que eles chegam até ser melhores que tais bandas.

O primeiro album deles foi lançado este ano e se chama Torches, com apenas dez faixas. O resultado, porém, é extremamente criativo e inédito no cenário musical. Não é um album tema, feito especialmente para dias chuvosos, dias de frio, ou trilha sonora de uma festa. Torches funciona em todos os lugares e com certeza não passará despercebido àqueles que ouvirem. É um album bem diferente e com certeza satisfará aqueles que já estão enjoando do último albúm do Vampire Weekend, e principalmente aqueles que odiaram o último album do MGMT. Mesmo que não seja o seu caso, Foster the People ainda é uma ótima escolha para sua biblioteca musical. Veja abaixo o single Houdini:

Crítica - Harry Potter e as Relíquias da Morte (Parte II)

2011-07-15T17:31:00.000-07:00

Dez anos se passaram e a Warner nos prometeu um final épico ao dividir Harry Potter e as Relíquias da Morte em dois filmes. Quando a primeira parte chegou aos cinemas, todos os fãns ficaram altamente satisfeitos pela adaptação extremamente fiel ao livro, que não só tinha um conteúdo diferente para mostrar aos adoradores da série, mas como também, tinha seu fôlego e tempo para narrar o que estava prestes a acontecer. Sete meses então se passaram e a segunda parte finalmente chegou com grandes expectativas. Afinal, o final é épico como prometem? Infelizmente, a primeira parte de Relíquias fica muito mais adiante de sua segunda. Mas isso não faz com que Harry Potter finalize a saga com um dos seus filmes mais incríveis.

Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte II começa de uma maneira bem seca. Não há introdução qualquer na história e o filme segue como se nem ao menos tivesse sido dividido. Afinal, estamos esperando há sete meses para a conclusão, fazendo com que qualquer introdução seja desnecessária. Estamos querendo ver cabeças rolar, assim como a propaganda do suposto final épico promete. O que na verdade, acaba fazendo o inicio da Parte II um tanto deslocada no filme. Depois de passar dias se escondendo e realizando viagens para achar Horcruxes na Parte I, a Parte II ainda reserva mais uma viagem no inicio do filme, onde Harry, Rony e Hermione vão para Gringotes achar mais uma Horcruxes. A cena é ótima, envolvendo um roubo num banco, um dragão que cospe fogo e uma sala onde objetos se multiplicam realizados pelos efeitos especiais mais incríveis. Aliais, quando eu li esta parte dos objetos se multiplicando no livro, eu realmente me perguntei como eles fariam isso parecer real o suficiente no filme. E eles fizeram muito bem. Porém, a cena fica um tanto perdida no filme, já que este é o grande final, não acrescentando nada a história apesar de ser uma passagem altamente necessária.

Logo, o trio vai para Hogwarts e o filme finalmente começa, apesar de já ter se passado uns vinte minutos. A chegada de Harry em Hogwarts é o primeiro movimento da peça do xadrez que iniciará a batalha. Sua aparição não só é intimidadora pelo fato dele estar num lugar perigoso para ele, mas como também, mostrar como os estudantes estão lidando com aquele mundo que enfrentam. Aliais, tudo parece mais perigoso e violento na Parte II. Alguns minutos antes da chegada de Harry em Hogwarts, por exemplo, vemos uma sangrenta cena onde Voldemort anda no meio de uma sala coberta por sangue onde há mortos em toda sua volta. Sem contar o próprio Voldemort, que está mais violento e desesperado pelo fato dele descobrir que Harry está caçando Horcruxes.

A preparação para a batalha, então, começa, dando inicio a uma sequência maravilhosa onde todos os professores começam a jogar feitiços de proteção no castelo, formando uma enorme cortida cristalina. A sensação é arrepiadora ao ver todos aqueles personagens juntos que acompanhamos por todos esses anos protegendo o castelo, o símbolo que mais deu vida a toda a magia de Harry Potter, que em breve será todo destruído. Porém, a batalha na verdade é de Harry. Enquanto todos enfrentam os Comensais da Morte, aranhas gigantes e trasgos, o filme, assim como o livro, foca mais em Harry atrás das últimas Horcruxes pelo castelo de Hogwarts. E isso também envolve Rony e Hermione, resultando numa cena que todos estávamos esperando para ver na Câmara Secreta. O objetivo deles ali é destruir as Horcruxes, e a batalha que acontece fora do castelo é apenas um ganha-tempo antes de Harry enfrentar Voldemort cara a cara. E é durante esse tempo em que Harry procura e destrói as últimas Horcruxes que grandes revelações vem a tona.

Devo dizer que eu fiquei um pouco desapontado com as surpresas que o filme aguardava. Claro que já sabia quais eram elas pelo fato de ter lido o livro, mas ver na tela deixou a desejar. As revelações vem com uma grande carga emocional nos livros, revelando caracteristicas e segredos de personagens que mudam completamente o sentido da história que conhecemos até agora. Afinal, estamos falando de segredos que se escondem desde o primeiro filme, feito a dez anos atrás. O mínimo que eles podiam ter feito, é terem sido fiéis ao livro quanto a carga emocional e feito destas cenas em particular, cenas épicas assim como o seu resultado final tanto promete. Não é nada que não tenha sido dito nos livros, mas nada como um pouco mais de capricho para fazerem estas cenas os desfeixos chaves que a série merece. Não só em tais revelações, mas faltou emoção em muitas partes do filme. Como diversos personagens importantes que simplesmente aparecem mortos, sem deixar rastro emocional algum para trás. Ou até mesmo cenas impactantes que aparecem em momentos que não deveriam aparecer, como a luta de Molly com Bellatrix que aparecem no meio da luta entre Harry e Voldemort! Alterações drásticas são feitas do livro para o filme também, como o que acontece com Neville e as decisões que Draco toma. Não sei dizer certamente se são mudanças boas ou ruins, mas definitivamente mudam o ponto de vista que J.K Rowling conclui em seu livro.

A relação entre Harry e Voldemort, porem, ficam muito mais intensas neste filme. Afinal, o filme é deles. Harry está destruindo as Horcruxes e Voldemort está começando a se sentir mais fraco. A batalha é entre o bem e o mal. Porém, tal batalha não é exatamente uma sequência de cair o queixo, afinal, J.K Rowling nem permite isso em seu livro. Não é a primeira vez que Harry luta com o Lorde das Trevas. Se vocês não se lembram, ele lutou com ele na Pedra Filosofal, na Câmara Secreta, no Cálice de Fogo e na Ordem da Fênix. Não só lutas físicas, mas como também, a série de Harry Potter inteira é uma luta contra as forças do mal que Voldemort espalha pelo mundo dos bruxos. A sequência da batalha que envolve os dois em Relíquias da Morte, teve até que um desenvolvimento intrigante com os acontecimentos novos que inventaram, ao contrário do livro que foi curto e grosso. Não é necessário muitas ações, apenas um basta. A série inteira foi uma batalha, esta é a conclusão.

E David Yates, apesar de ter se saido melhor na primeira parte de Relíquias do que na segunda, fez um ótimo trabalho. Afinal, na altura do campeonato, não se pode olhar este último filme a procura de defeitos técnicos. Tudo o que resta no roteiro é a alma da história, e por mais que não tenha sido tão bem adaptado quanto o livro - algo que fez a primeira parte ser provavelmente melhor que a segunda, o filme é ótimo, tendo cenas extremamente envolventes, uma fotografia bela e efeitos especiais de última geração que deixam tudo com um toque final mais real.

No fim, a conclusão de Harry Potter e as Relíquias da Morte acaba sendo um vazio. Não um vazio por causa do filme, mas por dar fim a uma história que vivemos por dez anos. E não falo isso porque nós, fãns, gostamos muito de Harry Potter. É uma história que começou quando nós éramos mais novos. Um Harry cresceu dentro de nós ao acompanhá-lo pelas mesmas decisões que ele tomou em sua vida. Tirar isso de nós não é um adeus, pois suas memórias sempre estaram lá para relembrá-las tanto nos livros quanto nos filmes. Tem até um parque temático em Orlando, mas isso não é o ponto. O ponto é que a partir do momento em que Harry Potter e as Relíquias da Morte acaba, deixamos Harry viver por conta própria, e seguimos os nossos caminho sozinhos. Há até um epílogo mostrando o que acontece um tempo depois, mas assim como no livro, fica deslocado. Vivemos com Harry por dez anos, e sua ausência nos fará falta mesmo sabendo o que acontece depois. Não que fosse necessário mais filmes, mas o elo que Harry criou entre a gente fala muito mais alto do que uma batalha entre o bem e o mal. É uma história de amor e amizade. Uma história de vida que acompanhar por dez anos fez com que o nosso mundo virasse mais mágico.

Crítica - Contra o Tempo

2011-06-29T19:19:00.000-07:00

Depois de ter conseguido uma reputação considerávelmente positiva, Ducan Jones - filho do astro David Bowie - volta com Contra o Tempo, um filme com Jake Gyllenhaal e Michelle Monaghan cujas explosões hollywoodianas e missões militares são apenas a fachada de um filme muito mais intrigante e inteligente. Veja abaixo o que o Arte à Sétima tem a dizer.

O inicio de Contra o Tempo é exatamente o que o protagonista interpretado por Jake Gyllenhaal sente. Estamos num trem cujo o destino não sabemos, mostrando uma pessoa que não sabemos quem é, incluindo o nosso próprio protagonista. Há uma mulher a nossa frente falando de promessas e te chamando de Sean. O que está acontecendo? Onde estamos? Nem temos tempo para raciocinar que o trem explode, e o nosso protagonista aparece então dentro de uma cápsula falando com uma mulher que diz que ele está em um programa do governo realizando uma missão. Que programa é esse? O Código Fonte. Sua função? Entrar nos últimos oito minutos na mente de uma pessoa que já morreu. A missão? Descobrir como essa pessoa morreu. E é ai que se inicia a trama de Contra o Tempo. O único problema é que Colter, nosso protagonista, também não sabe como ele chegou lá.

Dentro diversos filmes de missões secretas do governo e explosões hollywoodianas, Ducan Jones, assim como Lunar, nos preparou um filme cujos problemas psicológicos falam muito mais alto do que um simples filme de ação e ficção-ciêntifica. Sendo um soldado do Afeganistão, Colter não se lembra de ter sido solicitado para tal missão, exigindo respostas de seus comandantes. Porém, a pressa da missão ser concluída é tão precisa, que Colter não recebe nenhuma resposta, sendo obrigado a obter alguma resposta dentro do código fonte. Mas como buscar seu paradeiro dentro de uma realidade que não é real onde em dentro de oito minutos, ela acabará? Vendo por esse lado, Contra o Tempo é muito mais um filme sobre a identidade do personagem do que a própria missão que ele é designado a fazer. Afinal, todos os laços emocionais estão lá. É a mulher simpática que está falando com ele no trem, que o parece seguir durante toda a projeção do código fonte; é o fato de Colter não saber o que aconteceu com ele e não deixarem ele parar a missão; é o fato dele querer falar com o pai, já que ele está nos EUA e não mais no Afeganistão; é a mulher que está controlando a missão; entre outros.

Juntando todos esses aspectos, apesar de ser um filme curto, Contra o Tempo se torna um envolvente thriller de ação e ficção ciêntifica pelo fato de todas as informações serem absorvidas por nós junto com os personagens. E isso faz com que as respostas dos acontecimentos sejam mais impactantes - principalmente porque elas são definitivamente chocantes! Não direi muito aqui para não estragar surpresas do filme, mas Contra o Tempo consegue ser extremamente criativo em como o programa do Código Fonte funciona, que está totalmente ligado na condição em que o nosso protagonista se encontra; algo que vamos descobrindo com o passar do filme. Outras características que fazem o filme ser extremamente envolvente e ágil, é o fato de nós estarmos procurando tanto o paradeiro da pessoa que explodiu o trem, quanto o de nosso protagonista, nos jogando assim, no código fonte, uma realidade que se repete diversas vezes mas se altera devido aos acontecimentos que o nosso protagonista proporciona. O elo emocional que Colter cria com a realidade do código fonte, também, é forte o suficiente para dar empurro a toda a história, nos levando para uma conclusão dramática, bela, que apesar de ser hollywoodiana, é apresentada sem absurdos e relevantes.

Obviamente, todo o crédito aqui seria do roteiro de Ben Ripley, mas é o Ducan Jones que leva os elogios. Afinal, é um ótimo filme, que vai muito além de apenas um filme de ação. Jake Gyllenhaal pode ser o novo galã de hollywood, mas este trabalho não o tira do sério, assim como outros papeis que já fez em Entre Irmãos, Zodiaco e O Segredo de Brokeback Mountain. Como diz o filme, o que você faria se tivesse mais alguns minutos de vida? Eu veria Contra o Tempo, pois é um filme cuja resposta é inteligente e intrigante.

Crítica - Meia Noite Em Paris

2011-06-26T20:48:00.000-07:00

O exoticismo e o redescobrimento espiritual da burguesia vem sendo os principais temas dos filmes de Allen nos últimos anos, deixando de lado as comédias alter-ego do diretor e provocando uma certa comparação em sua filmografia entre seus fãns. Dividido entre aqueles que preferem o antigo Woody Allen e o novo, Allen parece ter finalmente entrado num equilíbrio ao juntar a graciosidade e o humor de filmes como A Rosa Púrpura do Cairo e o exoticismo de filmes como Vicky Cristina Barcelona. E tudo isso acontece em Meia Noite em Paris, um filme com as graciosidades de Woody Allen companhado com o exoticismo que apenas a história da arte pode proporcionar.

É difícil dizer se Meia Noite em Paris é um filme sobre Paris ou se é um filme sobre arte. Mas é fato que quanto mais conhecer Paris e mais entender sobre arte, mais gostará do filme. Encantado pela cidade mas nostálgico em relação a época em que vive, Gil é um escritor que está trabalhando em seu novo livro enquanto passa alguns dias em Paris junto com sua noiva Inez. Se sentindo deslocado no meio de pessoas exibicionistas, manias burguesas e entre outros, o rapaz decide passar as noites sozinhos, onde quando ele percebe, que a meia noite ele passa a viver em Paris nos anos 20, conhecendo diversos artistas famosos como Pablo Picasso, Salvador Dalí e Ernest Hemingway.

Porém, ao invés de contar um filme com uma história divertida sobre uma suposta viagem ao tempo, Woddy Allen pede também uma bagagem de conhecimento do expectador através de seu roteiro. Ver Pablo Picasso e Salvador Dalí conversando com Gil como se fossem amigos é legal, mas são as referências que eles jogam durante o filme é o que fazem Meia Noite em Paris ser o filme que é. Como a aparição de Toulouse Lautrec, que se passa despercebida se não reconhecerem o anão que tomava absinto o dia inteiro, famoso por fazer os cartazes do Moulin Rouge. Ou quando Gil dá um palpite para Luis Buñel fazer um filme sobre um jantar onde as pessoas não conseguem sair da sala, que na realidade acabaria sendo o famoso O Discreto Charme da Burguesia. Sem contar o próprio Dalí e toda sua teoria sobre os rinocerontes.

O interessante também de Meia Noite em Paris, é que pelo fato de Gil ser um escritor que está entre diversos artistas famosos, o principal tema do filme é arte em sí. O filme é praticamente diálogos de como se fazer arte. Como Heminway dizendo que um escritor só será um verdadeiro escritor quando ela deixar de temer a morte, pois apenas aqueles que fazerem o que realmente amam morreram satisfeitos; ou a própria conselheira de Hemingway, que dá conselhos para Gil sobre o livro que está escrevendo e diz que a função de um artista é dar sentido ao vazio de sua existência e não expressar sua solidão.

Mas obviamente, isso não é tudo o que faz o filme ser o que é. Gil, assim como todos os protagonistas de Woody Allen, acabam recebendo traços da personalidade do diretor, e logo nos damos com um homem perdido tanto no tempo, mas na vida como vive. Como sua noiva, independente e cheias de manias burguesas, enquanto ele, só pensa em como ser um escritor de sucesso e viver uma vida parisiense na chuva. Como diz Allen, "o que eu mais me arrependo nessa vida é não ter sido outra pessoa". Suas viagens para o passado, logo são uma reflexão de como lidar com seu presente e como todos estão insatisfeitos com o tempo em que vivem e sonham com uma outra realidade pois não são felizes com a realidade que vivem. O final então, é a solução perfeita para todo o questionamento que o filme aborda.

E Owen Wilson cumpre bem o seu papel. Por sempre ter interpretado papeis cujos protagonistas nunca levam eles mesmos a sério, este era o papel perfeito para ele pois durante toda a sua realidade em Paris, sempre pareceu um tanto distante, e pelo fato da ironia dele estar viajando ao tempo na década dos anos 20, fazem com que sua interpretação esteja sempre no nível em que o roteiro pede. E tudo isso enquanto Rachel McAdams faz a noiva irritante perfeita, enquanto Marion Cotillard faz o que ela sabe fazer de melhor, que é exaltar a absurda maravilhosidade que sua beleza possui.

Resumindo, Meia Noite em Paris não é um filme romântico ou engraçado, mas sim, uma grande homenagem a beleza de Paris, da arte e da vida e como ela deve ser vivida. Sua graciosidade é tanta que seus 100 minutos pareceram 30.

Crítica - Os Agentes do Destino

2011-06-25T11:57:00.000-07:00

Estamos sozinhos no universo ou alguém está cuidando de nós? Estamos aqui por mera coincidência ou tudo faz parte de um plano maior? É difícil falar de Os Agentes do Destino - filme baseado no livro de Philip K. Dickers com Matt Damon e Emily Blunt - sem trocar ideias mirabolantes sobre teorias da conspiração, da relatividade ou até mesmo sobre a teoria da evolução das espécies. Um filme que aborda todas essas questões, resultando na criação de uma própria teoria que faz jus ao filme. E o que seria isso? Um blockbuster de qualidade.

Matt Damon interpreta David Norris, o senador que todos querem ter. Jovem, bonito, popular e com um enorme carisma. Mas ainda não é tempo para ele conquistar o cargo de senador. Sua popularidade acaba sendo um tanto imatura, fazendo a mídia descobrir coisas de seu passado que afetam sua reputação. E é ai que por acaso ele encontra uma mulher chamada Elise no banheiro. Um encontro bem casual que é suficiente para fazer com que inspire David a fazer um discurso que o bota de volta nos trilhos para tal cargo de senador e o faz perceber que talvez tenha encontrado a mulher de sua vida. Porém, o que ele não sabia é que seu destino não era vê-la novamente. Mas quando a reencontra, homens de terno aparecem dizendo que ele nunca mais deve vê-la, pois se não, as coisas não saíram de acordo com o "plano". Logo, David tenta fazer com que ele encontre com ela novamente. Mas como conseguir se todos seus passos estão sendo monitorados?

Ao contar uma história de conspiração, Os Agentes do Destino vai um pouco além das teorias populares, criando paradoxos e ideias interessantes de como o mundo funciona. Como um simples acaso, que pode ser tanto uma mera coiciêndia ou um fator necessário, que pode tanto mudar sua vida para sempre, ou fazer com que você deixe de fazer algo que não estava de acordo com um plano maior. A pergunta é, porque tal plano deve ser seguido? E é ai que entra a história de Matt Damon. Por que ele nunca mais pode ver uma mulher que se apaixonou? Como isso pode fazer parte de um plano maior se ficar com a pessoa que você ama parece ser a coisa certa? E é ai que entra desfechos tirados de teorias como as teorias do caos e a da relatividade, fazendo um thriller envolvente com ótimas cenas de perseguição.

E George Nolfi - diretor pela primeira vez neste filme após escrever diverdos roteiros como O Ultimato Bourne e Doze Homens e Outro Segredo - dá vida a todo o filme através dos agentes que parecem controlar tudo isso. Estes são curiosos homens que parecem trabalhar numa certa empresa controlada pelo "presidente", não dizendo muito bem se este presidente é o do país, Deus ou alguém com poderes. Eles possuem um livro onde prevêem possibilidades, intervenções e desfechos que mudam o destino das pessoas. Seu trabalho é fazer com que todos sigam o plano através de ajustes que eles implantam no cotidiano, como a perca de um sinal no celular, o esquecimento de uma chave, e etc. O mais interessante de tudo, que é o que trás uma certa dose de surrealismo no filme, é como eles se movem. Eles conseguem criar portais através de portas, que os transportam para outros lugares, entrando outras teorias de viagem ao tempo. Uma característica interessante que cria diversas ótimas cenas de perseguição durante o filme.

Já o romance entre Matt Damon e Emily Blunt funciona perfeitamente. É um romance um tanto real, não tendo muito melodrama cuja química funciona sem magia. Não é um casal que você imaginaria junto, afinal, estamos falando de Matt Damon, que vimos pegar diversas garotas em seus filmes com Emily Blunt, uma atriz magrela que está começando a se destacar agora. Porém, a energia que eles criam é convincente o suficiente para mover a história para frente, fazendo você se identificar com o casal em diversos momentos, criando uma cena até um tanto emocionante no fim, no telhado de um prédio, que lembra muito Vanilla Sky, por sinal. Mas a conclusão da história, apesar de ser um pouco hollywoodiana, é interessante, pois cria outras possibilidades em cima de teorias absolutas que o filme questionou o filme inteiro, nos perguntando até onde as coisas devem ser como são e até onde as coisas são mera coincidência.

No fim, Os Agentes do Destino é um filme que brinca bem com todas essas teorias. Ele tropeça algumas vezes durante seu desenvolvimento, mas sua trama é sempre forte e envolvente. Um blockbuster divertido, um tanto diferente, que apesar de seguir as bases hollywoodianas, fará você sair satisfeito com o preço que pagou para vê-lo.

Crítica - Pânico 4

2011-04-17T19:33:00.000-07:00

Em 1996, Wes Craven pode recolocar seu título de mestre do horror no lugar com o lançamento de Pânico, um suspense que se baseava com a própria falta de criatividade dos filmes de horror lançados até então para a trama de uma história de serial killer. O filme ficou famoso e fechou com uma trilogia que apesar de bem diferentes uma das outras, mantia seu papel no lugar e conseguia conectar as três histórias criativamente. Dez anos então se passaram, e o lançamento de Pânico 4 chega como surpresa. Interessante ou desnecessário? Veja abaixo o que o Arte à Sétima tem a dizer sobre o quarto volume do filme do assassino Ghost Face.

Ao assistir a trilogia do filme Pânico, tudo o que você consegue pensar é que você definitivamente não queria ser Sidney Prescott. Três filmes com diferentes assassinos cujo a sede por sangue foi despertada pela antiga vida secreta de sua mãe cujo é revelada ao passar dos três filmes. Quando o núcleo de todo esse episódio de sangue e drama parecia ter fim, dez anos se passam e ainda decidem atormentar a pobre Sidney, que neste quarto volume, está em paz, com um livro lançado. Mas como todo um bom roteirista de horror trash, a nossa protagonista principal não poderia estar em paz. Se este quarto volume tivesse sido lançado em 2001, um ano após o Pânico 3, poderiamos dizer que a saga de Pânico estava perdida. Mas como dez anos se passaram e tantos nomes interessantes entraram no elenco, seria uma reviravolta na história de Ghost Face?

Tudo indicava que sim. E ao ver os dez primeiros minutos de Pânico 4, é a única coisa que você consegue pensar. Famoso por falar mal de filmes de horror, Pânico 4 brinca com o ridiculo numero de sequencias que os filme de horror possuem nos dias de hoje (Alo?? Jogos Mortais 5, 6 e 7??). E isso não é novidade. Toda a trilogia de Pânico, apesar de ser um filme de horror, brinca com os próprios clichês da garota burra e gostosa ser a primeira a morrer, o assassino ser o inesperado mas sempre volta quando morre, enfim. A diferença era que o roteiro de horror funcionava. A pergunta é: em Pânico 4 funciona ou é apenas um filme que está querendo ser um tanto trash a dar ênfase a toda essa palhaçada que presenciamos ao ver filmes de horror hoje em dia?

A resposta é mal respondida. Um roteiro que se desenvolve de uma maneira levemente interessante e que no fim, não justifica os meios dando um final que parece ter sido inventado só para nos tentar surpreender ao descobrirmos quem é o assassino. Mas vamos com calma.

O presente de Pânico 4 fala sobre Sidney, que finalmente conseguiu acalmar seus antigos demônios com o lançamento de um livro. Chegando a sua cidade natal, Woodsboro, a garota se vê num cenário onde o Ghost Face é motivo de festa e piada devido a reputação que o grande números de sequências que Stab adquiriu - filme baseado no livro de Gale Weathers, que retratou todos os eventos presenciados no primeiro filme. Lá, ela se reencontra com seu antigo amigo policial Dewe e a própria Gale, que estão casados, e uma prima que ela não via a muito o tempo. Porém, não demorou muito para o assassino Ghost Face atacar novamente, e logo, Sidney se vê na mesma situação que ela passou dez anos tentando esquecer.

Apesar da história ser a mesma, o filme deixa claro que o cenário é diferente. Um hiatus de dez anos devide a história de Pânico 3 para Pânico 4, onde agora, os jovens são muito mais independentes com a internet, onde publicam e adquirem informações muito mais rapido do que os próprios reporters e não são tão idiotas e previsiveis quanto os filmes da época de 90 mostravam ser. Sem contar as histórias internas dos personagens, como a de Gale, que deixa de ser jornalista para ser escritora mas se vê interessada no novo caso de Woodsboro, porém, é impedida de obter informações por Dewe, que apesar de ser seu marido, não a deixa participar do caso por agora ser o Xerife da cidade. Ou até mesmo Sindy, que desta vez está muito mais preparada para atacar o assassino Ghost Face, e enfrenta sem medo e com coragem. Resumindo, tudo tinha um ótimo cenário para ser um bom filme, ou pelo menos, uma continuação interessante. E o desenvolver do filme é interessante sim, porém, seu final peca em diversos sentidos.

Ao tentar surpreender o publico, o roteirista nos revela um personagem um tanto estranho como assassino. Surpreendente é, mas não faz sentido a tudo o que vemos na história. Muitas cenas acabam aparecendo gratuitamente, e a ênfase que eles tanto dão para a internet, não parece justificar os meios quando o assassino revela seu motivo para estar matando todos daquele jeito. Não é que nem os primeiros filmes, que todos que morriam tinham um motivo para morrer, e um motivo bom. O motivo do novo Ghost Face não se entrelaça com a história que se desenvolveu ao passar do filme em nenhum momento, deixando o público distante do antagonista e não vendo motivos para ele estar fazendo isso. Resumindo... decepção.

O fim é o que mais estraga o filme. O desenvolver da história é que nem os outros Pânicos, porém, não se encaixa com sua conclusão, resultando num filme extremamente mediano, quase que ruim. O resto não há muito o que dizer. A direção de Wes Craven, apesar não ser fenomal, nunca foi algo que fez diferença na história. Os atores estão mais velhos, então, mais evoluidos. Rostos de Anna Paquin, Emma Roberts e Adam Brody deixam a história mais moderna e descolada. O que é um disperdicio com um roteiro desse. Ver ou não ver Pânico 4 é uma decisão sua. Se você gosta de Ghost Face assim como Freddy, ou qualquer filme que tenha alguem matando estilo old school, vale a pena assitir. Caso o contrário, não perca seu tempo.

Crítica - Rio

2011-04-16T10:45:00.000-07:00

Pode-se dizer que Shrek e A Era do Gelo foram as únicas animações que se destacaram tanto quanto os lançamentos da Pixar. Numa época em que lançam diversas animações decepcionantes por ano, Rio não teria motivos para ficar de fora se não fosse por um único motivo: uma história que se passa no Rio de Janeiro. Porém, ao ver o filme, percebemos que não é apenas uma história que se passa no Rio, mas sim, uma história de caracters brasileiros e lições de morais vinda de um povo que gosta de calor, samba e amor. Veja abaixo o que o Arte à Sétima tem a dizer deste incrível filme, Rio:

É bem provável que Rio não seria o filme que é se não fosse dirigida pelo próprio Carlos Saldanha, o brasileiros que fez outras animações famosas como A Era do Gelo e Robôs. Ao contar a história sobre os dois pássaros se aventurando no Brasil, Carlos Saldanha bota o famoso jeitinho brasileiros em todos os cantos do filme, formando um longa-metragem que nunca falou tanto de nossa nação de uma maneira positivamente esterotipada e alegórica. O filme começa com o despertar de uma selva e um samba eletrizante que nos leva a um movimento de ruptura, onde o nosso protagonista Blue, é capturado e levado a Minnesota. Lá, ele acaba parando nas mãos de uma jovem chamada Linda, que acabam virando melhores amigos. Anos se passam, e Blu acaba descobrindo que é um bicho em extinção e precisa ser levado para o Brasil para ficar com a última fêmea de sua espécie. Chegando ao Brasil, em clima de Carnaval, os pássaros acabam sendo capturados por bandidos da favela, iniciando uma jornada de sobrevivência. Porém, tudo seria mais fácil se Blu soubesse como voar.

Ao assistirmos Rio, percebemos que o filme é inteiramente sobre o Brasil. Desde o momento em que o filme se inicia no meio de um samba até conhecermos todos os personagens durante a história, que como brasileiros, conseguimos distinguir facilmente o que Carlos Saldanha está ensinuando a cada cena que ele estereotipa o povo brasileiro. É os nossos conhecidos que viram outras pessoas ao desfilar no carnaval, é o povo que se importa mais com o futebol do que as tarefas que precisam ser feitas, são as churrascarias que não deixam você respirar, ou até mesmo a mania que os brasileiros tem de passarem uma certa impressão para uma garota, ou como diz no filme, criar um clima ou ajudar os amigos a pegarem a garota. Coisas que no meio de uma animação americana feita para crianças, fica uma delícia de ver e é incrivelmente engraçado. Acredito que o filme fosse melhor ainda se tivessem cópias legendadas nos cinemas, pois além de Jesse Eisenberg estar dublando com sua voz engraçada, estaria mostrando sotaques e gírias que os americanos tentam brincam em algumas cenas.

E obviamente que tudo isso não seria possível se não fosse feito pelo Carlos Saldanha. Como brasileiro, o material que ele jogou no filme é mais do que verdadeiro. Algo positivo, também, pois mostra um lado do Brasil bem original para os povos estrangeiros. Até mesmo o lado ruim do Brasil, as favelas e os tráfegos, são vistas como algo engraçado onde as personalidades dos bandidos são caracterizadas por pessoas burras e atrapalhadas. Não só a criminalidade mas como os grupos sociais. Brincando através dos animais, Carlos Saldanha nos mostra um interessante baile funk, um desfile de carnaval altamente criativo e excitante, e até mesmo a vida de um menino de rua. Diversas tramas que se juntam para formar um roteiro cujo o povo brasileiro fala muito mais alto do que uma história de dois pássaros que estão tentando voltar para seus respectivos donos.

Mas como animação, o roteiro não é a única coisa que cai bem. Não tive a oportunidade de ver o filme em 3D, mas como toda animação nova, os gráficos são perfeitos e visualizar Rio de Janeiro a noite em uma animação, nunca foi tão belo. O mais impressionante ainda foi a caracterização dos brasileiros no rosto dos personagens. Em todos os personagens brasileiros no filme, há uma fisionomia típica de um brasileiro que Carlos Saldanha foi um mestre em diferenciar nós dos rostos dos americanos. O menina de rua, então, possui uma fisionomia absurda, que ao mesmo tempo, me pergunto se Carlos Saldanha não se inspirou nos bonecos dos jogadores de futebol que eram dados numa promoção da Coca Cola há muitos anos atrás em época de Copa do Mundo, onde os bonecos dos jogadores tinham um cabeção de uma fisionomia bem animada.

Resumindo, Rio é uma animação maravilhosa feita mais para os brasileiros por botarem uma alegoria nossa de uma maneira tão verdadeira e engraçada. É um filme para rir, se divertir e se identificar com o que o povo brasileiro tem de melhor: o nosso samba e o nosso incrível bom humor.

Um toque de loucura e surrealismo.

2011-04-12T19:05:00.000-07:00

O Arte à Sétima está de volta com uma grande lista de filmes para ver, comentar, e um layout que deixou todo o blog mais prático, interativo e organizado. Agora que a tarefa de ver os supostos melhores filmes de 2010 segundo críticas internacionais está terminada, estou livre para comentar tanto das novidades que estão chegando em 2011 quanto outros materiais interessantes que estão aparecendo na minha faculdade de cinema que comecei este semestre. Então para começar, selecionei os filmes mais interessantes e originais que vi nestes últimos mêses. Confira!

Segundo meu professor de Linguagem Cinematográfica, o primeiro paradigma do cinema é que toda obra é referencial. Tendo achado Cisne Negro o melhor filme de 2010, não pude deixar de dar uma olhada nos filmes que disseram que seriam as referências bases do novo filme de Aronofsky, que seriam nada mais nada mais nada a menos do que Suspiria de Dario Argento e Repulsao ao Sexo de Roman Polanki. Minha professora de historia do cinema mundial ainda diz que a maior influencia de Aronofsky para Cisne Negro foi O Estudante de Praga, um dos primeiros longa-metragens do mundo, feito na alemanha, antes mesmo de O Nascimento de Uma Nação. Como O Estudante de Praga ainda esta na minha lista de download, e achei Suspíria um filme fraco, venho a dizer sobre Repulsa ao Sexo, um filme simplesmente brilhante.

Ao começar assistir o filme, não se sabe o certo o que o filme quer tratar. Vemos uma história lenta e estranha de uma menina que fica sonhando durante o dia enquanto tem desprezo do namorado de sua irmã, que mora junto com ela. Mais para frente, a garota fica sozinha em casa quando sua irmã e o namorado vão viajar. Logo, coisas estranhas começam a acontecer dentro do apartamento, onde a distorção da realidade quebra a barreira do nosso senso do que é real e do que é loucura.

O filme em sí é simplesmente genial. Assim como Cisne Negro, o filme não procura revelar verdades ou surpreender o publico no seu fim. É um filme de horror que narra nada mais nada a menos do que alucinações de um personagem em crise. E Roman Polanski faz isso de uma maneira incrívelmente bem feita e artistica, revelando um lado dele que eu nunca havia visto em relações a filmes de suspense. O filme é todo em preto e branco e não há nenhuma pista o filme inteiro sobre o que realmente está acontecendo e o porque está acontecendo. As coisas simplesmente acontecem, e a linha entre o que é real e ilusão vira um borrão para nós mesmos nos perdemos na loucura da personagem principal. E tudo isso é feito através de rachaduras que aparecem na parede sozinhas, salas que uma hora são de um tamanho e depois viram de outro, ou até mesmo pessoas estranhas que chegam no apartamento para ameaçar a personagem principal. Não é um filme para você simplesmente ver, mas sim, um filme para você assistir e interpretar. Um cult noir, que não porque exatamente, me lembrou um pouco o filme Blow Up - Depois Daquele Beijo. Resumidamente, uma obra magnífica. Para quem gostou de Cisne Negro, Repulsa ao Sexo é um filme obrigatório.

Para aqueles que dizem que Jogos Mortais é um dos filmes mais chocantes que ja viram, é porque estão precisando de uma séria atualizações de filmes. Não digo que ver uma pessoa perdendo um membro a cada cena não seja algo para não se impressionar, mas violência gratuita é uma forma muito fácil de perturbar a mente da pessoa que está assistindo um filme. Quem é um gênio do terror psicológico é o nosso grande Michael Haneke, diretor de Violência Gratuita, A Fita Branca e Caché. Este comentário, porém, vai para um dos diretores mais pirados da frança, chamado Gaspard Noé.

Depois de ter feito um filme com o tema de estupro, onde a história é contada de trás para frente e tendo uma cena de esturpo por quinze minutos, o diretor trás um filme que retrata a vida após a morte num filme altamente colorido e psicodélico chamado Enter the Void. Não lançado ainda no Brasil, o filme relata a história de um livro que diz quando uma pessoa morre, a pessoa revê sua vida inteira até o momento que ela morreu, e começa a vagar pelo mundo vendo como o mundo está após sua morte, até ele se reencarnar numa luz amarela que é emitida pelas pessoas durante o ato sexual.

Numa brisa altamente alucinante, Gaspard Noé nos transporta para esta viagem de duas horas e quarenta de duração. Apesar de ser uma viagem cansativa, é uma viagem obrigatória para aqueles que estão querendo ver um filme altamente criativo de linguagem cinematográfica única. O filme inteiro se passa em Tóquio, com luzes altamente florescentes e cenas que são nada mais nada a menos do que imagens surrealistas que representam o que sentimos ao inalarmos uma droga. O mais interessante são os planos enormes, que são feitos de diferentes formas, que fazem o filme ser o que é. Primeiramente, os planos são nada mais nada a menos do que os olhos do personagem principal, como se a câmera fosse o seu olho. Em seguida, a câmera está sempre atrás do personagem. Nunca vemos seu rosto e observamos tudo o que se passa no filme como se estivessemos atrás do personagem. E por último, o filme se estende num gigantesco plano que fica rodeando a cidade, explicando o que acontece com os personagens.

Ao contrário do que u estou dizendo, muitos acharam este filme ruim. Vou dizer que a história não é grande coisa, mas toda linguagem cinematografica jogada em cima da temática fazem este filmes dos filmes mais interessantes que eu já vi na minha vida. Para quem gosta de direção e fotografia, Enter the Void é uma rica aula de cinema.

Agora, se você não está acostumado com filmes estranhos, pode acabar de ler este post por aqui. Mas se você é fanático por eles, e se um dos seus filmes preferidos é Dogville, você definitivamente vai amar o filme indicado ao Melhor Filme Estrangeiro deste Oscar, chamado Dente Canino, da Grécia.

Dando uma resumida na história, o filme retrata uma familia cujos os filhos são presos na casa pelos pais para eles não terem contato com o mundo lá fora. Para isso, seus país criam uma realidade ilusitória para eles conseguirem viver em harmonia. Todo o dia, eles aprendem o significado de palavras novas, porém, com sentidos contrários (como o saleiro de mesa, que para eles, é ensinado como "telefone; um flores amarelas pequenas, que são ensinados como "zoombie" para eles). Eles também acreditam que aviões são brinquedos que voam pelo céu, e de vez em quando, eles caem no jardim de casa; ou que gatos são as criaturas mais perigosas que existem. Tudo isso acontece enquanto eles fazem brincadeiras entre eles, como cheirar anestesia e ver quem acorda primeiro, e uma visita semanal de uma mulher que trabalha com o pai para satisfazer os prazeres sexuais do filho.

Provávelmente você deve estar pensando que nunca ouviu algo tão absurdo em sua vida. E foi exatamente isso o que me fez levar a assistir o filme, pois eu simplesmente não acreditava. Quando eu vi o filme, os créditos começaram a aparecer no fim e eu ainda não sabia o que achar do filme. Era uma obra sem história, que só contava a vida de jovens bizarros vivendo numa realidade absurda. Porém, eu comecei a refletir sobre o assunto e comecei a achar o filme muito bom. Ao perceber o tratameto que os filhos são submetidos, pessoas começaram a me perguntar se não seria uma crítica ao jeito que nós somos criados, que apesar de sermos criados todos iguais, seria este o jeito certo? Não só isso, mas o que os pais deles estão tentando passar aos filhos. Seria uma maneira melhor de ver o mundo? Também tem o conceito de que eles só poderiam sair de casa se o dente canino deles cairem.

É um tanto complexo falar sobre este filme sem outra pessoa ter visto. Não há motivos claros para dizer se é um filme bom ou ruim. Eu, particularmente, achei muito bom, pois é um filme extremamente diferente, que possui uma abordagem tão inédita que chega a causar desconforto em quem está lendo a história. O que eu tenho a dizer é: assistam o filme. Pois achando o filme ruim, ou bom, é um baita soco para quem está acostumado com filmes que seguem numa linha reta.

Os 10 Melhores Filmes de 2010

2011-02-27T13:09:00.000-08:00

Para quem acompanha o Arte à Sétima a mais um de ano, percebeu que damos um certo destaque a mais para os dez melhores albúns e filmes do ano. Logicamente não é uma atitude exclusiva entre os outros blog, mas podemos dizer que fazer tais estatísticas é algo que fazemos com um grande sorriso no rosto. Afinal, o Arte à Sétima é um blog de indicação e crítica, e selecionar os melhores lançamentos para marcar o ano é algo que fazemos com naturalidade. Este ano, como podem ter percebido pelos últimos posts, o Arte à Sétima foi mais rígido do que o costume no sentido de fazer essa lista por diversos motivos.

Primeiro que 2010 teve uma quantidade de filmes bons extremamente significativa. Tão significativa que fez o blog voltar a ativa, que estava um tanto abandonado por um período de seis meses. Segundo que nossas listas dos dez melhores filmes do ano sempre eram baseadas nos lançamentos do Brasil, e não nos seus respectivos lançamentos de origem, fazendo assim, com que as listas de filmes do ano tivessem filmes tanto de um ano quanto o de outro. Baseando-se mais no que a crítica internacional tinha a dizer sobre os melhores filmes de 2010, o Arte à Sétima começou uma corrida atrás deles enquanto eles não chegavam no Brasil, para que assim que virasse o ano, conseguíssemos postar a nossa opinião. No fim, chegamos atrasados, mas passamos por todos os lugares que tínhamos que ir, e agora, temos nossa lista oficial dos dez melhores filmes de 2010, lançados no ano de 2010 em seus respectivos países de origem. Confira abaixo:

10. "127 Horas" de Danny Boyle

Desvendar Danny Boyle é uma tarefa que ninguém consegue fazer. Com filmes como Trainspotting, A Praia, Extermínio e Quem Quer Ser Um Milionário na mesma lista de filmes feitos, se percebe que o diretor não tem personalidade alguma. E com o lançamento de seu último filme e mais todos os Oscars que ele acarretou, você começa a se perguntar o que vem depois. E é ai que entra 127 Horas, um filme baseado numa história real que conta a jornada de um rapaz que fica preso numa rocha no meio do deserto. Ao contrário do que muitos andam dizendo, Danny Boyle acerta, e faz um grande filme. Talvez até tenha sido a baixa expectativa que eu estava guardando, ou simplesmente foi porque eu gostei do filme mesmo. A experiência proporcionada por James Franco é intensa, e suas memórias apresentadas durante o filme, apesar de não serem muito bem exploradas, são interessantes, e que fazem o filme ter algum sentido. Afinal, o filme é sobre um cara preso numa pedra tentando sobreviver, faça uma lista de quantos filmes sessões da tarde você tem iguais. Mas o fato de 127 Horas ficar em décimo lugar numa lista de dez é que o filme é bom, gente. Talvez você não possa achar isto nos primeiros trinta minutos, mas para tudo o que a história tinha para proporcionar, Danny Boyle mostrou tudo com competência e profissionalidade. E se você viu o filme apenas esperando para ver James Franco cortando seu próprio braço, você definitivamente não está vendo o filme. James Franco se prova como um ator de competência ao invés daquele famoso amigo do Peter Parker, e Danny Boyle até volta a ter alguns créditos depois de toda essa filmografia bizarra. Ainda não faz dele um grande diretor, mas 127 Horas é uma pérola que se guarda no ano de 2010.

09. "Amores Imaginários" de Xavier Dolan

O Xavier Dolan pode ter apenas 21 anos, mas criatividade e motivação é o que não falta neste jovem canadense. Depois de ter feito Eu Matei Minha Mãe em 2009, o garoto chega em 2010 com Amores Imaginários, e já tendo um terceiro programado para 2011 com Louis Garrel no elenco. Enquanto a gente espera, a gente curte Amores Imaginários, que devido as graciosidades deste simples filmes, fazem este ser um dos dez melhores do ano. Através de uma história de um triângulo amoros, Xavier Dolan brinca na montagem do filme em seu roteiro, com efeitos interessantíssimos e uma bela fotografia em destaque. Não é sobre o que o filme tem a mostrar, mas sim, como ele é mostrado ao expectador. Através de primeiras impressões, olhares curiosos, e sinais de comportamento, Xavier Dolan nos mergulha numa história em que ele revela os detalhes, os pensamentos, sentimentos e as ações que as pessoas passam a ter afim de chamar atenção de uma outra pessoa. E é algo que funciona perfeitamente bem, pois são fatos reais, que são impossíveis de não se identificar. E tudo isso acompanhado com entrevistas de pessoas anônimas dizendo sobre como é que você pensa e age quando começa a gostar de alguém. São diversos detalhes trabalhos de maneiras belas e artísticas que fazem de Amores Imaginários um filme interessantíssimo de ser visto. A cena final, então, é sensacional. Depois de Eu Matei Minha Mãe, agora com Amores Imaginários, podemos ter certeza de que Xavier Dolan não nos desapontará.

08. "Bravura Indômita" de Joel e Ethan Cohen.

Nunca fui um grande admirador dos irmãos Cohen - não posso falar muito, também, pois não vi muitos filmes deles. Um de seus últimos filmes em destaque, Onde os Fracos Não Tem Vez, é ótimo, mas acaba se deixando levar no seu fim. Queime Depois de Ler, em seguida, é simplesmente muito fraco, e não tive a oportunidade nem vontade de ver Um Homem Sério. Este ano, eu apostei grande em Bravura Indômita, e posso dizer que acertei. Não tenho bons argumentos pra explicar exatamente o porque eu gostei desse filme, pois afinal, ele é simplesmente bom. Sua história é contada direito, sem enrolações e partes chatas. É uma história de vingança no terreno caipira dos Estados Unidos. Um filme com espírito western contado em pleno 2010. Atuações boas, com um roteiro exemplar e uma produção marcante. Se você não acha que estes são argumentos o suficientes para botar Bravura Indômita entre os dez melhores filmes do ano, vá ver o filme no cinema e me diga o que achou depois.

07. "Minhas Mães e Meu Pai" de Lisa Cholodenko

Minhas Mães e Meu Pai pode até estar em sétimo lugar nesta lista, mas saibam que este é praticamente o meu filme preferido de 2010. Apesar de muitas pessoas olharem torto para este filme que saiu do nada, com uma história meia boca, eu vejo um potencial muito maior do que a maioria das pessoas vêem nele. Não é um filme inovador, mas ele simplesmente foi bem trabalhado onde poderiam ter botado a mão na massa nele. Alguns usam a desculpa do casal homossexual como um grande fator positivo do filme, mas eu vejo isso apenas como um detalhe. Minhas Mães e Meu Pai é uma história de família e relacionamento. É uma história que retrata realidade moderna, mas foca muito mais em amadurecimento e problemas emocionais de uma sociedade com uma mente aberta. E tudo isso funciona numa ótima formula composta por personagens que se enquadram muito bem no mundo do filme, que retratam com a maior clareza o mundo que vivemos hoje em dia. É um casal tentando se manter com sua família, são os jovens passando por problemas e tentando ganhar sua independência e descobrir mais sobre sí mesmos. E o fato de usarem um casal homossexual para contarem esta história, é apenas um dos elementos chaves que fizeram desta incrível história se tornar mais descolada, junto com seu incrível elenco, sua direção, e sua trilha sonora. Sem dúvida um dos melhores filmes do ano e um dos filmes que eu mais tenho orgulho de defender sua causa.

06. "Scott Pilgrim Contra o Mundo" de Edgar Wright

No meio de casais homossexuais, criação do Facebook, mundo em que se plantam ideias em sonho, Scott Pilgrim é um dos diversos fatores que fazem o ano de 2010 um ano extremamente importante para as próximas décadas do cinema. Tudo bem que ele não carrega tal importância nas costas quanto os outros filmes citados, mas é um exemplo de quanto mais há para se explorar ainda. Com um dos melhores roteiros anos, Scott Pilgrim retrata os HQ's para a tela da maneira mais legal do mundo. Apesar de ser extremamente absurda, a formula funciona perfeitamente, pois afina, tudo é cool. Não só o filme, mas tudo o que ele representa. O próprio Pilgrim que é um garoto indie com uma banda descolada, e toda a trama dele derrotar os sete ex-namorados de sua atual ficante. Sua montagem, que brinca com sentimentos dos personagens e passagem de tempos adaptadas dos quadrinhos; a trilha sonora composta por Beck, Broken Social Scene; os efeitos sonoros; e o seu roteiro, que é simplesmente fantástico. Filme mais cool não existe - pelo menos nos últimos dez anos. O que eu tenho a dizer é... vejam Scott Pilgrim!

05. "Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte I" de David Yates

Uma pessoa que seja profissional em críticas de cinema ou até mesmo que leve todas as caracteristicas de uma obra cinematografica como preenchimento de uma tabela para revisão, resultando assim, na sua crítica; jamais botaria um volume de Harry Potter como um dos dez melhores filmes do ano. Não que os filmes sejam ruins, mas sim, pelo fato de ser uma história dividida em oito filmes, que possuem profundos erros em seu rítimo graças aos seu livros, e que se analisados como uma obra cinematografica, não verá nada de muito surpreendente. O fato de eu colocar a primeira parte do último filme de Harry Potter aqui é porque não podemos analisar estes filmes como obras cinematograficas, e segundo que, este volume de Harry Potter é o melhor de todos os outros já lançados pois ele fez exatamente o que os outros filmes não faziam: parar de encher linguiça daqueles que nunca gostaram da serie, e entregar com coração um livro inteiramente adaptado para os fãs, que querem ver os capítulos de Harry Potter aparecendo na tela de cinema. Com um roteiro extremamente fiel ao livro, David Yates preparou um cenário extremamente profissional, que apesar de serem ignorados por muitos só porque é um volume de número sete que fala sobre mágica, é digno de suas indicações ao Oscar. Se o filme possui falhas de rítimo e de como os personagens se desenvolvem, eu não sei. A única coisa que eu sei é que tudo o que eu li no livro de J.K Rowling, apareceu neste volume de Harry Potter de uma maneira que eu nunca tinha visto em nenhum filme. Bem feita, real, e sem um único corte sequer das páginas do livro de Relíquias da Morte. Para um verdadeiro fãn de Potter, não vejo motivos para que Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte I não esteja entre os dez melhores filmes de 2010.

04. "Toy Story 3" de Lee Unkrich

Falar sobre Toy Story 3 é que nem falar da Pixar em sí. Depois de uma jornada de anos e anos, a Pixar foi criada com o lançamento de Toy Story, o primeiro filme feito inteiramente por computação gráfica. Este abriu as portas para o que hoje em dia é a maior empresa de animação do mundo, sendo que os dois últimos filmes lançado por ela, não só foram indicados por Melhor Filme de Animação (categoria que entrou no Oscar recentemente graças a invenção da tecnologia que a Pixar proporcionou no mercado cinematográfico), mas como também, ganharam as indicações de Melhor Filme do Ano, junto com nove filmes originais. E tudo isso se resume a uma história de dez anos, que após todo esse desenvolvimento, chega a Toy Story 3, a trilogia que representa tudo o que a Pixar é. E é na história de Toy Story 3 que você percebe isso. Este não só possui um dos melhores roteiros que a Pixar já criou, mas também, representa todo o seu desenvolvimento e a cara dos filmes que a Pixar criou nesses últimos dez anos. A história dos brinquedos, a perspectiva de suas vidas, são nada mais nada a menos do que a mensagem que a Pixar tenta passar: tudo é possível. É um tanto difícil dizer o quanto Toy Story 3 representa para o mundo do cinema. Não só porque ele é um grande filme, mas também, por tudo o que ele aborda. Por que afinal, é o terceiro volume da série, e não um filme singular. E é através de todos esses anos que percebemos em Toy Story 3, o que ele representa. Caso vocês estejam um pouco perdido no que eu estou tentando dizer, leiam esta matéria que eu escrevi sobre o filme.

03. "A Rede Social" de David Fincher

Parece que quanto mais os filmes ficam famosos, mais as pessoas tem mania de falarem que eles são ruins. Numa época em que O Discurso do Rei lidera as indicações ao Oscar, eu não entendo os comentários negativos que saem de A Rede Social. Vou dizer que eu também era uma dessas pessoas que falava mal do novo filme do David Fincher, mas foi após ver ele pela segunda vez que eu consegui entender do que o filme realmente estava tentando tratar. Para quem leu a minha segunda crítica da Rede Social no blog, você vê que A Rede Social não é um filme sobre o Facebook ou uma nova obra prima de David Fincher. É um filme que retrata a modernidade e a chegada dela na nossa geração. O filme não foi feito para mostrar o quanto o Facebook é legal, mas sim, a formação desta empresa e o que a formação dela significa para a geração dos anos 2000: uma geração onde os jovens tomam o poder. E só o fato do filme retratar isso, já põe O Discurso do Rei no chinelo, pois foda-se o gago do século passado. A Rede Social retrata um movimento jamais retratado antes, tanto do cinema, como mundialmente na economia do globo. O impacto do Facebook está em nossas vidas, e não no filme de David Fincher. Pode não parecer muito ao assistí-lo pois estamos vivendo a modernidade, e o que o filme faz é retratar o nascimento dela. É que nem Cantando na Chuva, que retrata a chegada do cinema falado na década de 20 em plenos anos 50. A Rede Social não está muito longe disso, tirando o fato de que neste eles não dançam, não contam piadas, e estão falando da empresa mais moderna da atualidade. Um filme como esses, tendo uma direção como a de David Fincher, faz com que o cinema moderno dê um salto extremamente grande, falando mais alto do que qualquer outro filme nos últimos dez anos. E no meio de todos esses filmes que foram lançados este ano, ao contrário do que muitos estão dizendo, prova-se de que o cinema ainda pode ser muito, mais muito bem explorado. A Rede Social é o filme que prova isso. Pode não ser o melhor filme do ano, mas é o ano para o lançamento deste filme.

02. "A Origem" de Christopher Nolan

Eu juro que eu entendo quem fala mal de A Rede Social. Não gosto, mas entendo. Agora, falar mal de A Origem, acho que seja pura ignorância da pessoa quem diz. Tudo bem que o roteiro possui certas falhas, mas me dizer que o filme é ruim, eu não aceito, e literalmente não entendo. A Origem é uma das obras mais originais dos últimos dez anos, e não entendo quem não consegue ver isso. Nolan pode até ter se perdido um pouco na hora de botar tudo na tela, mas o mínimo que você pode dizer do filme é que você daria uma nota como sete e meio de dez. De tudo o que Christopher Nolan poderia ter extraído da história que ele criou, ele não só colou na tela, mas como também, colou de maneira ousada e criativa. Não há uma única coisa que eu tenho para falar mal de A Origem, e acredito que todos aqueles que estejam indo ver para vivênciar uma experiência inédita, criativa e ousada, vão achar a mesma coisa. A Origem fica em segundo lugar na minha lista de dez melhores filmes do ano, porque ele é simplesmente bom, criativo e ousado. Se alguém consegue pegar a história de A Origem e fazer melhor, definitivamente você não faz cinema, porque obviamente, não sabe de nada.

01. "Cisne Negro" de Darren Aronofsky

Já pode começar a levantar as bandeiras escrito "Aronofsky"? Pois se tiver alguém com mais orgulho deste filme do que eu, que atirem a primeira pedra. No meio de filmes que retratam o ano 2000, que brincam com a realidade, sonhos, e retratam sobre casais homossexuais, Cisne Negro não tenta retratar nada, mas sim, mostrar tudo o que o cinema tem de mais puro a mostrar: a arte em sí. Ao contar a história de uma bailarina a procura da perfeição, o roteiro de Cisne Negro é acompanhado por uma direção de Aronofsky que não tenta desafiar a mente humanas com revelações ocultas ou diferentes perspectivas do mundo. Tudo o que Cisne Negro tem a mostrar é uma orgástica experiência de horror, com cenas bizarras e com uma história que apesar de não entender muito bem para onde estamos sendo levados, passamos pelos caminhos que deveriamos passar para sentir tudo o que a experiência do filme tem a passar. É uma obra ousada, cujo o desespero que tem em sua trama é o suficiente para você enlouquecer nele junto com o personagem que te acompanha. E tudo isso é feita de maneira linda, como uma câmera que parece estar dançando. Uma trilha sonora arrepiante, e uma atuação de Natalie Portman digna do Oscar.

Espero que vocês tenham gostado da lista dos dez melhores filmes de 2010 do Arte à Sétima. Afinal, fizemos muito suspense, então, espere que o que eu escrevi sobre os filmes tenham feito vocês terem entedido o meu lado. Para quem está se perguntando quais são os filmes de número onze ao vinte desta lista, filmes como Um Lugar Qualquer, Kick-Ass, Happy Thank You More Please, O Escritor Fantasma, Reencontrando a Felicidade, Ilha do Medo e Não me Abandone Jamais também entram nesta lista, não respectivamente nessa ordem. Para saber mais o que eu tenho a dizer sobre esses filmes, dêem uma vasculhada no blog, pois comentei quase todos eles aqui. Já para quem está se perguntando quais foram os 10 Melhores Filmes de 2009 publicado pelo o Arte à Sétima, eis aqui em baixo uma nova lista, com os filmes de 2009 lançados em seus respectivos paises de origem - ao contrário do ano passado, que tinha filmes tanto de 2009 quanto de 2008, e deixaram de fora muitos filmes de 2009 que chegaram no Brasil só em 2010.

01. Bastardos Inglórios
02. Up - Altas Aventuras
03. Anticristo
04. Onde Vivem os Monstros
05. (500) Dias Com Ela
06. Enter the Void
07. Star Trek
08. O Mundo Imaginário do Dr. Parnassus
09. Corações Em Conflito
10. O Garoto de Liverpool

Para a trilha sonora do seu verão - Neon Indian

2011-02-05T09:41:00.000-08:00

Depois de passar um tempo sem comentar sobre nenhuma banda, encontramos uma nova obsessão! Conheça abaixo Neon Indian:

Vindo direto do deserto do Texas e das ruas do Brooklyn em Nova York, Neon Indian trás o som mais apropriado para o momento da nossa descoberta, o calor do verão brasileiro. Com uma sonoridade bem house e new wave, Neon Indian trás um eletrônico psicodélico que ainda por ser uma ótima batida apara dançar, é a trilha sonora perfeita para uma tarde com os amigos. A banda possui uma sonoridade parecida com bandas como MGMT, Empire of the Sun, Phoenix e Animal Collective acompanhando com instrumentos bem trabalhados que apesar de gostosos de ouvir, são compostos de um jeito diferente, tornando assim, uma banda bem diferente das demais que estamos acostumados.

A banda só possui um disco, chamado Psychic Chasms, com 12 faixas. Conheça uma das melhores faixas do albúm abaixo, chamada Deadbeat Summer:

Mais filmes de 2010

2011-02-03T09:36:00.000-08:00

E quanto mais perto chegamos do Oscar, mais filmes o Arte à Sétima vê. Depois de publicar uma segunda opinião sobre A Rede Social no blog, falar sobre Cisne Negro, A Origem, Minhas Mães e Meu Pai, 127 Horas, entre outros, eis o que temos a dizer sobre Blue Valentine, Rabbit Hole, Além da Vida, e O Turista:

Sendo um dos filmes mais esperados do ano, Blue Valentine promete ser um dos filmes mais romanticos da história do cinema. O que eu posso dizer é que essa promessa não é cumprida, apesar de ser um ótimo filme. Dividido entre o passado e o presente, Blue Valentine contam a história de Dean e Cindy, agora, quando estão casados, e a memória deles quando eles se conheceram. O filme possui toda uma história intrigante e bonitinha, com uma direção toda independente de câmera de mão em constante movimento e uma fotografia que possui apenas um alto contraste. O que tinha tudo para ser um grande filme peca exatamente no que o filme tem a mostrar: o presente do casal.

Geralmente estamos acostumados a ver uma história de amor se formando, e o feliz para sempre é nos apresentado sem saber o que acontece com eles depois. Em Blue Valentine, vemos o que acontece depois de tudo o que o casal passou após eles se conhecerem, chegando até um pós casamento, com uma filha nas mãos. E o que piora ainda mais, é que no presente, eles são diferentes, e seu destino é escrito apenas com uma noite, enquanto acompanhamos toda a história de como eles se conheceram com o passar do filme. O que é triste, pois faz com que no fim, a obra não tenha propósito devido a sua conclusão. O filme seria muito melhor se fossem eles se conhecendo e se casando, assim como mostra em seu passado ao assistir o filme.

Mas analisando por outro lado, Blue Valentine não está a procura de contar a história da donzela que encontra o príncipe encantado, mas sim, pessoas ordinárias que só se ferram na vida, que devido a acontecimentos inesperados, elas acabam tomando decisões impulsivas e realísticas. Não é uma obra para se deliciar com compaixão, mas sim, ver a realidade de uma visão diferente. E é exatamente isso o que sentimos ao conhecer quem é Dean e quem é Cindy e como eles vivem. Então, meninas, só por que tem o Ryan Gosling, não vão esperando um The Notebook da vida.

Dirigido pelo mesmo diretor de Shortbus, Rabbit Hole ou Reencontrando a Felicidade é um filme muito melhor do que o crédito que o Oscar de Nicole Kidman apresenta. Apesar de não ser muito bem desenvolvido, o filme tem teorias interessantes, que fazem o fim da obra valer a pena.

Ao primeiro relance, Rabbit Hole aparenta ser um filme qualquer. O filme não possui nenhuma história ou desfecho interessante, até entendermos que estamos lidando com a história de um casal que está tentando sobreviver a morte de um filho. No início, os personagens não aparentam ser nada demais. Nenhuma emoção, acontecimento que mudem a vida deles. A história começa ficar interessante mais pro meio do filme, quando a mãe, interpretada por Nicole, começa a ter contato com o menino que atropelou o seu filho acidentalmente. Este cria desfechos, que apesar de não parecerem importantes a primeira vista, criam metáforas e paradoxos que se refletem em como o casal ficará no fim das contas ao concluir o filme. Algo que apesar de não parecer muita coisa, é o que ganha o filme. E isso é culpa do roteirista, por não dar mais atenção ao menino e sim, a outros personagens que não tem muita importância. Afinal, o nome Rabbit Hole vem de coisas que o menino tem a dizer.

No fim, Rabbit Hole pode não ser um filme perfeito, mas ele acerta mesmo assim. Era provável que ele ficasse do circuito do Oscar devido a todos esses grandes nomes, mas é bom ficar atento que é um bom filme de 2010.

Não é nenhuma novidade de Clint Eastwood é um dos melhores diretores ainda vivos. Depois de seus últimos filmes, como A Troca, Gran Torino e Invictus, não há como temer que qualquer próximo filme seu poderia sair ruim. Curiosamente, Além da Vida não está no mesmo nível que seus filmes anteriores. Mas isso não quer dizer que seja um filme ruim.

Tentando abordar o tema sobre a vida após a morte, Clint nos apresenta um mundo de um psíquico que consegue falar com os mortos. Junto, ele entrelaça mais duas histórias que envolvem um tsunami e uma explosão de um metrô em Londres. A história poderia ser mais interessante ainda se elas não se desenvolvessem tão lentamente, nos afetando com uma duração de quase duas horas e meia, para que no fim, a história nem acabe se concluindo direito. Alguns personagens que apareceram no filme nem se quer mostraram propósito de terem aparecido, como a personagem da Bryce Dallas Howard, ou até mesmo a pesquisa sobre a vida após a morte que a francesa Marie faz, que nem ao menos tem grandes impactos na história, resultando apenas num livro que é levemente citado. A história possui um desenvolvimento lento, com uma introdução de personagens que leva metade do filme, para ter uma conclusão de trinta minutos, que nem nos afecta muito.

Apesar da história falhar em diversos pontos, Clint Eastwood fez o seu melhor papel. Afinal, a história não era dele, resultando apenas a direção para ser feita. Sendo um grande diretor, obviamente, o filme possui quadros belos, com efeitos especiais que acabaram sendo indicados ao Oscar deste ano. No fim, Além da Vida não pode ser um grande filme, mas vale a pena ser visto para quem é fãn deste grande diretor.

Angelina Jolie, Johnny Depp e uns bang bang bang! Quer uma fórmula cliche Hollywodiana, está aqui. E para ser menos previsível ainda, ironicamente falando, o filme é ruim. E o mais interessante de tudo é que qualquer idiota que vai ao cinema a procura de diversão (a maioria), acaba se deixando levar por um detalhe que se não muito bem observado, percebe-se que é um dos maiores erros já feitos em um roteiro cinematográfico.

Mas tudo bem, vamos falar das coisas boas, pois as coisas ruins não são novidades. Neste filme que inesplicadamente foi indicado ao Globo de Ouro, o alemão Florian Henckel von Donnersmarck nos trás uma perseguição em Venesa. O filme chega até ser legal e interessante com o desenvolver da história, e tudo isso vem com Angelina Jolie numa das performances mais belas dela (visualmente falando, pois ela nunca esteve tão bonita em um filme); e com cenas maravilhosas de Venesa. Cidade linda, mulher maravilhosa, figurino fino e uma história de perseguição intrigante acompanhada com piadinhas. O que poderia dar errado? A tentativa de um final surpresa que não deu certo.

Obviamente não vou falar o que acontece aqui, mas o que ficou parecendo é que quando o roteiro foi escrito, o roteirista foi escrevendo seu saber de seu fim, e quando chegou lá, decidiu botar o mais improvável. Improvável é, mas ao mesmo tempo, perde todo o sentido de todas as escolhas que o papel de Angelina desempenhou. Pode até parecer convincente a primeira vista, mas se você analisar como tudo ocorreu durante a história, nada, absolutamente nada acaba fazendo sentido, entregando tudo aquilo como "foi apenas sorte". E cá entre nós, já não basta toda essa história de perseguição em Venesa para acreditarmos que estamos vendo um filme, mas deixar de lado tudo o que aconteceu para engolir aquele fim já é pedir demais. Se quiser ver o filme, pode até ir. É bonito, engraçadinho, e intrigante. Mas não fique pensando muito quando chegar no fim, pois vai acabar se estressando.

Happy Thank You More Please

2011-02-01T11:54:00.000-08:00

500 Dias Com Ela, Tudo Acontece em Elizabethtown, e Hora de Voltar. Nada como um filme para retratar o amor no meio do caos e desequilíbrio da humanidade através das poesias de um filme diferente e bonitinho vindo de um roteiro criativo. A verdade é que todos nós somos uma bagunça e precisamos de amor para consertar o que há de errado em tudo no mundo. E são esses filmes que nos fazem emocionar com certos sentimentos que não conseguimos muito bem entendê-los ou controlá-los no mundo real. Mas para ser mais específico, é sobre este filme que eu quero falar. Um filme que consegue superar todos os outros em questões de filmes com tema sobre amor, felicidade e pessoas que só querem se encaixar na vida. Veja abaixo o que o Arte à Sétima tem a dizer sobre o filme Happy Thank You More Please.

Lançado em 2010, Happy Thank You More Please é um filme independente que ainda não se encontra disponivel no Brasil. O filme retrata diversos amigos com idades aproximadamente entre 25 a 28 anos, que moram em Nova York e buscam nada mais nada a menos do que a felicidade no meio de um mundo bagunçado e injusto. Sam é um escritor fracassado que se vê cuidando de um menininho que se perdeu do metrô, enquanto persegue uma garçonete de um bar. Sua melhor amiga, Annie, possui uma doença cujo corpo não produz pelos, e tenta encontrar um amor em sua vida enquanto antigos parceiros reaparecem em sua vida, que parecem provar a ela que ela não merece alguém bom em sua vida. Enquanto isso, Marry e Charlie são um casal que se vêm divididos entre a ideia de se mudar para L.A e ficar em Nova York, enquanto Marry não sabe o que fazer após receber a noticia que está grávida.

A história de Happy Thank You More Please não é nem o mais importante, mas sim, o que ela retrata quando representada ao espectador. A procura de tentar contar histórias sobre amor e a busca da felicidade, esta obra independente nos transporta para um mundo de jovens adultos urbanos de Nova York que não possuem nada de especial, apenas suas semelhanças de nunca conseguirem fazer o que é certo. O que é algo interessantissimo, pois é o que na verdade acontece na vida real, tornando este filme uma obra que consegue tocar muito mais do que os outros que estamos acostumados a ver.

Porém, o que mais se destaca no filme ainda é o seu roteiro, e como as falas dos personagens são incrivelmente bem boladas, com quotes impactantes, mas ao mesmo tempo, possuindo um grande toque de realidade, que nos aproxima de um jeito aconchegante, tornando o filme uma obra gostosa e fofa de se ver. Com toda a fotografia e a direção independente do filme, tornam Happy Thank You More Please uma das obras mais memoráveis em questões de filmes que retratam pessoas a procura da felicidade num mundo complicado. Afinal, a frase do filme é "go get yourself love", e é através de reflexões dos personagens montadas em um roteiro altamente tocante e realista, que percebemos que ninguém é perfeito, apenas aprendemos a ser felizes. E é assim que você acaba gostando de Happy Thank You More Please.

O filme foi dirigido por Josh Radnor, que além de também participar do filme, participa do programa de TV How I Met Your Mother. Malin Akerman de Antes Só do que Mal Casado também participa do filme. Sendo uma obra totalmente independente, sem previsão para chegar ao Brasil, eu fiz questão de comentar sobre este filme aqui, pois é uma obra sensacional, e com certeza, um dos melhores filmes de 2010. Se você tiver oportunidade para vê-lo, faça-o agora. Veja o trailer abaixo:

Crítica - Deixe-me Entrar (Remake)

2011-01-30T13:20:00.000-08:00

Remakes. A criança deformada do cinema. Uma obra que desrespeita a arte original e que na maioria dos casos, passa pela produção americana para criar uma atmosfera mais bem feita e mais comercial. Ainda tendo alguns que se salvam desta aberração, como o novo King Kong, a maioria dos remakes são absurdamente desnecessários, principalmente quando estamos falando de remakes cujos originais são muito bons. E é ai que entra o filme de vampiro sueco Deixa Ela Entrar, um dos melhores thrillers que eu já vi em minha vida, e que só por causa da produção independente e o idioma sueco, os americanos fizeram questão de roubar esta ideia para o tornarem mais comercial e mais assustadora. Apesar de ser um absurdo desrespeito e uma atitude desnecessária, o remake Deix-me Entrar acerta, mesmo não sendo tão bom quanto o original.

Obivamente, não tem como falar de um remake sem comparar ao seu original. Afinal, sendo um remake, buscamos propósitos na nova versão da obra que justificam a sua criação. E sendo Deixa Ela Entrar um filme incrível, eu realmente queria saber o porque os americanos se propuseram a faze-lo, e o mais interessante ainda, possuir críticas boas no exterior. Surprendentimente, a aberração virou algo bonito graças a direção de Matt Reeves.

A história da versão americana de Deixa Ela Entrar é exatamente igual ao seu original, tendo cenas praticamente idênticas e com um roteiro que não muda muito. A diferença, é que Matt Reves conseguiu tornar a história mais bizarra e sombria do que a original, algo que realmente me fez um pouco de falta ao ver a versão sueca, que estava mais preocupada em mostrar a relação do menino com a vampira. Nesta nova versão, além do filme ser todo sombrio, Abby, a vampira, é muito mais violênta, e e há uma certa "transformação" quando ela ataca as pessoas, que lembra muito a cara da menina do O Exorcista. Além disso, os bullyings que o menino sofre são muito mais violentos do que o original, e as mortes das pessoas são mais violêntas e radicais. Algo que dá todo o crédito para o filme, pois são realmente bem feitas. Os primeiros cinco minutos do filme então, é algo que intimida e impressiona.

Mas estas são apenas os pontos chaves do filme que tornam este remake algo que não descartável. Apesar de ainda ser uma obra sem propósito, o remake ainda é um filme bom devido toda a direção de Matt Reves, que além desses elementos que eu citei, apresentou o filme como se fosse uma obra independente. Não há nada com uma super produção, e aquela cidade que eles vivem é uma cidade pacata do Novo México nunca vista antes. E tudo isso acompanhado com uma bela fotografia sombria, quanto a incrível direção de Matt Ereves e jogos de cena muito interessantes. Há cenas que eu achei muito boas, como a parte em que o carro capota antes do homem jogar acido nele (não vou ser específico para não estragar a surpresa de quem não viu), que o acidente é nos apresentado da visão de quem está dentro do carro, enquanto ele capota.

Mas apesar de Matt Reves ter dirigido o filme lindamente e ter deixado ele mais tenso, o original ainda consegue ser melhor por diversos motivos. Só o fato de ser uma obra original, já ganha diversos pontos, e segundo que, além da história do menino e da vampira, temos a visão dos fatos dos adultos que moram no mesmo prédio que a menina, e que começam a também passar por situações perigosas e suas consequências. Algo que deixa o filme mais interessante, ao contrário do original, que entregou esta visão dos fatos para a policia, que nem ao menos se destacou muito no filme. Com isso, apesar dos dois filmes possuírem um roteiro muito parecido, a nova versão se tornou um tanto cansativa, enquanto a versão original era intrigante, pois sempre tinha alguma coisa acontecendo.

De um jeito ou de outro, não é novidade que este remake seria inferior. Mas apesar de tudo, o filme é uma bela obra e pode muito bem ser indicado por pessoas, já que ele está com mais fácil acesso do que a obra original, que não está disponível em DVD no país. Continua sendo uma obra altamente desnecessária, mas pelo menos, não é uma obra ruim. Matt Reeves se provou como diretor competente ao dirigir está história. Não só como trabalho, mas ao respeitar o original. Antes mesmo dele começar a dirigir, ele havia dito que não sabia como fazer o filme pois a obra original já está perfeita. Pelo menos no fim, quem saiu com os créditos foi ele.

O que eu posso dizer é... se você gostou do filme sueco Deixa Ela Entrar, vale a pena ver o remake para as novidades com um clima mais tenso. Se você não viu a versão sueca mas quer ver este, aconselhamos ver o original primeiro. Vendo ou não, de um jeito ou de outro, o remake de Deixa Ela Entrar é um bom filme.

Indicados ao Oscar 2011

2011-01-25T19:09:00.000-08:00

E um dos momentos mais importantes do ano chegou... pelo menos para quem está de olho entre os filmes que mais se destacaram no ano passado. Tentando acompanhar toda essa enorme lista de filmes, o Arte à Sétima ainda está um pouco atrás, mas pouco a pouco, estamos acompanhando todos os nomes indicados para darmos a nossa própria opinião tanto sobre os filmes em sí, quanto as indicações e premiações que andam acontecendo. De um jeito ou de outro, já temos uma boa posição para falar sobre como estão os indicados ao Oscar deste ano. Confira abaixo:

Assim como o ano passado, dez filmes entraram para a indicação de Melhor Filme, sendo assim, Cisne Negro, A Origem, A Rede Social, 127 Horas, Minhas Mães e Meu Pai, O Discurso do Rei, O Vencedor, Toy Story 3, Inverno da Alma e Bravura Indômina. Achei um tanto desnecessário dez indicações, sendo que cinco poderiam muito bem ser preenchidas com A Rede Social, Cisne Negro, A Origem, O Discuro do Rei e O Vencedor. Mas tudo bem. As cinco indicações ficaram com os diretores, cujos indicados são David O. Russel, Tom Hooper, David Fincher, os irmãos Cohen e Darren Aronofsky pelos respectivos O Vencedor, O Discurso do Rei, A Rede Social, Bravura Indômina e Cisne Negro. Achei interessante Nolan não ter sido indicado aqui. Vamos ter que esperar o lançamento de Bravura Indômina para conferir.

Os atores não ficaram muito diferentes, tirando o Ryan Gosling que surpreendentimente não foi indicado por Blue Valentine. Estou com o filme aqui para assistir, mas só de ver o trailer, percebe-se que sua atuação foi incrível. Em breve tem crítica no blog. Mas já é um fato de Colin Birth levará a estatueta, enquanto James Franco, Jesse Eisenberg, Jeff Bridges e Javier Bardem disputam ao seu lado pelos respectivos 127 Horas, A Rede Social, Bravura Indômina e Biutiful. Apesar da ausência de Gosling, a substituição de Javier Bardem é bem posicionada. Enquanto isso, Annette Benning, Nicole Kidman, Jennifer Lawrence, Natalie Portman e Michelle Williams disputam para o prêmio de Melhor Atriz pelos respectivos Minhas Mães e Meu Pai, Rabbit Hole, Inverno da Alma, Cisne Negro e Blue Valentine. Quero saber agora quem é que não botou a Julianne Moore aqui.

Geoffrey Rush, Mark Ruffalo, Jeremy Renner, John Hawkes e Christian Bale disputam pelo Melhor Ator Coadjuvante pelos respectivos O Discurso do Rei, Minhas Mães e Meu Pai, Atração Perigosa, Inverno da Alma e O Vencedor. Enquanto isso, Amy Adams, Helena Bonham Carter, Melissa Leo, Hailee Steinfeld e Jacki Weaver disputam pelo prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante pelos respectivos O Vencedor, O Discurso do Rei, O Vencedor novamente, Bravura Indômina e Reino Animal. Achei interessante todos estes destaques por Bravura Indômina e fiquei feliz também por Hailee ser indicada. Este é o seu primeiro filme e ela tem apenas 14 anos.

O Mágico, Toy Story 3, Como Treinar Seu Dragão são os indicados para Melhor Animação, enquanto Biutiful, Incendies, Fora da Lei e Dente Canino são os indicados para Melhor Filme Estrangeiro. O Mágico e Dente Canino são um dos filmes que tenho aqui para assistir, então em breve, terá comentários no blog. O Discurso do Rei, Minhas Mães e Meu Pai, O Vencedor, A Origem e Another Year são indicados para Melhor Roteiro Original, enquanto Inverno da Alma, Bravura Indômina, Toy Story 3, A Rede Social e 127 Horas ficaram com as indicações de Roteiro Adaptado. As indicações de produção você encontra no CinePlayers.

No geral, achei justo as indicações ao Oscar, apesar de estar bem centrado aos dez filmes indicados como Melhor Filme. Senti falta de Não me Abandone Jamais, assim como no Globo de Ouro, mas pelo menos, o Oscar manteve sua mente e não botou nenhuma bomba como O Turista, ou indicações não muito dignas como Andrew Garfield para A Rede Social. Minhas apostas? O Discurso do Rei para Melhor Filme, Direção, Roteiro Original e Ator para Colin Birth; Natalie Portman para Cisne Negro como Melhor Atriz; Christian Bale como Ator Coadjuvante e Amy Adams ou Melissa Leo como Atriz Coadjuvante para O Vencedor; Toy Story 3 para Melhor Filme da Animação; Biutiful para Filme Estrangeiro; A Rede Social para Melhor Roteiro Adaptado. O resultado sai no dia 27 de Fevereiro. Estaremos acompanhando ao vivo via Twitter!

Dando uma segunda olhada à Rede Social.

2011-01-19T21:53:00.000-08:00

Vou admitir que quando eu vi A Rede Social pela primeira vez, o filme não superou minhas expectativas, e quando ganhou todos os prêmios mais importantes do Globo de Ouro eu até cheguei a ficar desapontado. Não o achava um filme ruim, mas também, para mim, não passava apenas de um filme bem feito sobre a história de uma empresa bem sucedida cujo chefe era um idiota. Porém, quando eu vi pela segunda vez, achei A Rede Social um filme muito bom. E é por isso que eu venho a escrever esta matéria.

É muito fácil dizer que está indo assistir a um filme sobre o Facebook, ou até mesmo um novo filme de David Fincher. O que as pessoas estão esquecendo de notar quando vão assistir A Rede Social, é que estão indo assistir a um filme. E foi exatamente isso o que fez com que eu não gostasse muito de A Rede Social quando eu fui ver um filme pela primeira vez, pois um dos diretores que eu mais gosto estava na direção de um filme que retrata um dos grandes movimentos sociais da minha geração. Mais legal e moderno do que isso, não vejo o porque poderia dar errado.

Obviamente, ao contar uma história tão moderna, David Fincher preparou um cenário elegante e profissional, digno de Oscar. Porém, o que muitas pessoas foram procurar em A Rede Social - e eu me incluo nesta lista - foi alguma coisa para se impressionar. Afinal, tudo é moderno demais no conceito de A Rede Social, e a história de uma empresa se formando é coisa normal. Queremos modernidade, queremos um impacto em nossas vidas. Porém, o que muitos não percebem é que o impacto em nós está no próprio Facebook, e A Rede Social não é um filme que está ali para nos mostrar o quanto tudo isso é legal, mas sim, como uma industria altamente moderna chegou a causar um impacto em nossas vidas sociais, e como nossa própria geração toma decisões baseadas nas diferentes atitudes dos dias de hoje. Sem contar que tudo isso é feito com extrema profissionalidade, e é apenas vendo A Rede Social como um filme que isso pode ser percebido.

Ao contar a história de como o Facebook foi criado, Aaron Sorkin pegou a história do livro de Ben Mezrich, Os Bilionários Acidentais, e transformou numa conversação de um julgamento tribunal. Toda a vida nerd interessante de Mark desde quando ele era apenas um idiota que terminou com a namorada até ele ter a ideia da criação do Facebook nos leva a um motivador episódio de como tudo aquilo chegou ao ponto de seu melhor amigo estar processando ele por 600 milhões de dólares. Sem contar toda a ideia que o filme joga sobre a nossa geração, e como muitas coisas mudaram desde então. É um filme moderno, que apesar de estarmos acostumados com muita coisa que se passa no filme, ele toca exatamente no assunto que nenhum outro filme jamais tocou: industria e sociedade moderna. O que é que queremos agora? Quem são os filhos da revolução? O que todos vão querer amanhã? Assuntos de extrema importancia que são jogados constantemente no filme, que acabam passando despercebidos àqueles que assistem A Rede Social a procura de se entreter como se divertem acessando o Facebook, ou postando no Twitter.

A Rede Social é uma retrato da nossa geração, apesar de não parecer muito claro, pois, apesar de tocar num assunto moderno, somos mais modernos ainda ao estarmos em 2011, uma história que tem apenas alguns anos de diferença, mas que devido a rapidez com que as coisas acontecem, fazem os princípios da modernidade passarem batido; é um filme para ver como a nossa geração está, e como as coisas funcionam hoje em dia. Não é um filme para achar tão interessante quanto o que o Facebook sabe fazer, mas um filme para observar e apreciar a criação de algo que veio exatamente do espírito de quem o criou: de uma geração moderna. Uma geração que jovens tomam o poder.

David Fincher não fez nada demais, ele só fez o que ele sabe fazer de melhor, que é filmes. O filme é extremamente bem dirigido, com uma linda fotografia escura, assim como seus outros filmes. Não tem exatamente como comparar suas obras com A Rede Social, pois ele nunca foi um roterista, e ao dirigir este filme, ele não fez muita coisa de diferente como O Curioso Caso de Benjamin Button, ou Clube da luta. David Fincher sempre mostrou ser um dos melhores diretores da atualidade, e A Rede Social só o modernizou ainda mais. Quem levou os créditos nessa história foi o roterista, Aaron Sorkin, por ter adaptado o livro. Mas ainda sim, o filme inteiro é uma combinação perfeita que não poderia dar errado. David Fincher, com um dos melhores roteiros do ano, falando da construção de uma das empresas mais novas e modernas de todos os tempos em pleno 2010? Filme mais moderno você não encontra, apesar de A Rede Social estar disputando com filmes extremamente diferentes este ano, como Minhas Mães e Meu Pai, falando sobre um casal homossexual; ou até mesmo A Origem, que possui um dos roteiros mais originais que eu já vi na minha vida. 2010 sem dúvidas foi um grande ano no meio cinematográfico.

De um jeito ou de outro, o que eu quero dizer é que 2010 é o ano da A Rede Social. Não sei se o Oscar vai dar o prêmio para ele, mas tudo o que ele já alcançou até agora fez dele o filme do ano, se não o da geração. E foi só eu observando A Rede Social como uma obra cinematográfica que eu consegui perceber tudo isso, em vez de ir assistir ao filme pensando que o filme seria algo tão divertido quanto o Facebook. O que eu tenho a dizer é... se você assistiu A Rede Social mas não gostou muito, veja de novo. Talvez você mude de ideia.

Filmes que você tem que ver quando lançarem!

2011-01-17T14:28:00.000-08:00

Só para não acharem que eu posto qualquer filme aqui, os filmes que acabam entrando nos posts de "Filmes que você tem que ver quando lançarem", acabaram sendo filmes importantes no ano, como A Origem, A Rede Social, Cisne Negro e até mesmo o Greenberg, que acabou entrando na lista dos vinte melhores filmes de 2010 por Quentin Tarantino. Mas isso não vem ao caso, depois de falar sobre The Tree of Life, Source Code entra no conjunto por diversos motivos.

Há muito tempo atrás, para quem não se lembra, comentei de Moon, um filme que depois chegou em DVD ao Brasil com o título de Lunar. O que chamou atenção no filme não foi nem o filme em sí, mas quem tava na direção, que era nada mais nada a menos do que Ducan Jones. O nome não é familiar, mas para quem pesquisa, descobre que é o filho do David Bowie. Com um trailer interessantíssimo, Lunar, vendo agora, parece um Cisne Negro só que em vez de bailarina é um astronauta. No fim, Lunar foi um filme regular, porém, muito bem produzido. Agora, sua nova obra será lançada em 2010 ao lado de Jake Gyllenhaal, com Source Code.

Traduzido para Código Fonte aqui no Brasil, o filme acompanha o capitão Colter Stevens, que acorda no corpo de um outro homem e descobre que faz parte de uma missão para salvar Chicago de um trem desgovernado. Em uma tarefa que não se parece a nenhuma das que já realizou, percebe que é parte de um experimento do governo chamado “Source Code,” um programa que lhe permite passar pela identidade de outro homem nos últimos 8 minutos de sua vida. Ele tem poucos minutos para descobrir o que irá acontecer com o trem. O filme chegará no Brasil no dia 6 de Maio. Enquanto isso, você pode vendo o trailer abaixo:

2011 chegou, mas 2010 ainda não acabou!

2011-01-14T14:22:00.000-08:00

Faltam poucos dias para o Globo de Ouro e o Arte à Sétima não só está correndo atrás dos filmes para ter sua opinião crítica, mas como também, reunir o mais rápido possível os melhores filmes de 2010, que não só tem o objetivo de colocar sua opinião oficial no blog, mas também, assisti-los por pura curiosidade. O motivo da corrida é que este ano decidi publicar os dez melhores filmes de 2010 do país de origem, fazendo com que filmes que ainda não chegaram no ano passado aqui no Brasil, entre nesta lista, como Cisne Negro, 127 Horas e Um Lugar Qualquer. O resultado disso, enquanto essa lista não vem, são as criticas e resenhas publicadas aqui no blog, como este post que falará o que o Arte à Sétima achou de 127 Horas, Um Lugar Qualquer, Incontrolável e Enrolados.

Trainspotting pode ser o filme favorito dos alternativos e hipsters, mas apesar de ser realmente um bom filme, não há como negar que os filmes de Danny Boyle deixam escapar alguma coisa. Não vou dizer que ele é um diretor ruim, mas suas escolhas para direção não são muito lá favoráveis, e Quem Quer Ser Um Milionário é a prova viva disso. Mas felizmente, 127 Horas veio para dar uma quebrada no gelo, e apesar de não fazer com que Danny Boyle se prove como um grande diretor da atualidade, o filme é uma pérola que entra como um dos melhores do ano mais pela atuação de James Franco e a história real de Aron Ralston. Baseado em fatos reais, o filme conta a história do montanhista que fica preso numa rocha em um buraco no meio do deserto dos Estados Unidos. Sem ter dito para ninguém onde ele havia ido aquele fim de semana, Aron tenta sair daquela enrascada enquanto se vê lembrando os melhores momentos de sua vida.

Com muitas doses de clichê, o filme poderia passar despercebido se não fosse a atuação de James Franco, o aflito deifeixo que a história possui, uma pitada de direção de Danny Boyle acompanhada com uma ótima trilha sonora. Vou dizer que o filme acabou me ganhando da metade pro fim, porque afinal, o filme é sobre a experiência psicológica do personagem, e é isso o que Danny Boyle passa através de memórias, imagens surrealistas, e enfim. Não há muito o que dizer além de Danny Boyle ter feito o equilíbrio perfeito para se contar uma história tanto física e emocional de um personagem egocêntrico que é interpretado tão lindamente por James Franco, um ator que se vem destacando nos últimos anos. O segredo está na aflição que Danny Boyle tanto conseguiu transmitir com ajuda de James Franco, com cenas, atuações e efeitos sonoros que nos levam a viver algo muito próximo do que o personagem está sentindo. Algo muito válido que fez com seu fim fosse emocionante de um jeito que fizesse com que 127 Horas entrasse no Top 10 dos melhores do ano, e possui com certeza uma cena de muito mais aflição do que qualquer Jogos Mortais que você já viu.

Foi através de uma visão simples do mundo que Sofia Coppola acabou se destacando no mundo do cinema. Sempre procurando trazer o minimalismo de uma maneira poética, seus filmes não possuem histórias marcantes, mas sim, retratos de vidas que nos fazem emocionar dizendo tão pouco. Depois de brincar com a realiza e a modernidade em seu último filme, Maria Antonieta, Coppola trás Um Lugar Qualquer, um filme que apesar de mostrar um pouco o lado da fama, lembra bastante Encontros e Desencontros.

John é um ator que se vê perdido em seu mundo de fama. Separado de sua mulher, sua vida é dividida em transar com garotas e passar o tempo com sua filha Claire. Apesar de mostrar bem os dois lados da vida de John, o filme é mais uma história de pai e filho, cuja relação com as mulheres da vida de John se encaixam de maneiras interessantes no filme, fazendo de John um galã rebelde. E é exatamente nesses dois pretextos que se passa o filme Um Lugar Qualquer, dando um charme ao filme que só Sfia Coppola poderia representar. Não é uma grande história, mas é através da simplicidade do dia a dia que sentimos o deslocamento de John em relação ao seu mundo, as graciosidades de Claire com o seu pai, e o charme das garotas que estão com John o tempo todo. Aliais, se tem alguém melhor para representar a sensualismo e o feminismo da mulher melhor que Sofia Coppola, que atirem a primeira pedra. Apesar de não ser o melhor filme dela, Um Lugar Qualquer é um filme interessante que merece destaque entre os outros pelas graciosidades que só Coppola pode proporcionar.

Apesar de não ser um dos filmes em destaque em 2010, decidi comentar sobre ele aqui no blog pois é exatamente isso o que eu quero dizer em relação a esse filme: Incontrolável não é um filme para ir ver por indicação, mas se o fizer, vai se entreter bastante.

Espionagem, roubo de bancos e bombas que estão prestes a explodir são o cenário perfeito para um grande clichê Hollywoodiano. A procura de tentar mudar este conceito, Tony Scott apareceu com filmes interessantes como Top Gun, Chamas da Vingança, Deja Vu, e até mesmo o Domino, que muitos odeiam, ao contrário de mim. Em 2010, Scott escolheu a história real de um trem que acabou viajando sozinho em alta velocidade, carregando produtos altamente perigosos, ameaçando a destruição de uma cidade inteira. Com um roteiro quase idêntico a filmes como Velocidade Máxima, Tony Scott chegou até aqui provando que ainda esses filmes podem ser bons. E é exatamente o que acontece em Incontrolável.

A história ainda pode ser clichê, mas não há como negar que os momentos de tensão existem a partir do momento que o trem começa a virar uma ameçada nacional. O filme inteiro consegue ser intrigante, e a direção de Scott com sua câmera que está em constante movimento, mostrando diversos angulos, faça com que você não consiga desviar os olhos da tela. Chega até ser impressionante a quantidade de ângulos que o filme possui e como as câmeras se movimentam, fazendo assim, um filme que chama atenção constantemente. Não é um filme para se ver e pensar o quanto inteligente ele é, mas sim, vivenciar o melhor que um filme de ação pode proporcionar: explosões e momentos de tensão. E isso é o que Tony Scott consegue fazer de melhor. Se você está com os amigos e não quer ver algo muito sério, veja Incontrolável, pois apesar de não ser um filme inteligente, é o melhor que um filme de ação de qualidade pode proporcionar.

Enrolados nem era um filme que eu queria ver, mas a quantidade de pessoas dizendo que era um dos melhores filmes do ano me intrigou, fazendo com que eu fosse obrigado a dar uma olhada. Sendo uma computação gráfica da Disney, e não da Pixar, posso dizer que Enrolados é bonitinho e bem feito, mas para entrar na lista de um dos melhores filmes do ano, é um tanto exagerado.

Para quem nunca esqueceu dos contos antigos da Disney, como Cinderela, Branca de Neve, e etc; Enrolados é uma versão nova que apesar de não se igualar àqueles antigos desenhos, nos fazem lembrar um pouco de como era assistir a uma história com um feliz para sempre. Ao tentar contar a história da Rapunzel, a Disney moderniza um pouco a história e nos trás também uma versão computadorizada com a oportunidade de ser vista em 3D. O 3D não faz grande diferença do filme, e a história de Rapunzel, apesar de continuar a mesma, é engraçadinha e emocionante. Mas ainda sim, é uma obra muito mais destinada as crianças, com canções, e etc. O que o filme tem a oferecer de bom em questões cinematográficas, é a própria história de Rapunzel, que foi muito bem contada, e a computação gráfica, extremamente bem feita, com uma das cenas mais lindas da Disney, sendo esta a parte em que diversos balões de vela estão flutuando no céu.

No fim, Enrolados é um filme legal, e bem feito. Mas ainda sim, é uma história de criança. Se quiserem ver o filme, coisa ruim que não vai ser, mas também, não se deixem enganar pela propaganda feita pelos lugares dizendo que Enrolados é um dos melhores filmes de 2010.

Crítica - Cisne Negro

2011-01-06T11:29:00.000-08:00

A procura de contar uma ótima história, são poucos os diretores que conseguem apresentar ao público algo que vai além das regras que o cinema tende a obedecer numa obra cinematográfica. Entre a trama e a imagem capturada, há uma barreira que poucos filmes conseguem quebrar, que ao invés de fazer com que nós apenas acompanhássemos a história, acabam nos transportando para dentro dela. Este trabalho, obviamente, são realizados pelos talentos que poucos diretores possuem. E apesar deste estar considerado morto em hoje em dia, ainda há diretores que provam o contrário. E este é o caso de Darren Aronofsky.

Nem sempre entendendo o que estamos vendo, Aronofsky cria filmes cujas experiências não são óbvias, mas dirigidas por caminhos onde o espectador tem que ser levado para experimentar o sabor de sua obra. Fonte da vida é o melhor exemplo de todos, pois é sua obra de direção, roteiro, e alma. Para quem entendeu tudo o que o filme apresenta, que atirem a primeira pedra; mas se quisermos discutir sobre o que aconteceu, abriremos diversos contextos que apesar de não chegarmos a conclusão nenhuma, experimentando exatamente o que Aronofsky quisesse que experimentassemos. E o que seria isso? Em poucas palavras, a viagem psicológica do personagem.

São poucos os filmes que conseguem nos surpreender ao nos enganar de que tudo o que vimos foi apenas a perspectiva de uma pessoa louca ou doente. Na maioria dos casos, estes personagens são apresentados com base em outros personagens, como Tyler Durden em Clube da Luta, ou até mesmo um filme inteiro baseado numa experiência psicológica, como Uma Mente Brilhante e Ilha do Medo. Algo que nos engana o filme inteiro, e acaba ganhando todo o crédito por tal ato se revelar de que tudo era apenas uma visão de uma pessoa louca no fim do filme. Agora, algo que ninguém nunca fez e apenas Aronofsky conseguiu fazer é nos transportar para a própria experiência do que os loucos destes filmes estão passando, tanto psicologicamente, como fisicamente - ao contrário destes outros filmes que eu citei, que apenas acompanhamos a tragetória da história da perspectiva de um personagem.

Logicamente, este dom que Aronofsky tem - conhecido como "manias" por aqueles que não gostam do estilo do diretor - não poderia passar despercebido em Cisne Negro, que não só foi usado de uma maneira maravilhosa, mas como também, fez de Cisne Negro o filme que é. Ao escolher a peça Lado dos Cisnes para servir de palco para uma experiência psicológica de horror, Aronofsky pegou desde os sapatos do balé até as próprias caracteristicas dos personagens que a peça envolve para brincar com a mente da personagem Nina, interpretada maravilhosamente por Natalie Portman. E o que faz dividir o público em aqueles que adoraram o filme e aqueles que não gostaram, é o fato de que Aronofsky não criou um filme de suspense ou terror, mas sim, um personagem que passa por uma experiência de horror. E isso acontece porque tudo o que se passa em Cisne Negro, é nada mais nada a menos do que a personagem Nina vivendo a loucura de sua vida tanto psicologicamente quanto fisicamente.

Para quem discorda de tudo o que eu disse, é porque não viu Cisne Negro com devia ser visto. Todos os instrumentos para brincar com a obra são nos dado por Darren Aronofsky. Tudo o que você deveria ter feito é brincado com eles, ao contrário de outros filmes, que costumam montar as peças que não couberam no quebra-cabeça ao fim do filme, nos dando respostas.

Em Cisne Negro, Nina é uma bailarina que vive em constante pressão. Ela quer se destacar no meio de sua arte, não deixar sua mãe desapontada - ser uma bailarina perfeita. E após ela conseguir o papel de Rainha dos Cisnes, a pressão aumenta ainda mais, com o fato dela não conseguir fazer o Cisne Negro como deveria ser feito; com o fato de seu diretor ficar jogando isso na cara dela enquanto ela teme em perder sua dignidade com ele; viver com o peso na consciência de que ela está tomando o lugar de Beth na companhia, e a desconfiança de que Lily pode estar tentando tomar o seu lugar. Tudo o que você precisa saber para ver o filme está dito aqui, e o resultado disso é nada mais nada a menos do que o playground que Aronofsky criou para nós brincarmos e nos perdermos nesta obra maravilhosa.

Mas falar isso é fácil, e ainda não convence muita gente que não soube brincar com tudo isso. Me refiro esta crítica a todos aqueles que acharam Cisne Negro um filme fraco, pois não há motivos para tal julgamento. Ainda com esta história, Aronofsky cria um palco lindo para que tudo isso acontecesse, nos ajudando a dançar com Nina a cada cena que ela ensaia pelas câmeras captadas pelo diretor. Sua câmera usada na mão acompanha a dança de Nina como se nós estivemos dançando junto com ela, enquanto o filme inteiro se passa em frente de espelhos de uma maneira ousada, percebendo que Aronofsky não os temeu para usar a computação gráfica na edição para apagar o reflexo de sua câmera. Sem contar que o filme é uma tensão constante com diversas cenas de aflição envolvendo tesouras e ferimentos que ficam cada vez mais tensos em Nina, acompanhados com uma trilha sonora envolvente e tenebrosa, que cria toda a atmosfera perturbadora de Cisne Negro. E são todos esses pequenos detalhes que fazem a barreira entre o roteiro e a experiência da própria personagem que a história narra se quebrarem para nos transportar para a própria mente de Nina, vivendo assim, o que ela está vivendo. Psicológicamente e fisicamente.

Cisne Negro não é um filme para nos apresentar a uma história, como a maioria dos filmes. É um filme para viver uma experiência, algo que poucos filmes conseguem fazer hoje em dia. Ele não está ai para nos dar uma ideia ou revelar uma verdade, mas sim, viver e experimentar tudo o que o gênero tem de melhor para nos dar: o horror. E apesar de não ser muito claro aonde Aronofsky quer nos levar ao assistir o filme, sabemos que ele nos levou aos lugares certos em sua obra ao fim do filme. É uma obra para se perder junto com a personagem e tudo o que ela passa. E é por isso que eu amo e respeito Aronofsky mais do que qualquer outro diretor vivo hoje em dia. Por que ele faz cinema de uma maneira que ninguém faz, e muitas pessoas não o compreendem por isso. Mas Cisne Negro é apenas uma obra prima. É só dar uma olhada nos outros trabalhos de Aronofsky, que percebe-se que ele é o melhor diretor da atualidade.

Misfits

2010-12-21T13:16:00.000-08:00

Não, não é a banda punk dos anos 70, mas sim, a nova série do E4, canal de televisão britânica que te trouxe Skins e que agora te apresenta os novos super-heróis descolados da televisão. Conheça Misfits!

Se tem uma coisa que o E4 sabe fazer é criar mini séries para adolescentes. Depois de ter criado os jovens junkies do Skins, eles agora nos trouxeram Misfits, uma série que fala sobre jovens que desenvolveram super poderes. Mas a história não é tão cliché assim. Sendo jovens que fazem partes do serviço comunitário, eles acabam sendo atingidos por um raio de uma estranha tempestade que chega a cidade. Após o acidente, cada um eles desenvolve um super poder que acaba resultando com o agente do serviço comunitário morto. Achando que ninguém iria acreditar neles, eles escondem o corpo e passam a guardar esse terrível segredo. Porém, as coisas seriam mais fáceis se não tivessem mais pessoas pela cidade que desenvolveram outros tipos de super poderes.

A história pode até parecer meio idiota sendo lida assim, mas o roteiro se desenvolve de uma maneira real, engraçada, com personagens excêntricos e uma trilha sonora composta por The Rapture, Klaxons, Joy Division e Florence and the Machine. As intrigas são interessantes, e o que mais ganha destaque na série é como eles retratam o mundo real dos jovens, com situações engraçadas e dramas intrigantes. Eles não se vêem como verdadeiros super heróis - pois afinal, eles não são. Eles não estão ali para salvar o dia - mas sim, apenas fingir que são normais enquanto guardam um terrivel segredo.

A série é bem curta, tendo apenas seis episódios por temporada com quarenta minutos cada. Há duas temporadas disponíveis até agora, com uma terceira já anunciada para 2011. O que eu posso dizer é para darem uma olhada, pois sem dúvidas é divertida e interessante. Para quem gostava do Skins da primeira e segunda temporada, com certeza vão gostar. Afinal, isto é o E4.

Os 10 Melhores Albuns de 2010

2010-12-20T07:02:00.000-08:00

Enquanto o Arte à Sétima espera para os últimos lançamentos de 2010 nos cinemas, já temos uma lista completa dos dez melhores albúns do ano. Sendo um blog que indicada tanto filmes quanto bandas, comentar sobre a nossa opinião musical do ano é um costume que o blog vem fazendo desde 2007. Veja abaixo o que selecionamos para 2010:

10. My Best Friend Is You - Kate Nash

Talvez muitos não concordam com a posição de Kate Nash nesta lista, mas não há como negar que esta garota que mudou da água para o vinho, merece estar aqui. Se Kate Nash encantava com sua fofura em Made of Bricks, a cantora encanta muito mais fazendo seu papel de rebelde em My Best Friend Is You, com letras divertidas sobre amor e vingança, e muitas faixas diferentes como sonetos e falas. Um album divertido e gostoso de se ouvir.

09. Champ - Tokyo Police Club

O lançamento do segundo albúm do Tokyo Police Club foi uma descoberta inesperada para mim este ano. Após lançarem um albúm com diversas faixas curtas e idênticas, Champion veio para quebrar essa sonoridade com o melhor que indie rock pode proporcionar, se destacando muito mais do que essas bandas que fazem parte do mesmo circuito que eles, como Maximo Park, Good Shoes, Mystery Jets, e etc. Não há muito o que comentar, apenas o que se ouvir. Apesar de estar em nono lugar, é um album que merece sua posição entre os dez melhores do ano.

08. Broken Bells - Broken Bells

Nunca gostei de The Shins e a razão por eu me interessar em escutar Broken Bells não veio do fato de ser o projeto paralelo do vocalista da banda. Totalmente diferente de The Sins, Broken Bells trás um som meio hip-hop com sonoridades indie pop de um jeito altamente sofisticado e extremamente profissional. Gostoso de se ouvir, este fica em oitavo lugar dos dez melhores albuns do ano.

07. The Suburbs - Arcade Fire

Arcade Fire é sem dúvida umas das melhores bandas da atualidade, se não contar como uma das mais diferentes. Sempre se surpreendendo a cada album, The Suburbs trás a versão mais extensa da banda num album que, apesar de não ser todas incriveis, trás um som de altissima qualidade que marcou 2010. Sua posição entre os dez melhores do ano não poderia passar despercebida.

06. Total Life Forever - Foals

O novo albúm do Foals foi outra surpresa para mim. Totalmente diferente do seu primeiro, a banda surpreende com uma sonoridade mais experimental, cheia de efeitos interessantes. Se Foals se destacava como uma banda indie de qualidade, agora eles conseguiram seu rótulo registrado, se destacando como uma das melhores bandas da atualidade.

05. Contra - Vampire Weekend

Nunca fui muito fã de Vampire Weekend. Aquele som meio africano-tropical nunca me amocionou muito... até agora. O que estava faltando na banda acabou aparecendo no segundo albúm, e me refiro a um ritimo mais marcante em vez daquelas guitarras tocadas com apenas uma corda a musica inteira. Sem contar a introdução de teclados e batidas mais fortes que fazem deste Contra um albúm merecedor de quinto lugar.

04. The Family Jewels - Marina & the Diamonds

Eu ainda me lembro quando em 2009, eu havia baixado o disco da Florence e todo mundo estava comentando sobre Marina & the Diamonds. Quando eu ouvi, reparei na hora que ela seria a nova Florence, e não demorou muito para esse dia chegar. Apesar da Florence se destacar muito mais em 2010 do que 2009, Marina & the Diamonds fez um ótimo trabalho com a chegada de seu primeiro album, e faixas como I Am Not a Robot e Oh No marcaram este ano. A única coisa que eu sei é que foi um dos albuns que eu mais ouvi este ano, e quem sem dúvidas, merece ser ouvido.

03. Tourist History - Two Door Cinema Club

Não demorou muito para o Two Door Cinema Club fazerem sucesso. Ainda nem haviam lançado um album e I Can Talk já era a música bafafa de 2010. Chegando no fim do ano como uma das bandas que mais chamou atenção de 2010, Two Door Cinema Club fica como terceiro colocado aqui graças a dois albuns que achei acidentalmente que marcaram 2010. Caso o contrário, ele estaria muito bem como primeiro lugar, pois a complexidade da combinação de notas e sonoridades que esta banda fez neste albúm é algo que já os destaca como uma das melhores bandas da atualidade.

02. Sugarpills - Kids of 88

Este foi provavelmente o achado do ano. Dentre os undergrounds de The Naked and Famous, Sleigh Bells, entre outros, poucos DJ's estão trazendo Kids of 88 para as pistas de dança. Cheguei até fazer um post aqui no blog tentando entender onde está o bafafa que Kids of 88 ainda não causou, pois esta é sem dúvidas umas bandas mais legais que eu já ouvi, e lógico, o albúm que eu mais escutei este ano. Afinal, o albúm inteiro é a trilha sonora de uma festa perfeita. Batidas e vocais fortes, e música eletronica de qualidade.

01. Brothers - The Black Keys

Misture blues com indie e um pouco de rock crû que você terá o Brothers, novo album do The Black Keys, melhor albúm de 2010 segundo o Arte à Sétima. Depois de diversos albuns com a mesma sonoridade blues, o The Black Keys tomou partido para fazer algo diferente que resultou nessa obra com diversas faixas incríveis e altamente bem feitas. Música de qualidade.

Para quem está se perguntando quem em fica em décimo primeiro lugar, décimo segundo lugar e etc, acredito que o This is Happening do LCD Soundsystem e o Treats do Sleigh Bells entram muito bem em tais classificações, apesar de eu não fazer um Top 20, mas sim, um Top 10. Em 2009, indicamos Lungs da Florence and the Machine como melhor albúm do ano, seguido por It's Blitz do Yeah Yeah Yeahs e Wolfgang Amadeus Phoenix do Phoenix. Em breve comentaremos sobre os dez melhores filmes do ano e as dez melhores séries. Enquanto isso, você também pode dar a sua opinião no fim da barra do menu do blog, nos dizendo qual é o melhor albúm, filme e série do ano.

Também fiz uma pesquisa sobre o que as revistas e sites de música publicaram sobre os melhores albuns do ano e a média deu o seguinte:

01. The Suburbs - Arcade Fire
02. This Is Happening - LCD Soundsystem
03. My Beautiful Dark Twisted Fantasy - Kanye West
04. Teen Dream - Beach House
05. High Violet - The National
06. The Age of Adz - Sufjan Stevens
07. Contra - Vampire Weekend
08. Halcyon Digest - Deerhunter
09. Brothers - The Black Keys
10. Treats - Sleigh Bells

Os resultados foram tirados de fontes como Rolling Stone, NME, Spin, Q Magazine, MTV, Amazon, The Guardian, Portal MTV Brasil, Popmatters, entre outros.

Filmes que você tem que ver quando lançarem!

2010-12-15T11:26:00.001-08:00

Desde da volta do blog, estamos indicando filmes que ainda não lançaram para os leitores se interessarem e ficarem atentos aos seus lançamentos aqui no Brasil. A Origem, A Rede Social, Howl e o Solteirão são filmes que comentamos que já entraram em circuito e ainda estamos esperando por Cisne Negro e I'm Still Here. O filme que indicamos agora é The Tree of Life.

Este é o novo filme de Terrence Malick, mesmo diretor de "O Novo Mundo" onde trás com ele Brad Pitt, Sean Penn e Jessica Chastain para sua mais nova obra. The Tree of Life é uma história que se desenvolve através da criação do universo - desde o big bang até os tempos modernos - com, ao mesmo tempo, o desenvolvimento de duas gerações que se inicia atraves dos anos 50 onde um irmão de um dos filhos de uma familia cresce aprendendo coisas sobre a vida e o universo.Lógicamente o que se entra em destaque aqui é a fotografia e a direção de Terrence e a visualização do trailer fará entender melhor o que eu estou dizendo. Também não há como negar que Brad Pitt, apesar de fazer fama com seu rosto, escolhe bem seus personagens e acaba em filmes intrigantes como Clube da Luta, Benjamin Button, Bastardos Inglórios, entre outros. Veja abaixo o trailer de Tree of Life, cujo lançamento está previsto para primeiro de julho aqui no Brasil:

3 Anos de Arte à Sétima!

2010-12-15T08:49:00.000-08:00

Hoje é um dia muito especial para o blog pois estamos comemorando três anos de sua existência. O que antes havia começado apenas como um blog de divulgação, acabou se tornando um espaço crítico e de indicação para aqueles que apreciam comentários de filmes e bandas com entreterimento e personalidade. Foram apenas três anos, mas muita coisa mudou nesse tempo, e enquanto o blog foi envelhecendo, também crescemos e amadurecemos. Mas no fim, o grande incentivo são vocês, leitores, que apesar de eu conseguir contar nos dedos quantos nos acompanham desde seus primeiros meses, chegamos em 2010 resultando numa média de mais de mil visualizações por mês!

Apesar do Arte à Sétima ser um blog independente, sem nenhuma ajuda, com apenas um editor, é um orgulho e um incentivo a completar estes três anos com tais números registrados. O que o blog tem a dizer é muito obrigado, pois sem vocês, o blog não existiria!

Gui Spada

Nos siga no twitter também! @arteasetimablog

Indicados ao Globo de Ouro 2011

2010-12-14T11:02:00.000-08:00

2010 foi uma surpresa para o mundo do cinema. Depois de dois anos de altos e baixos, com diversos filmes estrangeiros preenchendo as indicações tanto do Oscar quanto ao Globo de Ouro, o cinema americano chegou com grandes lançamentos este ano que formaram uma espécie de perfil que acabaram se destacando, como A Rede Social, A Origem e O Discurso do Rei. Não que eu faça apologia ao cinema americano, mas nos últimos dois anos, houve grandes variedades nas indicações, não tendo um certo padrão uniformizado para as premiações, o que mostrou que o ano não teve grandes lançamentos, apenas certos elementos que entraram em destaque em filmes específicos. Algo que não aconteceu este ano.

Desde seu inicio, quando A Origem chegou aos cinemas, até o seu fim, com o lançamento de Cisne Negro nos cinemas americanos e A Rede Social aqui no Brasil, vamos acompanhando uma tragetória de grandes lançamentos que causam polêmica nos Estados Unidos e acabam sendo ansiosamente aguardados aqui no Brasil, como 127 Horas, Um Lugar Qualquer, Minhas Mães e Meu Pai, entre outros. Obviamente esses títulos são constituídos de grandes nomes como David Fincher, Darren Aronofsky, Danny Boyle, Natalie Portman, James Franco e Julianne Moore, mas no fim, é o seu material que acaba se destacando e não sua fama ou seu elenco. Afinal, o Arte à Sétima não fez de A Rede Social um deus em relação a obra como os outros sites fizeram. Mas ao mesmo tempo, gostamos tanto de A Origem quanto a maioria diz que gosta.

Este ano foi um ano divertido e gostoso de se acompanhar, tanto que no meio do ano o Arte à Sétima voltou de seis meses de abandono para falar sobre as novidades deste ano, já que eram tantas. Pela primeira vez estou acompanhando mais 60% das obras citadas em tais indicações, o que é algo ótimo, pois posso tomar partido a critica e ponto de vista, algo que o Arte à Sétima procura a fazer por livre inspontanea vontade. E é por isso que estou fazendo esta matéria.

Este ano, os melhores filmes indicados ao Globo de Ouro foram Cisne Negro, O Vencedor, A Origem, O Discurso de Rei e a Rede Social na categoria Drama. Lógicamente seus diretores foram indicados ao prêmio de Melhor Direção, sendo assim, Darren Aronofsky, David O. Russel, Christopher Nolan, Tom Hooper e David Fincher. Não há duvidas que os que mais se destacaram em questões de propaganda e fofoca foram Fincher, Nolan e Aronofsky. Afinal, seus filmes foram definitivamente um dos mais esperados do ano, mas ainda acredito que quem vai levar todos os premios este ano é O Discurso do Rei, que apesar de eu não estar informado sobre seu lançamento no Brasil, é um filme que apesar de não ter muita propaganda, é uma obra que muitos estão elogiando muito. Já sobre o meu gosto pessoal, eu gostaria que Darren Aronofsky ganhasse como direção, pois afinal, é meu diretor favorito. Mas enfim.

Halle Berry, Nicole Kidman, Jennifer Lawrence, Natalie Portman e Michelle Williams foram indicados ao Globo de Ouro de Melhor Atriz Drama com os respectivos Frankie And Alice, Rabbit Hole, Inverno de Alma, Cisne Negro e Blue Valentine. Não estou muito informado sobre as obras a não ser Cisne Negro e Blue Valentine, mas acredito que Natalie Portman acabe ganhando esta. Já sobre os atores, Jesse Eisenberg, Colin Firth, James Franco, Ryan Gosling e Mark Wahlberg estão concorrendo para Melhor Ator Drama, com os respectivos A Rede Social, O Discurso do Rei, 127 Horas, Blue Valentine e O Vencedor. Achei interessante o fato de DiCaprio nem ao menos ser indicado por A Origem, e principalmente por Ilha do Medo. É um tanto dificil saber este, pois apesar de todo mundo estar botando fé em Jesse, ainda acho que Gosling fique com o prêmio. Jesse é um ator que está entrando em midia agora, e apesar de ter ido muito bem, não acredito que já merece um prêmio deste. Não vi Blue Valentine, mas Gosling está incrível no trailer, e no filme, deve estar melhor ainda. Se não for este, quem sabe o Franco, já que muitos ficaram chocados com sua atuação no filme. Adoro o James, então, se ele ganhar, estarei feliz.

Já sobre os filmes comédia e musical, Alice no País das Maravilhas, Burlesque, Minhas Mães e Meu Pai, Red e O Turista, ficaram com as indicações de Melhor Filme. Achei um absurdo Alice estar nesta lista, e principalmente por Red ocupar lugar de um filme que poderia ser muito bem Scott Pilgrim, ou até mesmo a aparição de Burlesque ai, mas tudo bem. Logo, Jake Gyllenhaal, Kevin Spacey, Paul Giamatti ficaram com as indicações de Melhor Ator Comédia/Musical para os respectivos Amor e Outras Drogas, Casino Jack, Barney's Vision e Johnny Depp com duas indicações para O Turista e Alice no País das Maravilhas. Achei interessante como Jake conseguiu esta indicação, assim como Anne Hathaway conseguiu uma com o mesmo filme. Quer dizer então que só porque os queridinhos de Hollywood ficam pelados nas telonas eles ganham premios? Afinal, lembra o que aconteceu com Halley Berry em A Última Ceia?? Pois bem. Sem comentar que o Johnny Depp está indicado a duas indicações. Tipo, o que é agora? Virou Meryl Streep?? Soltou um peido e tá indicado?? O Turista está com péssimas criticas e ainda sim ele chegou ao Globo de Ouro. Mas tudo bem, gente bonita pelada na cama parece ser o novo preto.

Annette Bening, Anne Hathaway, Angelina Jolie, Julianne Moore e Emma Stone estão indicadas para Melhor Atriz Comédia e Musical pelos respectivos Minhas Mães, Amor e Outras Drogas, O Turista, Minhas Mães e Meu Pai novamente e A Mentira. Achei incrível Julianne Moore e Annette Bening estarem indicadas pelo mesmo filme, pois sem dúvidas elas são a grande estrela do filme, e sem contar que Minhas Mães e Meu Pai é um filme sensacional que não parece estar simpatizando muitos pelo nome mesmo com as criticas dizendo ao contrário. Afinal, é um filme incrível, e a atuação de Bening sem dúvida é merecedora deste prêmio. Já Angelina Jolie, nem sei o que está fazendo ai com O Turista, e gostei da Anne Hathaway ai mais por simpatia com a atriz. Não estou botando fé no filme em sí, pois afinal, o que todo mundo está falando mesmo é sobre Hathaway e Gyllenhaal pelados na cama.

Christian Bale, Michael Douglas, Andrew Garfield, Jeremy Renner e Geoffrey Rush ficaram com as indicações de Melhor Performance Coadjuvante Masculina pelos respectivos O Vencedor, Wall Street, A Rede Social, Atração Perigosa e o Discurso do Rei. Fiquei muito feliz ao saber que Andrew Garfield foi indicado, pois apesar dele não ter mostrado tanto assim de seu talento em A Rede Social, ele fez papeis incriveis em O Mundo Imaginário do Doutor Parnassus e Não Me Abandone Jamais, um filme que eu senti muita falta aqui nas indicações de fotografia ou até mesmo roteiro adaptado. Mas acho que quem fica com esse é o Michael Douglas, ou até mesmo o Jacki do Discurso do Rei. Quanto as atrizes coadjuvantes, Amy Adams, Helena Bonham Carter, Mila Kunis, Melissa Leo, Jacki Weaver foram indicadas pelos respectivos O Vencedor, O Discurso do Rei, Cisne Negro, O Vencedor novamente e Animal Kingdom. Apostas para Helena, alguém?

127 Horas, A Origem, Minhas Mães e Meu Pai, O Discurso do Rei e A Rede Social ficaram ai com as indicações de Melhor Roteiro. Achei estas indicações as mais justas de todas as categorias, acreditando que os possiveis ganhadores serão ou A Rede Social ou A Origem. O fato de Minhas Mães e Meu Pai estar indicado ai é uma surpresa impressionante que faz eu gostar mais do filme ainda. A Rede Social, A Origem, 127 Horas, Alice no País das Maravilhas e O Discurso do Rei estão indicados para Melhor Trilha Sonora. Para mim, sem duvidas o Hans Zimmer ganha para A Origem, mas nunca se sabe. Não entendi o que Alice está fazendo ai. Afinal, para mim, Alice só serve para efeitos especiais, mas não há tais categorias no Globo de Ouro.

Meu Malvado Favorito, Como Treinar o Seu Dragão, O Ilusionista, Enrolados e Toy Story 3 ficaram com as indicações de Melhor Filme de Animação. Boardwalk Empire, Dexter, The Good Wife, Glee, 30 Rock, Modern Family e The Walking Dead é alguma das séries que foram indicadas também. Para ver o resto da lista, clique aqui para uma visualização do IMDb, já que falei de todos os filmes, restando apenas as partes de séries.

Apesarem de terem colocado algumas coisas estranhas, no geral, as indicações do Globo de Ouro foram um tanto justas, e muitos nomes que todos estavam contando estar ali, apareceram. Minhas Mães e Meu Pai, A Origem, A Rede Social, Alice no País das Maravilhas e Toy Story 3 são filmes indicados a premiação que já foram comentados aqui no blog, e para quem quiser saber, a nossa opinião se encontra nos posts antigos. Outros filmes como Cisne Negro, 127 Horas e Amor e Outras Drogas ainda estão para chegar no Brasil até no começo de fevereiro de 2011. Enquanto isso, as criticas sobre estes filmes estão positivas, e ainda podemos esperar outros nomes para o Oscar como Bravura Indômina. Para ver todas as criticas americanas sobre os respectivos filmes, acessem este site. Enquanto isso, aguardamos para a premiação que acontece no dia 16 de Janeiro de 2011.

Jamaica, a banda... não o lugar.

2010-12-11T08:59:00.000-08:00

Agora que conferimos quase tudo o que estava faltando para vermos no cinema deste ano, sobrou espaço para falar sobre uma nova banda cujo primeiro disco foi lançado este ano. Apresento a vocês, a banda francesa Jamaica!

Sempre achei interessante a forma de abordagem que os franceses tem em relação ao nome de suas bandas e a música feita por eles. Não que isso seja proposital, mas bandas como Justice e Brazilian Girls não aparentam exatamente tocar o que eles tocam. E este é o caso de Jamaica, que não só surpreende na música, mas como também, acreditar que eles são franceses, pois o sotaque americano de suas músicas é simplesmente perfeito.

Mas enfim. Jamaica é uma banda meio indie rock com elementos electro-pops bem gostoso de se ouvir, e ao mesmo tempo, bem divertido e eletrizante. Para um calor deste que anda fazendo é a trilha sonora chave para tanto se botar numa festa de piscina quanto numa festa na sua casa a noite. O primeiro albúm foi lançado este ano e se chama "No Problem", contendo onze faixas inéditas que tiveram produção também por Xavier de Rosney, uma das duas mentes por trás do Justice. A banda serve de indicação para quem gosta de bandas como Phoenix, The Virgins e Generationals. Veja abaixo o clipe de "I Think I Like U 2"

PS - Confira e vê o que acha. Caso se você não conseguir importar as faixas para o Itunes, não se preocupe, pois quase todos os arquivos da internet estão assim.

Crítica - Deixa Ela Entrar

2010-12-07T08:47:00.000-08:00

Por mais que todos reclamam da fama de Crepúsculo, não há como negar que a febre vampiresca causada após tal fenômeno formou grandes nomes no cinema e na rede de televisão. Você pode não gostar de Crepúsculo, mas com certeza assiste True Blood ou The Vampire Diaries. O fato é que de um jeito ou de outro, a moda de vampiros que Bella e Edward causaram no mundo acabou afetando de um jeito ou de outro, nós, expectadores, e quanto mais vamos procurando sobre tal tema antigo em tempos modernos, percebemos que a ideia ainda é bem explorada, apesar da Saga Crepúsculo provocar uma imagem imatura. Para este caso, temos o filme sueco Deixa Ela Entrar, que ano que vem chegará um remake americano aqui no Brasil. Veja o que o Arte à Sétima tem a dizer:

Lançado em 2008, Deixa Ela Entrar conta a história de Oskar, um menino de 12 anos que mora na Suécia e é provocado por garotos em sua escola. Quando uma nova garota que aparenta ter sua idade chega para morar ao lado de seu apartamento, os dois logo viram amigos e Oskar começa a descobrir o poder do amor e da vingança. Porém, coisas estranhas começam a acontecer na cidade e logo Oskar percebe que sua nova amiga, Eli, não é uma garota comum.

Para quem gosta da relação de um humano e um vampiro em tempos modernos, principalmente quando se falam de jovens; e a violência que outros filmes ou seriados de vampiros mostram - Deixa Ela Entrar retrata tanto a inocência de uma criança de doze anos quanto a violência de vampiro velho preso no corpo de uma criança de uma maneira perfeitamente equilibrada. Enquanto o filme é sobre Oskar, e como ele lida com sua vida ameaçadora na escola e com sua nova amiga, o filme também é sobre os terriveis eventos que começam a acontecer na cidade, resultando num filme dramático com cenas altamente chocantes de um thriller de serial killer. Ainda mais, por serem crianças, a revelação de Eli como uma vampira chega a ser um tanto poética, principalmente da maneira em como ela se envolve com Oskar, e como ela afeta em sua vida.

Já em relação dos vampiros, a abordagem do tema é linda e não é preciso explicações para "o que acontece se você fizer isso?". Todas as lendas que abordam o estilo de vida dos vampiros é revelada em situações que envolvem tanto a situação em que os personagens enfrentam quanto o desenvolvimento da história deles. E apesar de tudo isso ser mostrado, as cenas são fortes, mas ao mesmo tempo, possuem uma certa dosagem explícita que ficam perfeitamente equilibradas num filme que apesar de ser de vampiros e mortes, também falam sobre a inocência de uma criança. Como os rapazes que enchem o saco de Oskar é um dos grandes problemas de sua vida e como é para ele, descobrir essa nova experiência de ter alguém ali sendo alguém mais do que um amigo.

E tudo isso, logicamente, é feito pelas mãos de Tomas Alfredson, que se baseou no livro de John Ajvide Linqdvist, que também escreveu o roteiro. O filme todo é feito sem tentativas de causar um certo suspense no ar, mas simplesmente de mostrar tudo o que acontece, mesmo que nós vamos ligando os fatos aos poucos. Tanto que a fotografia do filme é absurdamente normal. Mas foi exatamente esse equilibrio entre o terror e a inocência que fizeram deste filme um dos melhores filmes de 2008, e sem dúvidas, um dos melhores filmes de vampiros ou até mesmo de suspense já feitos.

Lógicamente, os americanos fizeram um remake deste filme, pois ele não aguentam que um filme estrangeiro seja melhor que um deles em tempos atuais. O filme foi dirigido pelo mesmo diretor de Cloverfild, e apesar de estar recebendo ótimas criticas no exterior e o trailer parecer bem bacana também, vejam esta versão original primeiro, pois não há nada mais puro do que a obra original. Já para aqueles que não conseguirem, tentem pelo menos ver o remake que lançará entre o fim deste ano e o começo do ano que vem aqui no Brasil, pois este sem dúvida é um filme incrível. Veja o trailer do remake abaixo: